Los conciertos de Mastrito

Bailando el vals que Bunbury nos toca

2012-01-25T17:17:00.013+01:00

Enrique Bunbury, Pabellon deportivo Rafael Florido (Almería), 24-1-2012
Hay personas que nacen con una fuerza interna que les lleva a ser líderes en cualquiera que sea la actividad que decidan emprender. Enrique Ortiz de Landázuri Izardui, más conocido como Bunbury es ,a mi entender, una de esas personas.
Podría haber sido, por poner algunos ejemplos, torero – porque parece tener planta, valentía y chulería necesaria para ello - boxeador, y de hecho parece tener alguna afición al cuadrilátero, poeta- en parte, lo es - , o pintor. Difícilmente lo imagino fichando cada mañana, aunque si hubiese optado por ese camino, también estoy seguro de que lo haría bien, pero por fortuna, se decidió por la música y eso nos ha proporcionado en este país una de las carreras más sólidas e internacionales de las que el rock´n´roll patrio dispone.
Con una sorprendente forma de escribir y componer, ávido de nuevas experiencias, de reinventarse en cada nuevo proyecto, sin dejar de escuchar música – que es algo que yo creo que muchas “mega-estrellas” suelen hacer, por no hablar de algunas que no han escuchado nunca más allá de la lista de “los 40” -, con influencias clarísimas - y reconocidas por él mismo - de ciertos genios indiscutibles: Dylan y Bowie, sobre todo, en lo musical. Pero también con muchos guiños a Tom Waits en llo que a instrumentacion se refiere, o al mismísimo Elvis en su forma de comportarse en un escenario, exagerando gestos y poses para deleite de sus fans – que somos muchos – y desesperación de sus detractores, que suelen quedarse en lo superficial para, en la mayor parte de ocasiones, dedicarse a criticarlo por estos motivos sin conocer bien su obra.
Pues bien, comprenderéis tras este panegírico de introducción que mi admiración por Bunbury es grande y declarada a los cuatro vientos – teniendo por ello que soportar en no pocas ocasiones las burlas de algunos compañeros músicos – y no músicos – que, en su derecho a la libre opinión del que, por ahora, disfrutamos – se mofan de mi debilidad por este controvertido artista.
Y algunas he tenido que soportar en estos últimos días, en los que yo andaba ilusionado por acudir a su presentación del nuevo álbum “Licenciado Cantinas” en mi ciudad. Ya tuve la ocasión y la suerte de acudir, hace ya casi cuatro años, a la presentación en Madrid de su “Hellville Deluxe” (crónica que también podéis leer pinchando aquí), y no me defraudo aquel concierto. La banda con la que se estrenaba en aquella gira es la misma que continua con él en la actualidad, y con la que yo ahora esperaba estuviese mucho mas compenetrado, tras casi cuatro años de trabajo con ellos.
Pues bien, hoy, con la cabeza bien alta tras escuchar uno de los mejores conciertos de rock – que porras…de ROCK , con mayúsculas – de los últimos años, voy a recuperar mis crónicas de conciertos que tenia abandonadas desde hace meses – por andar bastante ocupado en proyectos musicales propios – porque desde luego este concierto es de los que lo merecen.
Para empezar, y total ya puestos a defender a Enrique, comprendo perfectamente que se viese obligado a suspender el concierto inicial del día 13 de enero (y otro más en Valencia, dos días antes). He leído opiniones de “impresentables” y "energúmenos", amparados por el anonimato, por las redes sociales, insultando y criticando la suspensión de esos conciertos, cuyo motivo no fue otro que la enfermedad de Bunbury, certificada por un médico colegiado oficial, por una faringitis aguda. Estoy seguro que más de uno de los que implacablemente se cebaba con el artista es capaz de faltar a su trabajo por un leve resfriado. Hay artistas que tiene fama de “flojos”, de no cumplidores, etc, pero no es el caso de Bunbury, que creo que demuestra siempre su profesionalidad. Pero, como bien dijo anoche durante el concierto, ”los virus no tienen fines de semana”, y no entienden de conciertos, compromisos, entradas o fechas. Ellos sí que son esclavos de su trabajo y lamentablemente no tienen vacaciones.
Dicho esto, y tras la lógica decepción inicial por ver trasladada la fecha del concierto a casi dos semanas más tarde, lo cierto es que me tomé el aplazamiento como una oportunidad para lo que yo suelo denominar “preparación del concierto”, y durante estos días previos he vuelto a escuchar sus mejores discos (que son casi todos) y a visionar algunos de sus conciertos y documentales. Digamos que me he “bunburyzado” a base de bien, que es la mejor forma de disfrutar luego del concierto, siendo muy consciente de lo que se va a escuchar. Es mi manera de hacerlo, y a mí me funciona.
Como decía antes, la gira que Bunbury ha comenzado en este enero de 2012 es la de presentación de su nuevo trabajo, “Licenciado Cantinas”, un disco peculiar en el que desde el primer acorde se trasluce que este artista tiene un estilo tan personal que es capaz de realizar un disco completo de versiones y, con toda naturalidad. hacerlas suyas de inmediato. También en esto se fija en sus grandes ídolos, porque casi todos, en algún momento de su carrera, frenan y echan un vistazo a sus orígenes e influencias y realizan un disco versionando a otros. Ahí está el ejemplo de Bowie, con su disco “Pin ups” donde versionó temas de The Who, Pink Floyd o The Kinks, entre otros o, sin ir más lejos, el reciente trabajo de Paul McCartney “Kisses on the bottom”, donde versiona, con una producción muy jazzistica, algunas de las canciones que escuchaba cuando era niño, en su Liverpool natal. Todos tenemos nuestras propias raíces e influencias musicales, algunas muy escondidas en el subconsciente, que provienen en ocasiones de lo que han escuchado nuestros padres, o algún familiar cercano, o simplemente de preferencias por determinadas culturas musicales que de forma inexplicable nos atraen, por muy lejanas que nos parezcan. Es lo mágico de la música, y la explicación de su universalidad. Y Bunbury se ha dejado llevar por esa afición suya por la música latinoamericana demostrada ya en temas concretos de sus discos anteriores. Se me viene a la cabeza la maravillosa versión mexicana de “Infinito”, con los mariachis y Julieta Venegas al acordeón. Cuando se visiona ese video-clip uno se da cuenta de que en esa época, hace ya unos años, ya estaba el germen del “Licenciado Cantinas” en la mente de Enrique. O en temas como “Canto (el mismo dolor)”, de su maravilloso “Viaje a ninguna parte”, que desprendían un maravilloso olor a ranchera y corrido mexicano.
En palabras del mismo Enrique en este disco la labor de composición ha sido sustituida por la labor de selección de las trece canciones que lo integran, y con las que ha querido contar una historia, la del Licenciado Cantinas, un personaje interpretado por él en el escenario.
Pues este es el contexto en el que nos movemos y lo que anoche, en el pabellón Rafael Florido de mi ciudad, Almería, venía a mostrar Bunbury, y lo que realmente quiero contar – aunque lleve ya más de dos páginas escritas sin haber comenzado. Debe ser el “mono” de escribir crónicas que tenía el que me está haciendo teclear más de la cuenta, pero voy a intentar “ir al grano”, a ver si soy capaz de centrarme.
Tal y como intuí, y constaté a la llegada al pabellón, junto a mi mujer y mi amigo el también músico y roquero “de pro” Rosendo Alvarez, gran admirador de Bunbury también, la afluencia de público no era masiva, pienso que achacable al traslado de fecha, que pasó de un viernes a un martes, lo que seguramente motivó la devolución de muchas entradas. No todo el mundo está dispuesto a irse un martes de concierto, y es comprensible. Pero como no hay mal que por bien no venga, fue un verdadero placer entrar al recinto con facilidad y lograr un privilegiado sitio bastante cerca del escenario, y equidistante de este y de la barra donde se podían conseguir de cuando en cuando algunas frescas cervecitas, fundamentales para un espectáculo de este tipo. El publico, bastante heterogéneo en edades y aspecto, me sorprendió por lo respetuoso. Siempre en este tipo de conciertos de rock parece que “suelten” a una horda de “gilipoyas” que se reparten por el recinto con el único fin de molestar a todo el mundo con sus estupideces, y que no parecen nada interesados en lo que ocurre en el escenario, sino mas bien en hacerse notar, dar codazos y derramar cervezas y/o ceniza sobre sus vecinos. Pues bien, anoche, si los había, no se pasaron por nuestra zona, de forma que pudimos disfrutar con tranquilidad y alegría del espectáculo.
Puntualidad. Algo que no abunda en este nuestro país. Posiblemente el concierto comenzó con unos escasos minutos de retraso - no miré el reloj en ese momento- , totalmente aceptables. Hasta en eso me quito el sombrero con este tipo. Y como era de esperar el concierto comenzó con el tema instrumental “El mar, el cielo y tu”, que también abre el disco “Licenciado Cantinas”, versión de una vieja canción del mejicano Agustín Lara. Y tampoco me sorprendió que, a continuación, la enlazase – como en el disco – con el potente “Llévame”. En cuanto comenzó este tema sospeché cuanto iba a disfrutar con esa banda sobre el escenario. Como decía antes, ya presencié hace algunos años, en la presentación de “Hellville Deluxe”, el nacimiento de su nueva banda “Los santos inocentes”. Tras muchos años con otros músicos, que conformaban la banda que acabo llamándose “El huracán ambulante”, Enrique decidió cambiar de sonido y, por tanto, de músicos. Quedándose solamente con su batería, mi “casi-tocayo” Ramón Gacías, que parece ser su clara mano derecha en toda su carrera en solitario, buscó savia nueva, y sin duda la encontró. Los músicos del “Huracán Ambulante” eran fantásticos, pero estos “Santos inocentes” no lo son menos, desde luego. El sonido que Enrique iba buscando era más roquero, más cercano al estilo “americana”, donde se mezcla muy bien el folk, el country, el rockabilly y el rock más clásico. La instrumentación que lleva lo demuestra: Batería, bajo (o contrabajo en esta ocasión, por los temas mas “cantineros”), dos guitarras y un teclista “no tecnológico”. Me explico: nada de sonidos extraños de sintetizador, nada de sonidos sampleados intentando imitar a violines ni trompetas, etc. Sonidos de teclado puros y añejos, muy “vintage”: pianos limpios, pianos eléctricos tipo “fender rhodes”, acordeón y un órgano Hammond de los de toda la vida. No hace falta más para hacer esta música. En esta ocasión ha incorporado a un percusionista, también por los temas del último álbum, en los que la percusión tiene un papel preponderante, pero habrá que ver si lo conserva en el futuro. Con Enrique Bunbury es muy difícil hacer una previsión, porque seguro que nos volverá a sorprender.
Pues ahí estábamos, frente a un escenario austero pero elegante, con un despliegue quizás algo excesivo de luces, pero contundente, y con unos fantásticos músicos que empezaban a hacer buen rock. Y aparece Bunbury, enfundado en un traje negro con unos llamativos adornos de llamas fuego, todo muy en la “tarantinica” onda de “abierto hasta el amanecer”, muy latino, muy visceral y sobre todo, muy roquero.
La verdad es que sería incapaz de recordar el exacto orden de las canciones, pero, oh maravillas del facebook, anoche mismo ya estaba publicado el “set list” del concierto de Almería en el perfil del artista, por lo que no voy a tener que, como en otras ocasiones, hacer un ejercicio de memoria para recordar el transcurrir del evento: me lo han puesto fácil.
Tras el arrollador “Llévame”, nos tranquilizó de inmediato con uno de sus temas mas jazzísticos, que es en su comienzo casi una bossa-nova: “Irremediablemente cotidiano”, demostrando que estaba totalmente restablecido de su reciente enfermedad, porque su voz sonaba alta, clara y potente.
A partir de ahí, sabiamente, fue combinando temas de “Licenciado” con composiciones de sus anteriores trabajos, alternando también entre sus temas mas potentes y los mas “tranquilos”. Lo pongo entrecomillado porque los temas tranquilos de Bunbury suelen serlo al inicio, pero casi siempre van ganando en intensidad y acaban transformándose en pequeños y sentidos himnos.
La banda lo secunda a la perfección en esta creación de ambientes, sabiendo dosificarse y jugando con la dinámica en todos los temas, de forma que logran emocionarte y sorprenderte en intervalos de pocos minutos o segundos, dentro de cada canción.
De su nuevo trabajo nos interpretó más o menos la mitad, creo que con buen criterio ya que tampoco es cuestión de abusar con demasiados temas nuevos, aunque estos realmente no sean “nuevos” del todo. Tras los tres primeros, ataco con “El solitario (Diario de un borracho)”, con el que nuevamente nos transportaba al ambiente tex-mex (de hecho el disco está grabado en su mayor parte en un estudio de Texas, el “Sonic Ranch”) y cantinero que destila todo el disco. Quizás este es el tema que mejor lo representa. El single del disco, el conocido “Odiame” fue también bordado en directo, con un trabajo inmenso del teclista Jorge Rebenaque en el órgano Hammond. El corrido “Animas, que no amanezca” es otro buen ejemplo, con sus preciosos arreglos de acordeón y su ritmo trepidante. “El dia de mi suerte”, composición original del norteamericano de origen portorriqueño Willie Colon, es otra de las joyas del disco, y que gana en fuerza con el directo, transformando un tema inicialmente “salsero” en un potente rock´n´roll.
Como regalo al público almeriense – o porque lo tenía previsto, que estas cosas quedan muy bien – estrenó en directo el tema “Mi sueño prohibido”, bolero en el que participa – en el disco – el gran Eliades Ochoa, con un solo de guitarra.
Si disfrutamos con los temas de su último trabajo, ni que decir tiene que donde el público se entrego – y me incluyo – fue con algunos de los temas de sus anteriores trabajos, porque ya empiezan a ser parte de la historia de rock en castellano. Temas como “El extranjero”. “No me llames cariño”, “Que tengas suertecita”, “Sácame de aquí”, uno de sus más complejos temas, llamado simplemente “Si”, o el maravilloso “Infinito” fueron coreados por todos y, en determinadas ocasiones, cantados solo por el público, con un Enrique disfrutando de oír sus letras perfectamente entonadas por las gargantas de tanta gente. También sonaron algunos de los mejores temas de sus últimos trabajos, como “Los habitantes” o “Las consecuencias” – ambos del álbum titulado como este último tema, o la en su día controvertida “El hombre delgado que no flaqueará jamás”, bastante transformada de la original versión de estudio, mucho mas “rocanrolera”. Es este también un aspecto digno de destacar de Enrique: su capacidad para reinventarse constantemente, y re-arreglar sus propios temas, antiguos o modernos, y adecuarlos al momento y la banda actual, jugar con ellos y sacarles, si cabe, mas partido. Otro ejemplo de lo que comento es la nueva versión que interpretaron del tema “La señorita hermafrodita”, que al principio hasta costaba reconocer.
El concierto iba llegando a su fin, y os puedo asegurar que yo pensaba que no habían pasado más que unos minutos, y tras un par de amagos de marcharse – que ya están muy calculados y estudiados, ya que esas cosas son parte del show – sonaron las notas al piano del que ya se ha transformado en un clásico himno para el cierre de sus conciertos: el tema “Y al final”, un maravilloso vals al más puro estilo “bunburiano” con cuya letra aprovecha para hacer una despedida formal, volviendo a presentar a sus músicos, a los que ha ido mencionando a lo largo del concierto, porque esa es otra cosa que este tipo cuida, cosa que no todos hacen: presentar como es debido a cada uno de los músicos que lo acompañan y hacen posible de que su música suene tan espectacular.
En el concierto de anoche, yo destacaría al guitarrista Jordi Mena , por su versatilidad y buen gusto con las diferentes guitarras que se fué colgando, y sobre todo por sus magníficos solos, aunque el otro guitarrista, Alvaro Suite, tuvo también grandes momentos. El bajista, Robert Castellanos, estuvo a la altura tanto con el bajo eléctrico como con el contrabajo, y el percusionista Quino Bejar estuvo en su sitio, sin demasiado protagonismo – cosa que es de agradecer – dándole color a los temas que lo necesitaban. Ya mencioné antes a Jorge “Rebe” Rebenaque, el pianista, que también realizo un magnífico trabajo al órgano, acordeón y diversos pianos, creando los ambientes necesarios para que todo tuviese un sonido de autentico rock americano. Y, por supuesto, Ramón Gacías, tras los tambores, seguro y contundente, sin alardes demostrando porque es uno de los pilares fundamentales de todas las bandas de Enrique y de la producción de sus discos. Pero realmente en el escenario destaca quien debe destacar: el propio Bunbury, con su histrionismo, su particular estilo y gestos tan personales, que le ayudan a componer su personaje en escena y que se combinan intrínsecamente con su música.
Antes de acabar, no puedo olvidar hacer una mención expresa al sonido del concierto, que me pareció espectacular. Limpio y claro, potente cuando debía, pero dejando escuchar todos los instrumentos y matices. No sé si el pabellón reúne alguna condición para la acústica – es un pabellón deportivo por lo que, si es así, será por casualidad – o si los técnicos de sonido eran muy buenos o estuvieron inspirados, pero el resultado fue sorprendentemente bueno. Llegando al final se estropeo un poco, ensuciándose demasiado en algunos temas, pero no empañando la sensación general de sonido impecable. No siempre es así, y por eso quiero destacarlo. Una mala gestión del sonido puede echar a perder los esfuerzos de cualquier músico. En esta ocasión todo funcionó a la perfección.
Y así, como el propio Enrique nos dijo, al llegamos al final, y puedo asegurar que “nos ató con todas sus fuerzas” para seguir bailando su vals, ese al que nos enganchamos todos sus admiradores un determinado día, y en el que nos sigue manteniendo, girando y girando hasta que aguantemos de pie.
Un placer volver a verlo, Don Enrique. Y que sea por muchos años ¡¡¡ torero !!!.

La cara oculta de los homenajes

2011-06-12T19:39:00.008+02:00

Pink Tones, Homenaje a Pink Floyd. Campo de futbol de Huercal de Almería, 11 de junio de 2011
Una vez mas comparezco por aquí para contar lo que otros cantan, o tocan...que para el caso es lo mismo.

En más de una ocasión en este mismo blog he relatado mis experiencias - casi siempre placenteras - al escuchar a grupos de los conocidos como "de homenaje", o por usar el término internacional, Covers Bands. También siempre he defendido la existencia de este tipo de bandas - no en vano yo he pertenecido a alguna de ese estilo, y lo volvería a hacer - ya que me parece que el rock o el pop que merece la pena ser versionado no es más que el equivalente a la llamada "música clásica", y nadie discute si es pertinente o no que una orquesta sinfónica haga "versiones" de Beethoven o de Mozart, y tampoco que discute que las realicen con la mayor fidelidad posible al original. En el caso del pop o el rock, cierto es que la mayoría de bandas existentes versionan a otras que están en activo aún - para nuestra suerte, en la mayoría de los casos - o bien que aun habiendo desaparecido, muchos de sus miembros siguen entre nosotros, con mayor o menor salud - dependiendo de los excesos cometidos durante su azarosa vida artística. Por tanto, una vez más defiendo "a capa y espada" - si hace falta me batiré en duelo "musical "con quien me lo pida - a los músicos que se esfuerzan por recuperar, conservar y mantener la música de los grandes autores e instrumentistas de la segunda década del pasado siglo, y haciendo que podamos disfrutarla en directo, que es como la música adquiere su total sentido.

Dicho esto - por enésima vez, lo sé - es normal que me fijase en un cartel apareció en algunas fachadas - si, todavía se pegan carteles - en el que se anunciaba la actuación de 3 bandas de este tipo en el campo de fútbol de Huercal de Almeria. De las tres, realmente me interesaba bastante solo una de ellas, ya que uno tiene sus preferencias. Actuaban la "Bon Scott Band", que como es lógico hacen su homenaje a AC-DC, los Metallmania, que hacían lo propio con Metallica y los "Pink Tones" que homenajeaban a los Pink Floyd. Aunque no le hago ascos al buen heavy metal, reconozco que nunca ha estado entre mis estilos de cabecera. Pero en lo que respecta al rock progresivo, eso es harina de otro costal. La posibilidad de escuchar versiones de los Floyd en directo siempre es una buena excusa para acudir a un concierto.

Había algo que me frenaba un poco, y era el hecho de haber visto al mismísimo Roger Waters en directo - ver mi artículo sobre el concierto en este mismo blog - hace unos pocos años, cuando presentó su show de "Dark side of the moon". No solo escuché al completo dicha obra maestra "en vivo", de manos de uno de sus creadores, sino que también pude disfrutar de algunos otras joyas de los "fluidos rosas" en esa misma ocasión. Ese show me pareció fantástico, y por tanto, pensé que podría ser contraproducente escuchar a un grupo homenaje, cuando había disfrutado de un "casi-original" que aún conservaba en mi retina (y oídos).

Aún así, y tras la insistencia de mi hija mayor, que va descubriendo poco a poco las maravillas de la buena música - sea la que sea - y algún que otro amigo que planeaba acudir, decidí decirle a mi mujer que cambiábamos una tranquila noche de sofá y cine por un buen plantón frente a un escenario. Bueno, ya está acostumbrada. Le prometí buena música, luces de colores y que lo pasaríamos bien. Ese argumento ya lo usaron los "Mecano" con bastante éxito, ¿Por qué no me iba a servir a mi?.

La casualidad - porque no tenía nada claro el orden de actuación de las tres bandas - hizo que llegásemos justo cuando el concierto de los "Pink Tones" comenzaba. Y ya ese comienzo me sorprendió, porque curiosamente no eligieron para darnos la bienvenida algún gran éxito de la banda. De hecho tuve que buscar un poco en mis archivos musicales mentales para recordar en que disco estaba ese comienzo instrumental con el que nos deleitaron: "Obscured by clouds", uno de los álbumes menos conocidos de la banda inglesa, y reconozco que uno de los menos escuchados por mi, aunque nunca es tarde para enmendar errores.

De entrada, y ya desde este primer tema, me quedó claro que esta no era una simple banda ocupada en interpretar las canciones, sino que también se habían trabajado el otro aspecto fundamental en la banda psicodélica por excelencia: la puesta en escena. Humo en abundancia por el escenario, buena iluminación - tratando de imitar en lo posible la de la banda original, y hasta un laser que ponían en funcionamiento de cuando en cuando. Y alguna sorpresa más que comentaré mas adelante.

Inmediatamente después de esta atípica introducción ya sí que comenzaron a abordar los "clásicos", empezando "Dark side of the moon", con sus temas enlazados "Speak to me/Breathe", "Time" y "On the run".

Como si quisiesen respetar la cronología de álbumes - aunque luego no lo hicieron -, inmediatamente se enfangaron con "Shine on your crazy diamonds" tema que ocupa casi la mitad de su álbum "Wish you were here" y que, si no recuerdo mal, interpretaron al completo. También de este álbum sonaron "Have a cigar" y el precioso tema que da título al disco - y que dedicaron a su malogrado compañero Syd Barrett - "Wish you were here". Solo les faltó "Welcome to the machine" - que estoy seguro que también sabrán interpretar - para completar dicha obra.

Eché en falta algo del "Animals", pero se lo saltaron, para volver al "Dark side of the moon", y hacer una buena versión del "Money", durante la cual intenté, no sé si con éxito,- explicarle a mi hija lo que es un compás de 7/8.

Durante toda la interpretación de estos temas, como es lógico, no perdí detalle de cada músico de la banda, y llegado ese momento ya me había hecho una idea de lo que se movía por el escenario. El guitarrista principal y cantante - no puedo decir los nombres, porque cometieron el error de no presentarse - me pareció que era el claro líder de esta banda, y demostró sobradamente su pericia con la guitarra - sobre todo en los calcados solos de David Gilmour – siendo su voz aceptablemente buena. También hay que tener en cuenta que ninguno de los dos cantantes originales de Pink Floyd (Waters y gilmour) son una maravilla a nivel vocal, aunque personalmente me encanten sus voces. La cuestión es vocalizar bien, y ponerle ganas a cada tema. En las partes más agudas - las que a veces suele hacer Waters - tampoco se defendía mal.

El otro guitarrista también me pareció buen instrumentista, y a eso hay que añadir que además tocó el saxo en "Shine..." y en "Money", lo que me hace pensar que quizás sea un saxofonista metido a guitarrista, más que lo contrario. En cualquier caso, ambas cosas las hizo bastante bien.

El batería y el bajista hicieron su labor. En el caso del batería, basta con aprenderse bien los golpes que Mason va dando, y tratar de ser un buen metrónomo. Y no lo digo despectivamente. Ninguna de las dos cosas me parecen fáciles, y las dos las hizo bien. En el caso del bajista, creo que no le llega al estilo imaginativo de Waters con el bajo, pero lo hizo bastante bien. No así como cantante, que está claro no parece ser lo suyo. De todas formas, no cantó demasiado, así que todos contentos.

El teclista también me pareció correctísimo. En algunas ocasiones no conseguía crear esas famosas cortinas de sonido de las que Rick Wright era especialista, pero en general cumplió muy bien su cometido. Y llevaba un buen arsenal de teclados, entre los que pude distinguir un Clavia (supongo que un Nord Lead) con el que hacia los indispensables Hammond, y un sintetizador (no pude ver la marca y modelo) auténtico, con el que consiguió algunos sonidos “setenteros” bastante logrados.

Por último, el buen hacer de las dos cantantes de la banda quedó patente durante la interpretación de uno de los temas más complejos de la banda, a nivel vocal, el famoso "The great gig in the sky". Hasta ese momento, las dos chicas habían realizado una buena labor como coristas, y siguiendo bastante bien la coreografía típica de las chicas que suelen acompañar a los verdaderos floyd - o a Waters en solitario. Pero en ese tema demostraron su valía como cantantes. Muy buena interpretación, desde luego. Ese es un tema en el que si no se cuenta con unas buenas voces, es mucho mejor no hacerlo.

Como los rios llegan al mar, cualquier concierto de los Floyd, sea de los verdaderos o de alguna banda de homenaje, desemboca en "The wall". La obra cumbre de la banda y que, paradojicamente, resultó ser el principio de su fin, contiene infinidad de melodías conocidas, temas míticos que ya han pasado a formar parte de nuestra vida, de la memoria colectiva musical mundial. ¿Quién no ha coreado a voz en grito alguna vez el "We don´t need no education..." de "Another brick in the wall". ¿A quién no se le han puesto los vellos de punta escuchando canciones como "Mother" o "Comfortably numb"?. Alguno habrá, pero seguro que tampoco sabe que Franco ha muerto, y que el Madrid es campeón de Europa desde hace tiempo, como contaba aquel viejo anuncio. Vamos, que posiblemente es que haya vivido en otro planeta.
Así que los chicos de "Pink tones" empezaron a "darle caña al muro". Sonaron temas como "In the flesh", "Another brick in the wall" - sus tres partes - o "The happiest days of our lives". Y fue en este momento donde, además de deleitarnos con música e iluminación, empezó a crecer un gran muñeco hinchable en la parte izquierda del escenario, representando al famoso profesor de "The wall" (recordad...el de "hey...teacher...leave the kids alone"), ese que diseñó para el álbum el dibujante Gerald Scarfe, y que ya forma parte de los símbolos asociados a la música de Pink Floyd y The wall. Con sus inquietantes focos en los ojos, y sus movimientos de mano, dio un toque aún mas especial a la interpretación de los mencionados temas.

Ya iba acercándose el fin del concierto, tras más de dos horas de música, cuando pudimos escuchar la maravillosa "Mother". Lamentablemente no se qué problema tuvieron con este tema, que sonó bastante mal durante su parte central, dándome la sensación de que algunos músicos estaban tocando en una tonalidad diferente a los demás. Ya que la banda demostró sobradamente su calidad musical durante todo el concierto, quiero pensar que fue algún problema técnico, no imputable a los músicos.

Como bises nos regalaron el cercano al heavy "Run like hell", y el grandioso "Confortably numb", que lamentablemente también tuvo algunos momentos "extraños" en lo que al sonido y voces se refiere. Vuelvo a repetir que prefiero pensar que era cuestión técnica. Aún así, el guitarrista y líder de los "Pink Tones" nos hizo vibrar con el solo final de guitarra de este tema, dejando un buen sabor de boca final.

Aparte de los dos "pequeños" fallos comentados, si algo eché en falta en esta banda fue su poca - casi nula - comunicación con el público. El líder se dirigió en un par de ocasiones al público, de forma escueta. Prueba de ello es que, como comentaba antes, ni siquiera emplearon un par de minutos para presentarse, cosa que me parece fundamental. Podríamos decir que se tomaron bastante en serio lo de la "cara oculta". Yo creo que se puede ser una banda de homenaje en la que lo importante es el grupo homenajeado, pero los que se los están currando en el escenario tienen nombre y apellidos y a mí me gusta saberlos. Manías. Podría buscar la información sobre ellos por internet, pero no voy a hacerlo. Suelo recurrir a eso cuando no logro retener los nombres, pero en este caso no me dieron opción a eso. Si por casualidad leen este blog, que se lo tomen como un pequeño tirón de orejas, con la mejor intención. Y que tomen nota.

Por lo demás, tengo que reconocer que me dejaron bastante asombrado, porque imagino lo que cuesta montar y mantener una banda así. Mucho esfuerzo musical y organizativo, y seguramente una gran inversión previa, que luego nunca se sabe si se va a recuperar. Ojalá sea así, y duren muchos años, porque lo hacen realmente bien, y anoche nos hicieron disfrutar y soñar con la maravillosa música de unos genios del siglo XX: Pink Floyd. Bien por los "Pink tones".

Fotos: Paula García

En el templo del rey David

2011-03-07T22:44:00.014+01:00

David Lenker, Francis Pose, Manuel Toro y Eva Montiel, 5 marzo de 2011, Asociación Clasijazz (Almería)
La zambullida de la noche anterior en ese romántico universo de la música italiana, sentimentalmente intensa pero musicalmente sencilla, hizo que pasase parte de la mañana del sábado sentado al piano, recordando esas melodías y viendo como fluían de mis dedos, con esa satisfacción inmediata que da interpretar la música popular.

Ah, pero ya sabía yo que la noche del sábado me devolvería a la cruda realidad, a la música con mayúsculas, esa a la que uno aspira pero no sabe si llegará alguna vez. La que te hace pensar que te falta otra vida para lograr dominar un instrumento como algunos de los músicos a los que tanto admiro. Y esa noche iba a tener la suerte de compartir un buen rato con algunos de ellos.

Ya he hablado en este mismo blog con anterioridad de David Lenker. Pianista norteamericano afincado desde hace ya mucho en nuestro país, actualmente en la provincia de Málaga. Tuve la suerte de tenerlo como profesor en un seminario en Granada hace un par de años, y desde entonces siempre que he coincidido con él ha resultado muy satisfactorio para mis oídos. Si a eso añadimos se trata también de una gran persona, de magnífico trato y gran sentido de humor, pues resulta siempre un placer volver a verlo. Hace un año nos visitó tambien en Clasijazz, y en esa ocasión compartiendo escenario con mi amigo el guitarrista Antonio Gómez, otro de los grandes de su instrumento. No voy a contar mas, porque en este mismo blog ya comenté en su dia ese fantástico concierto, y espero que esa colaboración continúe en el futuro.

Pero en esta ocasión David acudía a Clasijazz a presentar un proyecto propio llamado “Ways”, aunque en la publicidad del club venia anunciado como “David Lenker Trío”. Sin embargo, tal y como el explicó brevemente durante el concierto, se trata de algo parecido a una cooperativa musical, con el denominador común de interpretar sus composiciones, pero intentando dar cabida a muy diferentes músicos, algunos de los cuales - a los que nombró - no pudieron estar esa noche.

Para la ocasión que nos ocupa le acompañaban tres sólidos músicos: Francis Posé – de sobra conocido para todo aficionado al jazz en este país, al contrabajo– Manuel Toro, en la percusión, y Eva Montiel como vocalista.

El concierto dio comienzo de forma muy singular con un tema llamado “Bicheria”. Hasta yo, que creo estar curtido ya en estas lides, llegue a pensar que Lenker y sus colegas iban a dar un recital de free jazz durante los primeros minutos, escuchando la introducción de dicho tema. Mi mujer me miraba con esa expresión de “¿pero en que lío me has metido esta noche?”. Sin embargo, poco a poco el tema fue evolucionando hacia una música más entendible.

Como para compensar, la siguiente composición – “El baile de los girasoles” – nos introdujo mucho más claramente hacia el camino a donde se dirige la música de Lenker. Según él mismo comenta, últimamente está muy interesado en hacer canciones, y de ahí que también contásemos esa noche con Eva Montiel, para poner voz a algunas de las letras sus composiciones.

De esta primera parte me quedaría - aunque me gustó al completo - con un precioso tema llamado “Reinado sin rey”, basado en una composición de Johann Sebastian Bach, aunque también me parecieron muy interesantes las dos composiciones en las que nos presentó a Eva Montiel: “Close your eyes” y “Fly”. Lástima que a la voz de Eva le faltase un poquito de efecto “reverb”, y sonase algo seca, para mi gusto. Pero, aún así, demostró cantar realmente bien.

La segunda parte posiblemente fue aún mejor, si cabe. Según David en el primer pase aún andaba “haciéndose con el piano”, y fue en el segundo donde realmente disfrutó en sus improvisaciones. Yo diría que las del primer pase fueron igual de buenas, pero…no vamos a contradecir al maestro, que de esto demuestra saber mucho mas que yo.

El que no pareció tener que familiarizarse con el contrabajo fue Francis Posé. He visto a este fabuloso contrabajista en numerosas ocasiones – la última, con Iñaki Salvador y Roper en un fantástico trió que tienen montado – pero realmente nunca le había escuchado arriesgarse tanto en sus improvisaciones como en esta ocasión, arrancando los aplausos del público tras cada uno de sus solos. Y no era para menos, ya que creo que puso su alma en cada uno de ellos.

No querría olvidar, desde luego, la labor de Manuel Toro, con su pequeño set de percusión, dándole a todos los temas el ritmo y color preciso, sobre todo con el cajón peruano, tocado con escobillas, o con las manos, creando tensión y llevando impecablemente el ritmo, a veces muy complejo, de los temas que sonaron allí. No conocía hasta ese momento a este percusionista, pero a partir de ahora le seguiré la pista.

Comenzaron esta segunda parte con “La punta de la Plata”, tema con una melodía muy cercana al flamenco, y siguieron con “La ratonera”, un 3/4 ( o 6/8, no se) muy simpático y rítmico. Pero donde realmente lograron alcanzar el climax de la noche fue en un tema ya conocido por mi y que me parece una de las mejores composiciones de David: “Blues andaluz”. La introducción con el arco de Posé al contrabajo ya nos dejó prácticamente sin respiración, y lo que vino después no es fácil de describir con palabras. Realmente es imposible, así que ni lo intento. Tras este alarde de lirismo, el mismo Francis pidió a David tocar “algo alegre”, y realmente nos animaron con un tema llamado “Skink”.

Volvió al escenario Eva para interpretar “Sail your sheep” y “Dicen”, éste último en castellano. Preciosa melodía la de este tema, conocida por mi ya que es el que abre el CD de piano solo de David titulado “Soledades”.

Despues una pieza a piano solo, el concierto acabó de forma espectacular con otra animada composición de David llamada “La Rumbita”, en la que podríamos decir que “echaron el resto”.

Aplausos, felicitaciones y un ambiente inmejorable en Clasijazz. Lástima que al ser la segunda noche que salíamos de "parranda musical", tanto mi mujer como yo estábamos algo cansados y decidimos marcharnos pronto. En un lugar tan agradable como Clasijazz es fácil dejarse llevar y volver a casa a esas horas intempestivas que luego pasan factura. Pero nuevamente regresé satisfecho: esa noche el club, esa pequeña parte de Almería donde la música en directo tiene el trato que merece, se había transformado en el templo del Rey David...Lenker, y creo que su reinado será largo y fructífero.

Todas las vías llevan a Dalma

2011-03-06T12:28:00.008+01:00

Sergio Dalma, 4 marzo de 2011, Auditorio de Roquetas de Mar (Almería)

Dicen que no es bueno mezclar. Con la bebida, supongo, porque si se mezcla una pizca de nostalgia, unas gotas de buen gusto, unos cuantos buenos músicos y una excelente voz, en una cazuela adecuada, pues resulta que –para asombro del que suscribe - sale uno más que satisfecho de un concierto de Sergio Dalma.

Todo tiene su explicación, y no es que quiera excusarme por ir a ver a un cantante típicamente melódico, de esos que generalmente los músicos y/o melómanos tendemos a despreciar, no faltos de razón en muchas ocasiones.

La cuestión es que hace unos meses, por casualidad, escuché el disco que Dalma acababa de editar y que, si no me equivoco, iba totalmente enfocado a ser un superventas navideño. Se llamaba "Via Dalma", y cuando escuché los acordes de la guitarra de la primera canción del disco - "Bella sin alma" - noté un cierto cosquilleo en el estómago, esas mariposillas que uno sentía cuando con trece o catorce años soñaba con sentarse en el autobús de una excursión del colegio con aquella chica por la que bebía los vientos. Sorprendido por las sensaciones – es que uno no es romántico por naturaleza, la verdad - llegó la segunda: "Yo caminare", aquel tema de Tozzi que en España popularizó Fausto Leali, y me di por vencido. Me estaba gustando, y mucho, un disco de Sergio Dalma. Estuve tentado de ir a un espejo para ver si tenía más "arruguillas" de la cuenta, por eso del "¿me estaré haciendo mayor?". Pues será que también hay algo de eso.

Así fueron cayendo una tras otra, esas melodías con las que crecí, de finales de los 70 y principios de los 80. Ahí estaban temas de Umberto Tozzi - al que siempre he admirado mucho -, de Toto Cotugno, de Richard Cocciante, de Sandro Giacobbe. Esas canciones con esas letras claramente machistas y que a veces se acercaban peligrosamente al borde de la violencia de género – aunque en esa época los polítiquillos aún no habían bautizado de esa forma tan elegante a lo que hacen algunos cabrones que pegan y matan a las mujeres -, pero que en esa época hacían enternecerse y hasta llorar a las jovencitas, y a nosotros nos hacían soñar con un simple roce a través del suéter de alguna de esas tiernas infantas - o no tan tiernas, que de todo había, en las oscuras – por la poca luz, no por otra cosa - fiestas de instituto de mi adolescencia.

Pues andaba yo disfrutando, de cuando en cuando, de esa pequeña joya discográfica, cuando llega a mis oídos que Sergio Dalma recalará en el Auditorio de Roquetas de Mar - esa localidad cercana a Almería. que ya cuenta con mejores servicios que la capital en muchos ámbitos, uno de ellos su magnífico auditorio – y no me lo pensé dos veces. Al poco tiempo, y con la ayuda de mi mujer y de internet, tenía ya reservadas mis entradas para el evento.

Como es habitual - no puedo evitarlo - comenzó mi labor de documentación. Tenía que saber más sobre el nuevo trabajo de Sergio, la banda que traería, sus discos más recientes, etc. De él sabía lo que casi todos: aquel jovencito de simpática sonrisa “profiden” que estuvo a punto de ganar Eurovisión en el año 91, con la celebérrima "Bailar pegados". Poco más. Bien es cierto que siempre he tenido un cierto respeto por este artista, aunque en cierta época de mi vida ¡¡¡ no me hubiese comprado un disco de el aunque me torturasen !!!. Pero es de estos tipos que caen bien. No es habitual de la prensa rosa - salvo una corta época en la que se divorció de una despampanante rubia, hace ya bastantes años - y tiene una voz bastante cautivadora. Por lo demás, sus canciones eran de esas de las que yo tendía a huir como de la peste, por su temática romanticona y ,sobre todo, por su lamentable instrumentación, en general.

Sin embargo, este "Via Dalma" sonaba realmente bien. Guitarras acústicas cristalinas y bien ejecutadas, guitarras eléctricas en su justa medida y sin excesivos efectos, pianos acústicos y eléctricos muy bien encajados, de sonido impecable, órganos Hammond B3 preciosos y precisos, y bajos y baterías con un sonido moderno, hasta con un cierto groove. Sorprendente. Eso sí, lo había grabado en Italia, con músicos italianos. Pero escuché su anterior disco , llamado "Trece" y resultó que el sonido era similar. Al parecer lo habia grabado en EEUU, buscando tambien un sonido distinto. Pues nada, que nunca dejará uno de sorprenderse. Ahí me teníais...escuchando lo ultimo del Capdevila - es que se llama así en realidad - y sin pestañear.

Y llegó la noche del concierto. Iba con ganas, pero con mis reservas, claro. Una cosa son los discos, y otra muy distinta los directos. A ver si me encontraba de repente en medio de una horterada de órdago, con maduritas gritando y quitándose los sujetadores - con dificultad - y con luces de colores (lo pasaré bien!!!) - y sonido de pachanga de pueblo. Estaba casi seguro de que no. Un amigo me comentó que el bajista de la banda de Sergio era José Vera. En Spotify pude escuchar su último disco "Butterfly" y pensé: "un tío que toca así y graba estas cosas, no estará metido en algo que no tenga una mínima calidad, ¿no?".

Así pues, allí estaba yo, en la fila 20 del auditorio - un poco lejos para mi gusto, pero es que últimamente Dalma esta teniendo un renovado éxito, y el auditorio estaba lleno hasta la bandera - deseando que se abriese el telón, para ver que me encontraba.

Y lo que encontré me gusto desde el primer momento: un escenario sobrio, con una decoración muy "Cinema Paradiso", con cintas de película por el suelo, focos típicos de plató cinematográfico, y una musiquilla italiana sonando. Aparecen los músicos, se saludan como si no se hubiesen visto ya en los camerinos, escenificando un poco con esos exagerados gestos típicamente italianos - "¿capicci?..¿ma que cosa?" - y empieza a sonar el bajo con esas caracteristicas notas del "Stand by me", pero en versión italiana, es decir: "Pregheró" de Adriano Celentano. Ahí me di cuenta de cuánto iba a disfrutar de la noche.

Enlazando con ese clásico, otro que no se queda a la zaga: "Soy italiano" de Toto Cotugno. El público entregado ya desde el primer minuto, mientras Sergio, con esa voz ronca y bien afinada, iba repasando los temas de su "Via Dalma". "Yo caminare" – mi favorito, por cuestiones sentimentales - , "Bella sin alma", "El jardín prohibido", "Corazón gitano", "De amor ya no se muere", "Tu", "Mi libre canción", todas versionadas de forma impecable, introduciendo elementos más actuales, y liberándolas justo de esos añadidos que hacen - con todos mis respetos - mas melosas de la cuenta a las originales -. Mucha "culpa" de ese resultado la tuvieron los músicos del escenario: El teclista – y director musical del tinglado - Miguel Ángel Collado y el guitarrista Jorge D´amico, ponian el buen gusto, la sensibilidad y las variaciones armónicas, y el bajista José Vera y el batería Cristian Constantini aportaban la solvencia y la precisión. Claro está que así, a poco que un cantante lo haga bien...triunfa. Y Dalma canta bien, muy bien. Como comunicador no es una maravilla, aunque se esfuerza - cuando hablaba con el público, no parecía improvisar mucho, sino seguir un guion un poco forzado - pero como cantante es de los buenos, a mi entender.

Tras una primera parte de más de una hora repasando prácticamente todo el disco "Vía Dalma", y haciendo amago de marcharse - aunque todos sabíamos que no iban a hacerlo - dio comienzo una segunda parte donde sonaron algunos de los viejos éxitos de la ya abultada carrera de Sergio, así como algún tema de su último disco de temas originales, llamado "Trece", como "Mientras tanto" y "Alas rotas". Posiblemente olvido alguno.

Era normal que sonase el "Bailar pegados" y me gustó mucho la forma de abordarlo, a dúo con el pianista, que supo jugar con la armonía del tema, haciendo que en ocasiones sonase más novedoso, pero sin perder la identidad del que es el tema bandera de la carrera de este artista.

En esta segunda parte reconozco que disfrute un poco menos, debido sobre todo que no conocía su repertorio, aunque temas como "Galilea", de su primer disco, sí que me resultaron bien conocidos.

Tal y como prometió la megafonía del teatro, aproximadamente una hora y cuarenta minutos más tarde los músicos abandonaban el escenario, de forma bastante abrupta, todo hay que decirlo, y las luces del Auditorio de Roquetas se encendieron de inmediato. Quizás ese final precipitado – no volvieron al centro de escenario a saludar, no hubo presentación de los músicos, etc – me dejó un poco frio a la salida.

No quería dejar de comentar algo que me molesta enormemente en casi todos los conciertos en auditorios a los que acudo, y que nada tiene que ver con los músicos (o al menos directamente). Me refiero al empeño en prohibir la realización de fotos o videos durante los conciertos. No se me entienda mal, no estoy en contra de que se prohíba, pero creo – o más bien exijo – que los responsables deberían buscar una forma de controlar el cumplimiento de esa prohibición que pase por no resultar una constante molestia para todos, sobre todo para el resto del público de la fila en la que el infractor de turno, móvil en ristre, se empeña en inmortalizar el concierto. Ahí tenemos siempre a la azafata de turno intentando por todos los medios hacerle llegar el mensaje al "supuesto delincuente", y que normalmente lo que consigue es sacar de sus casillas al resto de público que, sin estar cometiendo ninguna ilegalidad, están siendo molestados y distraídos constantemente durante el concierto. Ayer no fue una excepción. Reconozco que cada vez me molesta mas, y cualquier día voy a reaccionar muy mal ante el personal de un auditorio o teatro que me molesta y me impide ver tranquilo ese espectáculo. Tienen que plantearse otros métodos que no pasen por molestar a todo el mundo, para amonestar a unos pocos. Por no hablar de que realmente no se si existe algún impedimento legal - pero de verdad, con algún Real Decreto que haya sido publicado en el B.O.E. - para que alguien en el uso de su libertad individual estando en un lugar publico, en el que ademas ha pagado por estar, pueda sacar una foto. Otra cuestión es que el manager o responsable de turno quiera hacer esas exigencias, y las transforme en pseudo-leyes, y todos las acatemos sin rechistar. No hablaré de eso, no.

De paso, a los que se empeñan en hacer fotos también les diría que no sean tan inocentes, que las fotos suelen son casi iguales tanto en la primera canción como en el ultimo bis. Que se esperen justo al final del concierto, momento en que, milagrosamente, ya a nadie de los responsables parece importarle que se hagan fotos, que también tiene narices la cosa.

Bueno, en algún sitio tenía que soltar esta parrafada, y le ha tocado al concierto de Dalma. No querría acabar así, que parece que saliese cabreado de un buen concierto. Al contrario. Feliz nuevamente de disfrutar de buena música, que a veces nos llega de donde uno menos espera. Por cierto, creo que dentro de poco vienen “Pecos” a tocar a Almería. ¡¡¡No, no!!!, todo tiene un límite. Ese…que lo comente otro.

Un feliz cruce de caminos

2011-01-16T15:49:00.010+01:00

Albert Bover y Horacio Fumero, 15 de enero de 2010, Asociación Clasijazz (Almería)

Ya intuía yo que la semana musical iba a tener como colofón un concierto que prometía tanto o más que el de Ruibal que comentaba en mi anterior entrada de este blog. Pero realmente me quede corto.

Tras una mañana algo movida en la que participamos en la inauguración del nuevo “Museo del Cine de Almería”, en mi caso amenizándola como parte del cuarteto de Antonio Gómez y su precioso proyecto “Cine Et Swing”, y con un cierto cansancio en el que tenían mucho que ver las cañitas de cerveza – y sus correspondientes tapas – que nos tomamos tras la actuación, tengo que reconocer que tanto mi mujer como yo abandonamos con cierto esfuerzo el sofá de casa para encaminarnos a una nueva noche de música en Clasijazz.

El hecho de tener la entrada comprada con una antelación de más de diez días también tuvo mucho que ver en este arrebato de valentía, que nos hizo superar las enormes dosis de pereza que invadían nuestros cuerpos a esa hora. En cualquier caso, allí nos encaminamos, pero nada mas sonar las primeras notas supe que permanecer en el sofá de casa esa noche hubiese representado uno de los mayores errores musicales de mi vida.

¿Y de donde provenían esas notas?. Pues de un dúo de ensueño, dos músicos que por sí solos ya merecen figurar en la enciclopedia del jazz de nuestro país, así que no os voy a contar donde merecerían estar los dos juntos. Hablo del pianista Albert Bover y del contrabajista Horacio Fumero.

A Horacio se le podría aplicar perfectamente ese famoso refrán que reza “Dime con quién andas….”. ¿Con quien ando el señor Fumero durante dos décadas? Pues nada menos que con Tete Montoliú. Junto al batería Peer Wyboris formó la sección rítmica más habitual del universal pianista catalán. Su nombre figura en mis primeros recuerdos jazzísticos, asociado siempre a Tete. De hecho con Montoliú ya recaló alguna vez por Almería, si no recuerdo mal a finales de los 80, en alguna de las primeras ediciones de nuestro, en aquella época, joven festival de jazz.

De Albert Bover también se podría hablar mucho, aunque lo que yo realmente recomiendo es escucharlo. Y con mucha atención. En noviembre del 2007 acudí a un concierto del quinteto de Miguel Angel Chastang, que también comenté en este blog y aunque fue una sorpresa ver que tras los tambores estaba el mítico Al Foster – que no estaba anunciado – lo que más me impactó esa noche fue lo que salió de los dedos del pianista de ese quinteto. Ese músico era Albert Bover. Desde esa noche me prometí no dejar de acudir a escucharlo en directo cada vez que tuviese ocasión.

Con estos antecedentes reconoceréis que era un concierto ineludible y, como la ocasión merecía, llegue con la suficiente antelación como para coger la mesa privilegiada del club, esa que me permitía tener una visión perfecta del teclado, de ese precioso colín Yamaha con que cuenta Clasijazz. Se aprende mucho escuchando pero los pianistas también aprendemos mucho mirando tocar a los maestros, y este lo es.

El concierto comenzó de la mejor forma posible: un “meddley” de temas de Thelonious Monk. Con una maestría insuperable este fantástico dúo enlazó temas como “Monk´s mood”, “Monk´s dream”, “Ask me now”, “In walked Bud”, la fascinante melodía de “Misterioso” , para acabar con “Well, you needn´t”. Habrá alguna excepción, y no la conozco, pero creo no exagerar si digo que todo pianista de jazz, sea cual sea su nivel, admira y respeta profundamente a Monk. No es nada fácil interpretar sus composiciones. Albert no solo las interpreta a la perfección sino que aporta también nuevas ideas, que ya es difícil, sobre esas maravillosas armonías del maestro Monk.

Tras esta pequeña suite, que ya nos dejó sin aliento, atacaron la balada “I fall in love too easily”. Las baladas son, para mi gusto, la prueba de fuego de cualquier formación de jazz. Si con una balada se consigue captar la atención y generar tensión durante todo el tema, a un tempo extremadamente lento, es que eres capaz de tocar cualquier otra cosa. Pues bien, Horacio y Albert consiguieron – y no solo en este tema, sino en algunos más en el resto de la velada – que tuviésemos que contener la respiración.

Tengo que extenderme un poco sobre las improvisaciones de Bover. De los pianistas de nuestro país – y no solo del nuestro – es quizás el músico que mas me cautiva improvisando. Los puede haber con mas técnica o con más velocidad pero no con mas originalidad y personalidad acometiendo un solo. Su fraseo es tremendamente original y en pocas ocasiones tira de recursos típicos del jazz. Sus escalas siempre tienen algo especial, su mano izquierda es tan imaginativa como la derecha, logrando una independencia entre ambas realmente mágica. Anoche hubo algún momento en que improvisó a dos manos, pero tocando diferentes melodías. Su sentido del ritmo es excepcional, y su repertorio de “voincings” muy extenso y extremadamente sutil. Hasta verlo tocar es un placer, ya que Bover literalmente “acaricia” las teclas, las siente. Pues no sé si me he dejado algo. Es posible.

Comprenderéis que con semejante pianista, y acompañado de un Fumero inspiradísimo también en sus improvisaciones y sólido como nadie acompañando, el concierto iría a mas con cada tema que nos iban exponiendo.

Para rendir también homenaje a otros 2 grandes del jazz, enlazaron un tema de Ellington – “Angelica”, creo que era – con el “UMMG” de Billy Strayhorn, con los que concluyeron el primer pase.

Aprovechando que mi amigo Chipo Martínez tampoco se había querido perder el evento y que ya había coincidido años antes con Fumero, tuvimos el placer los dos de charlar un ratito con ambos músicos, demostrándonos que toda la grandeza que despliegan en el escenario se transforma en humildad y simpatía fuera del mismo.

El segundo pase comenzó con una composición de Albert titulada “Old bottle, new wine”, y a continuación interpretaron el tema que da título al disco que tienen editado a dúo: “Caminhos cruzados”. Nuevamente consiguieron elevar el nivel de tensión a lo más alto, con una delicada interpretación de este bonito – y cual no – tema de Antonio Carlos Jobim. El lirismo alcanzado aquí por Bover fue ya digno del mismísimo Evans, y la delicadeza con el contrabajo de Horacio estuvo a la misma altura creativa.

Intentando nuevamente recuperar la respiración perdida, nos presentaron una versión de uno de los temas que más me gustan, sobre todo desde que lo escuché en aquel mítico “Standards vol. 1” del trió de Keith Jarrett:”The meaning of the blues”. En esta versión Fumero realiza un acompañamiento en ocasiones casi “guitarristico”, rasgando el contrabajo rítmicamente, y dejando que Bover se deslizase como pez en el agua por el teclado, componiendo la melodía casi por completo a base de acordes. Una delicia de tema, y una maravillosa versión, que también está incluida en su disco a dúo. Por cierto, en un alarde de poca visión comercial, reconocido por el propio Horacio, ambos olvidaron traer copias para su venta. Y estoy seguro de que se los hubiesen quitado de las manos, porque el público de Clasijazz anoche estaba encantado con lo que allí sucedía, y no hubiesen dudado un instante en llevarse “un cachito de todo eso” a casa.

Bonita versión también la de “El corazón al sur”, basada en un tango de la argentina Eladia Blázquez con una preciosa melodía ejecutada por Horacio Fumero.

Y para despedirse, Horacio – que además de un fabuloso contrabajista, es un gran comunicador - nos presentó una composición suya. Nos contó que compone poco pero que cuando lo hace, no sabe porque, a sus temas le da nombres de pájaros. En este caso “Carancho”, que así se llamaba el tema, es un ave carroñera del sur de Argentina. Nos hizo referencia al último film de su paisano Ricardo Darín, titulado también así, ya que al parecer de esta forma se les llama en la Argentina a “cierto tipo de abogados” dedicados a sacar partido de la desgracia ajena. Si queréis saber a qué me refiero, no os perdáis esa película.

El caso es que Fumero compondrá poco pero cuando lo hace, lo hace bien. Maravilloso final este “Carancho” tema rítmico y complejo en el que el dúo demostró – si no lo había hecho ya antes – la gran compenetración que existe entre ambos. En ocasiones me recordó mucho a ese otro dúo maravilloso que forman con frecuencia la pianista Carla Bley y el bajista Steve Swallow , aunque posteriormente Albert me comentó que realmente a quien él ha escuchado mas asíduamente es precisamente al ex-marido, y también pianista, de Carla, Paul Bley. Quedamos ambos en darle la vuelta a la situación, y él escuchará con más atención a Carla y yo a Paul.

Como no podía ser de otra manera, no se habían retirado ni un metro del escenario cuando ya se vieron obligados a volver para deleitarnos con un bis que era obligado.

Fumero comentó que nada más entrar a Clasijazz no pudo dejar de observar con cariño y nostalgia una foto del gran Tete. Así que era casi un deber hacer algo de Montoliu, y la elección fue una de sus maravillosas composiciones: “Jo vull que m'acariciis”, una obra maestra en forma de blues. Es fantástico ver como los grandes músicos re-inventan las composiciones de sus “mayores”, y eso es lo que hizo Bover con este tema.

Para finalizar, ya que un solo “bis” supo a poco, tanto al público como al dúo, nos llevaron de la mano al buen “be-bop” de toda la vida, con “Milestones”.

Así, con el sabor de Miles Davis en los oídos - si...es que la música a veces...se degusta - y un gran cansancio pero satisfecho por haber asistido a uno de los mejores conciertos de mi ya abultado bagaje como público, y no sin antes volver a compartir unos minutos de agradable charla con Horacio y Albert (al que por cierto agradezco que me dejase fotografiar con el móvil la servilleta con el set-list de la noche - todo un clásico eso de apuntar la lista de temas en la servilleta del lugar donde se cena ¿no? - para que mi memoria no me traicionase al escribir esta crónica), nos retiramos para un merecido descanso tras un día musical muy intenso. Pero, ya se sabe que "palos con gusto..."

Lo que Ruibal nos dice por su boca

2011-01-14T17:41:00.004+01:00

Javier Ruibal, jueves 13-01-2011, Asociación Clasijazz (Almería)

Ya está, ya me ha vuelto a pasar, y nunca se con certeza cuándo va a ocurrir, aunque a veces lo pueda intuir. Me he vuelto a emocionar con un concierto. Javier Ruibal me dejó anoche prácticamente clavado a mi asiento, allí en Clasijazz. Creo que fueron casi dos horas de concierto que realmente me parecieron diez escasos minutos.

Pero empezaré por el principio. Como decía antes, en este caso me iban llegando pistas con antelación. Pistas que me hacían pensar que un recital de este cantautor gaditano no me iba a dejar indiferente.

Una de las principales, algo a lo que yo doy mucha importancia, son los músicos de los que se rodea. En el único disco suyo que yo había escuchado, uno grabado en directo y llamado "Lo que me dice tu boca", lo acompaña gente tan mítica - para los aficionados, claro - como los guitarristas John Parsons (al que yo recuerdo de los tiempos del Rock´n´Rios) o Tito Alcedo, que es otro referente para la guitarra del jazz en nuestro país. También sabía que los grandes Chano Dominguez y Jorge Pardo habían intervenido en discos suyos. Hace poco, además, mi amigo y fabuloso pianista Iñaki Salvador me contaba el enorme placer que suponía para el compartir escenario con este gaditano, haciendo algunos conciertos a dúo. Y, por último y como opinión más cercana y no por ello menos importante, mi buen amigo Antonio Gómez, que lleva ya un par de años colaborando con Javier en sus directos, me cantaba las excelencias de este artista. Se trata de una de esas mágicas cadenas musicales en las que si músicos como Antonio Gómez dicen que para él es un privilegio tocar con Ruibal, y resulta que para mí es privilegio mayor tocar la música de Antonio Gómez, inevitablemente el eslabón más débil de la cadena, que soy yo, tiene que quedarse obnubilado con el más fuerte, que en este caso es Javier Ruibal.

Creo que vuelvo a extenderme demasiado, pero no voy a quitar ni una coma, que para eso estoy en mi blog.

Bueno, a lo que iba. La cuestión es que con estos antecedentes, y además sabiendo que ya el pasado año había estado por estos lares y por circunstancias que ahora no recuerdo - posiblemente yo tocaba en otro lado - no pude asistir, en esta ocasión me propuse no perdérmelo bajo ningún concepto. De los dos días de actuación previstos decidí comprar entradas para la del jueves suponiendo que, teniendo en cuenta la cuesta de enero agravada por esta pertinaz crisis que nos rodea, el local estaría más despejado que en la del viernes. Afortunadamente para la música y para el club Clasijazz- que vive momentos muy altos en lo musical, pero bajos en lo económico - , creo que me equivoqué, porque daba gusto ver anoche ese local. De hecho una de las primeras cosas que dijo Javier al subirse al escenario y mirar de frente al público fue comentar que lo que se veía desde allí "si que era un verdadero espectáculo".

Cuando se trata de conciertos que me interesan mucho tengo la enfermiza costumbre, y los que me conocen lo saben bien y la que mejor, por sufrirlo siempre, mi mujer - de intentar llegar con mucha anticipación al lugar del concierto. Gracias a esa puñetera manía anoche estábamos sentados en una de las mesas más cercanas al escenario de Clasijazz, por lo que disfruté "hasta la última nota" de lo que allí se contó y se cantó.

Y en primer lugar apareció Ruibal, solo con su guitarra, y comenzó con una maravilla llamada "Para llevarte a vivir". Pura poesía, con un bellísimo acompañamiento de guitarra española y un agradable fondo armónico de guitarra sintetizada. Comenzar con una canción así , con la voz cálida pero a la vez enérgica de Javier diciendo cosas como "tengo el mapa del tesoro...tengo el palacio del moro...para llevarte a vivir", ya nos dejó a todos petrificados, y logró crear un silencio y un clima de relajación total en un local abarrotado desde la primera canción. La magia de la música consigue estos momentos, y a mí me alegra haber vivido ya unos cuantos.

Pensé que iba a ser difícil superar ese primer momento, pero me volví a errar. Tras esa presentación intimista, llamó "a la palestra" al amigo Antonio Gómez, que se sentó a su derecha - bueno, a la izquierda visto desde el público - y comenzó a poner su arte guitarristico al servicio de la causa "ruibalera".

Durante un par de temas nos deleitaron a dúo, hasta que se completó el trio, con Javier Ruibal hijo, en la batería y percusión. Curiosa formación, pensarán algunos, con dos guitarras y una batería. ¿Y dónde está el bajista?. Pues no, no había bajista. Y tengo que reconocer que, salvo en ocasiones en las que el ímpetu de Ruibal Jr. a los tambores tapaba un poco a las guitarras, en general no se echaba de menos a un instrumento que normalmente se considera indispensable en cualquier formación.

Poco a poco Ruibal nos fue ofreciendo un repertorio de canciones a cual más bella e interesante. Su estilo no es fácil de definir. No es un cantautor "al uso". Abundan en sus armonías

muchos ecos de su Cádiz natal, de chirigotas, de habaneras y también mucho de oriental con reminiscencias árabes . Buen ejemplo de esto último es el precioso tema "Si no me besas". Incluso, ya casi al final de concierto, algún tema me recordaba mucho el estilo de los grandes grupos del rock andaluz, como Triana o Alameda.

Me sorprendió gratamente su dominio con la guitarra - uno piensa siempre que los cantautores saben los acordes justitos para acompañar sus letras - tanto armónico como rítmico. Pero eso sí, para los adornos y los solos estaba a su lado el maestro Antonio Gómez, que en más de una ocasión nos dejó sin aliento. Sé que es difícil de imaginar, pero os puedo asegurar que algunos fragmentos de sus solos al final de concierto, cuando soltó la guitarra española y agarró su eléctrica con distorsión, podrían encajar perfectamente en cualquier tema de Iron Maiden. Sin embargo ahí estaban, en medio de las poéticas tonadas de Javier Ruibal. La música siempre es sorprendente, sobre todo cuando se hace bien y con cariño. Tampoco querría olvidar la excelente labor rítmica de Javi Ruibal hijo, que demostró ser un magnífico batería, y al que espero ver pronto por Almería con su formación propia.

La lista de temas que interpretaron fue larga - como todos los grandes músicos, Ruibal no parecía tener prisa y disfrutaba con cada tema - pero no sé si conseguí retenerlos todos. Sin temor a equivocarme, creo que sonaron canciones como "Ave del paraíso" - coreada por gran parte del público, por cierto - , "Habana mía", "A favor de tu piel", "Agualuna", "La bella impaciente", "La gloria de Manhattan", "Pensión Triana", "Guadalquivir", "Besos en abril", "Pa mi corazón", tema este último que me recordaba mucho al Carlos Santana de los 70.

No se me puede olvidar tampoco mencionar la faceta como comunicador de Ruibal, y su simpatía con el público. Sin abusar de ello, con cuatro palabras previas a cada canción, se mete al personal en el bolsillo con una facilidad pasmosa. Tampoco se trata del típico "como soy de Cadiz, tengo que ser gracioso". No es eso. Simplemente da la sensación de ser alguien ocurrente - a sus canciones me remito - y de estar a gusto con lo que hace. Y eso se transmite desde el escenario en cuanto un músico en esas condiciones se sube a él. Y como demostración de su gracia gaditana nos interpretó como uno de sus bises el simpático y particular himno que ha compuesto para su Cádiz Club de Futbol. Como él mismo dijo, posiblemente no será escogido como himno oficial, entre otras cosas porque sería muy difícil de aprender y cantar en un estadio. Al futbolero medio no se le puede pedir que se aprenda algo poco mas complejo que un "oeee oeee oeee oeee", y la letra de Ruibal sería una verdadera complicación. Ahora bien, para disfrutar con esa letra cantada por Ruibal, es inmejorable. Un tema que empieza con "Se cuenta que ya en tiempos de Tiberio...en Gades huboun equipo puntero...que todos los domingos del imperio...juntaba en el estadio a los romanos futboleros" , o un estribillo como "y vivan los colores de mi club...en donde Mágico es un dios y el fondo sur...la aristocracia" es claramente un divertimento musical asegurado.

Y así, con poesía, buena música y unas pizcas de buen humor, llegó el final del concierto, casi sin sentirlo. Nada más terminar miré a mi amigo el guitarrista Jesus Masero, con quien tuve el placer reencontrarme y de compartir mesa anoche, y casi no tuvimos que decir nada para entender que a ambos nos había encantado lo que allí había sucedido.

Y, por cierto, para completar el goce, el primer concierto del año...!!!sin humo¡¡¡. Lo siento por los fumadores, pero yo estaba en el paraíso.

Un manantial de música sobre Mojacar

2010-12-06T13:46:00.006+01:00

Antonio Gómez Quartet / David Pastor Quartet, Mojacar (Almería), 5 diciembre 2010
El puente se presentaba largo - y tortuoso para algunos, sobre todos los que pretendian volar - de forma que cuando vi anunciado el festival "Manantial de músicas" en Mojacar, inmediatamente se me activaron los mecanismos internos esos que me llevan a acudir a un concierto mas rápido que las famosas cien mil moscas a la miel.
Alicientes tenia muchos: hacer una escapadita con mi mujer a algún hotelito de costa, escuchar al cuarteto de mi amigo Antonio - del que unas veces tengo la suerte de formar parte y otras veces de disfrutar aprendiendo como espectador - y también escuchar en directo a uno de los mejores trompetistas de este país, el valenciano David Pastor.
Nos fuimos por la mañana para Mojacar y tras coger el hotel - debo ser de los pocos que agradecen el plante a los controladores aéreos, ya que quizás por eso encontramos habitaciones libres en un puente tan señalado como este - y tomarnos un aperitivo frente al mar nos dirigimos a dar buena cuenta de una paellita estupenda que nos prepararon en un típico lugar de allí, llamado "El puntazo".
Lo que no sabíamos es que una mesas mas allá, en el comedor de al lado, estaban ya algunos de mis colegas músicos cogiendo fuerzas para la prueba de sonido. Así que al salir nos encontramos con los almerienses Pablo Mazuecos y Eduardo Mortensen, que iban a ser pianista y batería de David Pastor esa noche, y con el bajista Joan Masana que hacia doblete ya que iba a tocar el bajo eléctrico en el cuarteto de Antonio Gomez, y el contrabajo en el de David. Cuando un músico es bueno no le falta el trabajo, está claro.
A mitad del café llegó David Pastor y nos demostró que además de ser un magnífico trompetista - eso lo íbamos a comprobar después - es un excelente conversador. En un tiempo record nos hizo un tratado completo sobre todos los tipos de paella de su tierra, demostrando ser tan buen conocedor de ese tema como del jazzistico.
Como es lógico los músicos se marcharon a la prueba de sonido y nosotros a una reponedora siesta, para estar despejaditos con vistas al doble concierto.
El lugar no me convencía mucho en principio, ya que se trataba de un centro de usos múltiples que tiene Mojacar justo a la entrada de pueblo. Hace unos años estuve viendo allí una ópera, y me pareció un lugar algo frió, demasiado grande quizá para un concierto de jazz. Pero me equivoqué. El lugar es grande, si, pero lo habían dotado de calefacción, con lo que el ambiente era agradable. En lugar de colocar los asientos por filas, estaban puestos en grupos de 4 o 5 , y con una mesa delante, para poder estar comodamente sentados y tomando una cervecita o una copa mientras nos deleitábamos con la música. Por delante se nos presentaban unas 3 horas de concierto con un breve descanso en medio y eso ayudó bastante a que la velada se pasase volando.
Justo antes de sentarnos vi que estaba por allí un enamorado de Mojacar y de Almería en general, el buen amigo Jorge Pardo. Aunque no me lo aseguró, él y yo sabíamos que acataría en el escenario. Almería, jazz y buenos amigos son un aliciente demasiado fuerte para que Jorge pueda resistirse.
En primer lugar salieron al escenario el cuarteto de Antonio Gomez. En esta ocasión Antonio presentaba a dos músicos con los que no se ha prodigado mucho por Almería, David Leon y Juan Galiardo - aunque si por otras partes de Andalucía - y a otro, Joan Masana, que es colaborador habitual suyo.
El repertorio de la noche fue muy variado, comenzando con una maravillosa adaptacion de "La tarara", que dejó muy claro lo que se nos venia encima.
De inmediato atacaron algunos de los temas de su último disco, "Aires de mar", como sus ya clásicos "Blues en tabernas", "De día". También sonó un curioso tema compuesto por Antonio - y sin incluir aún en disco- llamado "Porque te Vals", en el que disfruté muchisimo con la original y sutil improvisación que el pianista Juan Galiardo nos ofreció.
También hubo tiempo para algunos de los arreglos del próximo proyecto discográfico de Antonio Gomez, dedicado al mundo del cine, y disfrutamos con esa magnífica versión de "Los siete magníficos", con un muy buen solo de bajo de Joan Masana, así como con la maravillosa balada de Mancini "Two for the road".
La noche iba a estar llena de agradables sorpresas y durante el desarrollo de la estupenda versión del Romance Anónimo que casi nunca falta en los conciertos de Antonio, de repente una flauta comenzó a sonar desde el fondo del escenario...y en unos segundos éste se llenó con la presencia del maestro Jorge Pardo. Contar con este músico en un escenario es garantía de musicalidad, imaginación, swing y "duende".
Para terminar otro clásico de Antonio, el tema "In fraganti" en el que especialmente pudo lucirse, y de que manera, el batería ceutí David León, que fue otro descubrimento para mi esa noche.
Como final del primer concierto y con Jorge en el escenario era lógico que sonase otro de los clásicos del señor Gómez: "Plaza vieja", ese tema que está basado en unas notas del Fandanguillo de Almería.
Ya solo con ese concierto nos hubiese merecido la pena el viaje, desde luego. Pero, sin embargo, aún quedaba la segunda parte del festival, que también prometía lo suyo.
Y efectivamente, no me equivoqué mucho. Desde que David Pastor y su banda aparecieron supe que me iba a divertir tanto o mas que con el concierto precedente. Un jazz diferente a lo que acabábamos de oír - eso es lo bueno de esto - con temas originales de David, con un sonido moderno pero cercano al mejor hard-bop de los 50. Arreglos trabajados - y a un tiempo record, ya que no tocaba con su banda habitual - y excelentes solos por parte de toda la banda.
Comenzaron el concierto con un tema muy "funky" llamado "Sonny Rollins Stone", que creo no hace falta comentar a quien está dedicado. La melodía me recordaba mucho al "Mr. Pc" de Coltrane. Al final del tema, sin que dejasen de tocar, fue presentando a los musicos que lo acompañaban esa noche, que para mi eran bien conocidos ademas de buenos amigos: el almeriense Pablo Mazuecos, en el piano, a quien cualquiera que esté "en el ajo" del jazz en Almería conocerá. No hay proyecto interesante en el que no se meta, y normalmente - a costa de esfuerzo y horas robadas al sueño - los saca adelante. La Big Band de Clasijazz, colaboraciones con la Orquesta de Almería, la Banda de Dixieland, el cuarteto de Noemí Pérez. Podria seguir. Incombustible y un estupendo pianista. Estaba nervioso - ¿cuando no esta nervioso Pablo? - pero feliz anoche. No todos los días se presenta la ocasión de tocar con músicos de la talla de Pastor.
En la batería otro gran conocido del circulo jazzistico almeriense, y alguien con quien he tenido el placer de compartir muchos kilometros y escenarios: Eduardo Mortensen. Batería sólido, serio - todo él es seriedad, aparentemente - y solvente donde los haya. Su trabajo anoche me pareció excelente, y mas sabiendo el poco tiempo con el que contaron para prepararse el repertorio. Y en el contrabajo, y repitiendo, Joan Masana. ¿Que decir de Joan?. Es un animal de escenario. Se le ve disfrutar con todo lo que toca. Y sabe transmitir esa felicidad a los que están con el. Últimamente está prodigándose cada vez mas con el contrabajo, y creo que está consiguiendo dominarlo ya con la misma pericia que domina el bajo eléctrico.
Supongo que David Pastor se rodea habitualmente de magníficos músicos pero no creo que anoche tuviese la mas mínima queja con la banda que lo respaldó. Para mi fue todo un orgullo verlos ahí, y disfruté muchísimo de ello.
Continuando con el repertorio, siguieron con otros originales de Pastor como "Visto desde arriba" o "1974". Y entre tanto original se coló uno de mis "standards" favoritos, "Stella by starlight".
Y una versión del "Concierto de Aranjuez" fue esta vez la excusa para volver a llamar a Jorge Pardo. Mucha razón tuvo David cuando comentó algo así como que Jorge es "historia del jazz en nuestro país". Nada mas cierto. Lleva ya mas de 30 años en esto, y posiblemente después de Tete Montoliú no haya nadie mas valorado y apreciado nacional e internacionalmente como Jorge. Pues ahí estaba, con su flauta y su leonina melena, nuevamente dispuesto a disfrutar y hacernos disfrutar a nosotros. ¡¡¡ que lujo !!!.
Como fin de fiesta el simpático David - que se ganó al público de inmediato - prometió "una sopresita" si aplaudíamos lo suficiente. Lógicamente, fuimos obedientes y le hicimos caso.
La sorpresa no por previsible fue menos celebrada: ¡¡¡todos los músicos arriba!!! (bueno, todos menos Pablo...porque solo había un piano desgraciadamente, aunque estoy seguro de que lo disfrutó desde el público).
El tema elegido "Get up Stand Up" famoso tema compuesto por Bob Marley y Pete Tosh a principios de los 70 y que es todo un himno de la música reggae. Como es natural con los músicos que había sobre el escenario la versión caminó desde el reggae hasta el funky mas salvaje, según quien estuviese improvisando. Y os aseguro que aquí todos "echaron el resto". Este tipo de temas Antonio Gomez está "en su salsa", y no digamos David Pastor. Y muy bueno el solo de teclado de Juan, con ese sonido tipo rhodes con efectos tan apropiado para ese tipo de tema.
Tan agustito estaba David Pastor que hasta se arrancó con el cante y logró que el público lo siguiese.
No se si a nivel comercial y de beneficios el festival ha sido un éxito - esperemos que si, ya quesu organizador, Angel Vicente, se lo merece por el esfuerzo realizado - pero desde luego a nivel artístico la noche de jazz fue inmejorable.
Toda una fiesta para el jazz lo que anoche ocurrió. Si, efectivamente, un manantial de música cayó sobre Mojacar.

Luis Barbería, la noche es para Cuba

2010-11-14T21:33:00.007+01:00

Luis Barbería, 12-11-2010, Studiocafé (Almería)

Hay ocasiones en la que uno tiene que multiplicarse si quiere acudir a todo lo que noche almeriense ofrece, que últimamente hay que reconocer que nos sorprende gratamente. Uno que lleva aquí toda la vida sabe muy bien que en otras épocas la sequía cultural en nuestra capital
competía con la climatológica. Ahora, sin embargo, aunque no podemos - ni debemos - compararnos con un Madrid o un Barcelona, hay mas oferta. Y como nos gusta quejarnos, porque nos gusta - y yo el primero - pues nos quejamos cuando varios espectáculos coinciden y solo podemos acudir a uno. En este caso, tras el concierto de Rubalcaba tenia dos opciones a cual mas apetecible: una jam session en el club Clasijazz, con una buena sección rítmica y con los solistas de la Big Band que actuaría al día siguiente, o bien el concierto de Luis Barbería en Studiocafe.
Varias cosas me hicieron decidirme por la segunda opción: el hecho de que era la primera actuación de mi amigo Luis en Almería - ha actuado como invitado otras veces, pero nunca él en solitario -, que esa tarde le cedí gustoso algunos elementos de mi equipo de sonorización, por lo que le venia bien que estuviese pendiente por allí, pos si "los acoples" (aunque aclararé que yo como técnico de sonido estoy seguro de que moriría de hambre) y también que a mi lo de las jam-session pues no me atrae demasiado. Por tanto la balanza se inclinó con mucha facilidad por el recital del amigo Barbería.
Para los que no sepan quien es Luis Barbería, y para no repetirme, os remito a una anterior crónica mía (http://mastritomusic.blogspot.com/2007/12/todo-ritmo-luis-barberia-diego-cruz.html) en la que ya comentaba las actividades de este grandísimo músico cubano, que ahora tenemos la suerte de tener temporalmente afincado en Almería.
Así que tras salir del concierto de Rubalcaba e intentando abreviar en los comentarios típicos a la salida del concierto - haciendo esfuerzos, porque lo que acabábamos de oír merecía muchos comentarios - salimos disparados para Studiocafé a ver si llegábamos a tiempo de ver comenzar el show de Luis Barberia.
Como gran músico que es, esa noche se enfrentó al publico almeriense como lo hacen los grandes maestros: solo ante el peligro. Con su guitarra, su fantástica voz y sus habilidades como percusionista vocal. Ah, y sus dotes como bailarín, ya que en algún momento no pudo contenerse y realizó alguna pequeña coreografía.
El repertorio estuvo compuesto en su gran mayoría por temas propios, algunos de los que suele interpretar con su grupo Habana Abierta, como "Rocotocompas" o el fabuloso funky "Como soy cubano" (Ver video), y otros mas intimistas que interpreta en solitario o con otros músicos, como en sus colaboraciones con otro gran cantante y compositor cubano Julio Fowler. Temas como "A full", "Sangre revuelta", la preciosa bossa dedicada a su pareja "Del cielo a mi vida" o la balada "Georgia" dedicada a su hija, precisamente llamada así.
El encanto de Luis es el resultado de sumar la gran calidad de sus composiciones con la forma de interpretarlas con su cálida voz, además de su magnífica técnica de acompañamiento con la guitarra. Si a todo eso unimos su habilidad con la percusión vocal - que hace que quien no lo conozca llegue a pensar que está sonando algo grabado o que el batería está escondido en alguna parte - veremos que consigue con facilidad tenernos pendientes de su música todo el tiempo que dura el concierto. Disfruta con lo que hace y lo transmite como nadie, y como era normal consiguió que el público de Studiocafé participase también en su música (que se lo digan al bueno de Chipo Martinez, que coreaba algunas canciones en primera fila).
Al final nos regaló algún tema brasileño, algo normal porque es un gran admirador de esa música, y si no recuerdo mal nos cantó algún fragmento de los dos grandes temas de Djavan "Flor de lis" y "Capim", para finalizar con un bolero que, nuevamente dudo de mi memoria, creo que fue "Contigo en la distancia".
Y como bis, nos repitió ese fantástico "Como soy cubano", que puede escucharse varias veces en la misma noche sin cansarnos para nada.
Estoy seguro de que la jam de Clasijazz estuvo muy bien pero tengo que reconocer que no me arrepentí en ningún momento de mi decisión. Digamos que estaba escrito que la noche era para Cuba de principio a fin.

Gonzalo Rubalcaba Quintet: El jazz es un gran invento

2010-11-14T11:50:00.010+01:00

Gonzalo Rubalcaba Quintet, 12-11-2010, Auditorio Maestro Padilla (Almería)

Lo del pasado viernes si que fue jazz con mayúsculas, del bueno, música total, la demostración fehaciente de que esta es la música del siglo XX, del XXI y del futuro.

Llegaba la 2ª jornada del XXI Festival Internacional de jazz de Almería, y realmente acudí a nuestro auditorio con ganas.

Entiéndaseme: normalmente siempre tengo un hambre incontrolable por escuchar música en directo, pero..siempre hay días en los que uno esta mas predispuesto. Durante la tarde vi en mi DVD una grabación del pasado verano en el festival de jazz de Vitoria - al que este año no pude acudir en directo - del quinteto que iba a escuchar por la noche, y realmente me ayudó a prepararme para lo que se me venía encima. Pero ya se sabe que, tal y como la realidad supera la ficción, el riguroso directo supera con creces a las televisiones y los DVD´s.

La cuestión es que cuando me senté en la primera fila del Maestro Padilla, con mi mujer a un lado y dos buenos amigos y, a la sazón, de los mejores músicos de Almería, Chipo Martínez y Antonio Gomez, creo que estaba totalmente receptivo a escuchar buen jazz, y posiblemente por eso disfruté del concierto como hacia mucho tiempo que no lo conseguía.

El quinteto de Gonzalo Rubalcaba venía a proponernos un recorrido en directo por el último disco de este gran pianista titulado "Avatar". Tal y como el comentó durante una de sus intervenciones, nada que ver con la famosa película del mismo título, y de hecho este disco se editó un año antes del "boom" del film de James Cameron, y desde luego no tiene ninguna

relación con el. Casualidades de la vida.

A lo que vamos, que es la música que allí sonó, reconozco que me va a costar bastante explicarlo. Lo que si querría dejar claro es que la complejidad técnica en todos los aspectos musicales no restaba un ápice a la emoción que lograron transmitir todos los músicos desde el escenario.

El repertorio estuvo compuesto de temas propios y, si no me equivoco, todos ellos incluidos en el citado trabajo "Avatar".

Comenzaron con "Looking in retrospective", primero también del disco, con una bellisima intro de piano de Gonzalo y en el que tras la exposición del tema comienza una trepidante conversación entre piano, saxo y trompeta. Ya en ese momento nos dejaron claro que el jazz que íbamos a escuchar esa noche era oro puro.

Escuchamos la composición del contrabajista Matt Brewer titulada "Aspiring to normalcy", temas como "Infantil (Dedicated to John McLaughlin", también con una introducción de piano con mucho sabor a música contemporánea, "This is it" y "Hip side" y la balada de

Horace Silver "Peace", ejecutada en trio, y que consiguió crear una tensión que nos dejó a mas de uno sin respiración.

Me resulta muy complicado definir con palabras la forma de tocar de Gonzalo Rubalcaba, porque es una especie de compendio de muchos pianistas, con mucha técnica pero sabiamente mezclada con sensibilidad. De sus dedos salen frases que recuerdan a los grandes del jazz , desde a Art Tatum a Bud Powell, pero que pueden transformarse con una fluidez pasmosa en sonidos extraídos de cualquier composición de Bela Bartok. Cuando quiere sonar a Monk, lo hace. Si quiere hacer guiños a Chick Corea, los hace. Cuando quiere ser lírico, profundo y reflexivo puede sonar a Bill Evans. Pero cuando quiere sonar a Rubalcaba, también lo consigue y se lanza a explorar el piano en toda su profundidad, consiguendo sonidos, frases y "voincings" realmente originales. Su mano izquierda es firme y rítmica, supongo que derivada de sus conocimientos de percusión - mi buen amigo Luis Barberia me contó esa misma tarde que realmente Rubalcaba comenzó como baterista y percusionista, allá en su cuba natal - y su mano derecha literalmente vuela acariciando las teclas. Algunas de sus improvisaciones fueron realmente apabullantes por su delicadeza.

La banda que lo acompaña - por decir algo, porque la palabra "acompañar" se queda pequeña en estas ocasiones - tenia un nivel musical acorde con su líder, como era de esperar.

Especialmente me gustó el sonido, la musicalidad y la solvencia rítmica del contrabajista - compositor ademas de alguno de los temas - Matt Brewer - , y que luego supe que estuvo tocando el contrabajo del músico almeriense Fafi Molina, que salía del concierto con la satisfacción de haber escuchado salir de sus cuerdas tantas y tan acertadas notas.

Los dos vientos, el saxofonista Yosvany Terry y el trompetista Mike Rodríguez también acertadisimos en sus respectivos instrumentos. Yosvany, que aportaba algunas piezas compuestas por él, también demostró una enorme sensibilidad y sus solos estaban realmente bien construidos. Y Mike sacó un sonido verdaderamente hermoso de su trompeta, instrumento que ya de por sí tiene la caracteristica de unir muy bien lo latino con lo mas puramente jazzistico. Si quien la toca se apellida Rodriguez, pues posiblemente la fusión es mas evidente.

Y , por último, el batería Ernesto Simpson en perfecta comunión con Matt Brewer, supo tejer perfectamente la red en la que constantemente se dejaban caer los solistas. Como mi buen amigo Antonio Gomez comentaba nada mas terminar el concierto pocas veces se escuchan a músicos consiguiendo tocar con ese"groove" a tan bajo volumen, consiguiendo tanta sensibilidad y matices. Lo tristemente habitual cuando se atacan estos ritmos es abusar del volumen, pero con músicos de esta talla esto no parecia ser un problema.

En definitiva, buenas composiciones, endiablados arreglos, ritmos complejos, inspiradisimos solos y perfecta comunión entre los músicos, respetándose entre ellos, elevando los silencios a la categoría de bellas notas. En fin, se me acaban los elogios para un concierto de los que le dan a uno la razón cuando piensa que esto del jazz es uno de los mejores inventos de este ser humano que tantos disgustos nos da habitualmente.

Como final, y tras la ferviente petición del no muy numeroso público - una lástima, pero ya se sabe que esto del jazz sigue siendo minoritario - como para dejar claro que conoce bien sus derechos y deberes como líder, Gonzalo Rubalcaba dejó en camerinos relajándose a sus cuatro compañeros y salió solo al escenario para regalarnos dos piezas a piano solo que consiguieron lo que parecía imposible: subir todavía mas el listón. La última fue algo así como una de-construcción de "El manisero". Lo que hacía - y deshacía - Rubalcaba con la melodía y armonía de este famoso standard de su cuba natal solo él lo sabe, pero ciertamente nunca había escuchado una versión tan original de tan conocida melodía. Solo una maestro puede conseguir esto, y estábamos ante uno, y de los grandes.

Las mil y una caras de Michael

2010-10-09T11:47:00.013+02:00

Forever King of Pop. viernes, 8 de octubre de 2010, Auditorio Maestro Padilla (Almería)
Cuando mis hijas me propusieron que las acompañase al musical “Forever King of Pop” reconozco que mi primera reacción fue la rotunda negativa. Estamos en tiempos de crisis y los bolsillos se resienten cuando uno decide asistir a un espectáculo, y mucho más cuando de mi se trata que soy de los que “se apunta a un bombardeo”. Está al caer el festival de jazz de Almería, y soy de los que se compra el abono, así que la perspectiva de soltar los 42 euros “del ala” que costaba ver el musical dedicado a Michael Jackson no me hacía precisamente muy feliz.

Le pregunté a mi hija mayor – que por cierto fue la que mas insistió – si tenía noticias sobre si el espectáculo llevaba músicos para el directo, y me reconoció no saberlo. La idea de pasarme 2 horas y pico viendo a un imitador de Michael Jackson y su cuerpo de baile haciendo “playback” sobre una bonita y perfecta música enlatada no me llamaba nada la atención. Busqué información por internet, para ver si en algún artículo en el que hablasen del espectáculo hacían referencia a los músicos. Nada. Cero. Negativo. Evidentemente, en este país se le da muy poca
importancia a la música en directo y por tanto, en general ,no se valora la dificultad que entraña abordar un montaje así.
En este estado, sumido en ese mar de dudas en las que se entremezclaban el desembolso económico, los burdos imitadores y la música enlatada, en el último momento y mas pensando simplemente en el placer de pasar una agradable tarde en compañía de mis hijas, por fin les di el “sí”.
Cuando entramos al Auditorio – el Maestro Padilla, de nuestra capital – mi preocupación más importante desapareció de inmediato: sobre el escenario, colocados en posiciones estratégicas, algo disimuladas pero sin llegar a estar ocultos del todo, estaban los instrumentos. Teclados arriba a la izquierda, guitarras a la derecha, batería al fondo a la izquierda – el W.C. lo colocarían en otro lugar - y bajo al fondo a la derecha. Respiré
aliviado: la música iba a estar interpretada en directo. Mientras llegábamos a nuestros asientos, mi hija mayor, que iba consultando el programa de mano ya también me aclaraba que entre los integrantes del elenco estaba leyendo “batería, guitarrista, teclista, saxofonista, etc”. “Tranquilo, papá”, me decía.
Pero tranquilo del todo no estaba. Ya son muchos conciertos vistos – y oídos – en el auditorio Maestro Padilla, de los que he salido con el mal sabor de boca de un sonido pésimo. De hecho, en la mayoría de las ocasiones suele ocurrirme. Así que, como no terminaba de creerme que aquello funcionase pensé “seguro que va a sonar fatal”.
Pues que alegría a veces da cuando uno se equivoca de parte a parte. Sinceramente reconozco que posiblemente jamás haya escuchado en este Auditorio la música más claramente y con mayor calidad como en la tarde de ayer. Cuando el show comenzó, precisamente con una introducción instrumental de los fantásticos músicos que el espectáculo lleva, noté con estupor que podía escuchar perfectamente cada instrumento: teclados, guitarras, batería y bajo – este último suele ser el más problemático en el auditorio – sonaban perfectamente, bien nivelados, a un volumen alto pero sin ser estridente. Perfectos. Cuando entraron las voces, la sensación fue la misma. Todo a nivel, todo en su sitio, sin estridencias, con claridad y con potencia. Un diez para los técnicos de sonido, pensé. Me recosté en mi asiento y me dije a mí mismo “no sé lo que vendrá ahora, pero al menos voy a es cuchar buena música”.
Y lo que vino a continuación me gustó, en general. Un buen espectáculo, mezcla entre el típico “musical” que tan de moda está ahora y un concierto de “covers” de Michael Jackson, acercándose más a esto último. Y digo esto porque quizás lo más flojito del show era el guión, el hilo conductor que enlazaba unas canciones con otras, y que casi siempre recurría al sentimentalismo, rozando la sensiblería, con una pareja de maestros de ceremonias - Samuel Gómez y Carolina Serrato - que me dejaron boquiabierto como cantantes, pero que como presentadores no llegaron a conectar conmigo en ningún momento, aunque creo que lo hacen muy dignamente. Sencillamente lo que les falla es el guion, más que sus interpretaciones.
Pero, lógicamente, lo que más esperaba el publico era ver a los sosias del señor Jackson. En estos casos se da uno cuenta de la gran originalidad de un artista: cuando hay que buscarle un doble, y se tiene que recurrir a varias personas para intentar mostrarlo en su plenitud. Es el caso. Para los papeles de Michael Jackson este espectáculo lleva a dos artistas: Fran Jackson, que es un doble casi perfecto de último Michael, que imita perfectamente sus gestos, sus poses y sus pasos de baile. Pero que no canta. Cuando Fran estaba en el escenario, solo movía los labios, y eran otros artistas – destacaría a Alejandra Barella, que “clavaba” el timbre de Michael en ocasiones – los que ponían la voz.
Pues bien, la otra mitad de MJ era el cantante Mampuele. Físicamente con menos parecido a la estrella, aunque muy bien caracterizado, este artista sí que cantaba, imitando bastante bien la voz de Michael, sobre todo en las baladas. Aunque no fue la voz que más me gustó del espectáculo – las de Samuel Gómez, Alejandra Barella y Carolina Serrato me parecieron mucho mas afinadas y agradables – hay que reconocerle a Mampuele que su interpretación en conjunto es muy buena, teniendo en cuenta que debía que ocuparse de cantar, bailar e imitar los gestos del mito, todo en uno sin perder la compostura. Realmente meritorio lo de este artista.
Lo cierto es que disfrutamos de lo lindo con el espectáculo escuchando un repertorio muy variado y realmente completo de los éxitos del ahora llamado “Rey del Pop”. Desde algunos temas de sus inicios con los Jacksons Five – I want you back, ABC, Ben o Blame it on the boogie – hasta todos los grandes éxitos de su carrera en solitario y que hemos escuchado hasta la saciedad. Por recurrir al tópico, porque en este caso creo que es bastante cierto, unas canciones que han formado parte de la banda sonora de nuestra vida: Billie Jean, Beat it, Smooth Criminal, Human Nature, Bad, I´ll be there y muchas más.
Mención especial, desde luego, para el montaje escenográfico de “Thriller”, con el cuerpo de baile disfrazados y maquillados como horribles “zombies”, provocando algún que otro sustito al respetable público – ¿verdad, hijas? - . En general, y aunque no pueda hacer una valoración tan detallada como la que suelo hacer sobre la música, los bailarines del espectáculo creo que hacen una magnífica labor también. En un espectáculo sobre MJ, si se trata de recordarlo e imitarlo, está claro que el baile es algo importante, casi al mismo nivel que la música. No hay más que ver su film póstumo “This is it”, en el que se pueden seguir los ensayos para la gira mundial que nunca pudo realizar, para darse cuenta de lo importante que era para Michael su cuerpo de baile. En un momento de esa cinta alguien dice a los bailarines que deben ser “una extensión del cuerpo del propio Michael Jackson”, y creo que así lo entendía él. Muy recomendable esa película, por cierto. Se puede ver al MJ músico, bailarín y, sobre todo, profesional al 100%.
Hubo muchos momentos emotivos, musicalmente hablando, con las versiones de “The way you make me feel” en su versión lenta – interpretada magistralmente por Samuel Gómez, que fue realmente la voz que más me gustó en su acercamiento a Michael – el tema “You are not alone”, o los temas de tinte ecológico “Earth song” y “Heal the world”. A destacar también el “medley” con el coro Gospel, con temas como “Off the wall” o “Can you feel it”.
Personalmente, por mis propios recuerdos juveniles, me encantó escuchar “Don´t stop ´till you get enough” , de uno de los discos que yo mas disfruté de este artista, el álbum “Off the Wall”. Una de sus mejores obras , en mi opinión.
El final con su famoso “Black or White” y el marchoso y funky “Wanna be startin´something”, lógicamente nos dejó con ganas de mas y, como si de un concierto tradicional se tratase, nos tenían preparados otro final: el famoso “We are the world”, compuesto en su día por Michael y Lionel Ritchie, y que tanto nos emocionó en los 80, aquella época en la que algunos grandes artistas creyeron que podían salvar el mundo con su música y sus macro-conciertos. No lo consiguieron, porque al mundo no lo salva “ni maría santísima”, claro, pero al menos nos dejaron algunos muy buenos conciertos, y muy buenas intenciones.
Como en el original de aquella canción- en la que intervenían voces como las de Stevie Wonder, Diana Ross, Tina Turner y el propio Michael, entre otros muchos- , en esta fueron interviniendo todas las voces principales del elenco, aprovechándose el momento para que cada cantante y cada músico recibiese su bien merecida ovación particular. Ya que doy tanta importancia a la música en directo, injusto sería no dedicar unas líneas a los músicos, que dieron un soporte impecable a todo lo que ocurría en el escenario. Como es lógico en este tipo de espectáculos, lo que aquí se valora no es la improvisación sino, bien al contrario, la precisión y el máximo parecido con los originales de lo que se está interpretando. Pues de precisión estaban sobrados todos los músicos del escenario. Desde el teclista Alvaro Peire – había otro teclista, que además acompañó a piano solo todo el “meddley” góspel, pero no viene su nombre en el programa – que consiguió recrear perfectamente todos los ambientes que la música de Jackson requiere, pasando por el espectacular guitarrista Oliver Martín, que en alguna ocasión saltó al escenario para formar parte de la coreografía mientras interpretaba algún espectacular solo, la base rítmica de Ángel Crespo en la batería y Adrian Bartol en el bajo, que eran como un metrónomo, pero con sensibilidad, y terminando por los metales donde estaban Patxi Urchegui en la trompeta y un conocido - para los jazzistas, claro - Iñaki Arakistain, ejecutando unos preciosos arreglos sobre todo en los temas mas rápidos. Por supuesto impecables tambien todos los cantantes y coristas, pero como eran tantos que me perdonen por no nombrarlos uno a uno. Todos ellos, tocando y cantando en directo, como debe ser – habría que desterrar a otro planeta al impresentable que inventó lo del “playback” – hicieron que el resto de artistas pudiesen realizar su trabajo con precisión, pero a la vez con la maravillosa sensación de que la música se está creando justo en ese instante.
En definitiva, no pude más que agradecerles a mis hijas su insistencia porque salimos de allí con la alegría que da presenciar un buen espectáculo, cuyo montaje imagino que ha costado un gran esfuerzo artístico y económico, por lo que se da por muy bien empleado lo que cuesta asistir a él. Personalmente creo que se ha mitificado en exceso la figura de Jackson tras su misteriosa muerte, pero también creo que durante su vida sufrió muchas injusticias y muchos abusos por parte de gente cercana que lo traicionó en muchas ocasiones, y que enturbiaron su figura como artista. Probablemente nunca sabremos que había de cierto o falso en aquellas escabrosas historias que se contaron sobre él. Yo creo que tengo la balanza bien nivelada y aunque no pienso que sea “el más grande”, si que reconozco que él y su entorno musical – no hay que olvidarse de Quincy Jones, desde luego – han creado un sonido inconfundible y unas melodías inolvidables que ya son parte de la historia de la música popular. Y…eso es todo.

Abrituneitu…o pasion por Gina Lollobrigida

2010-09-18T14:18:00.004+02:00

Tutto per Gina, 16 de septiembre de 2010, Teatro Alfil (Madrid)

Ya me hubiese fastidiado a mi marcharme de Madrid con el sabor amargo del decepcionante concierto de Supertramp. Todavía me quedaba una última noche, y lo que tenía previsto era algo, de entrada, incatalogable o, para que dar más vueltas: raro.
Se trataba de la obra "Tutto per Gina", interpretada por 4 individuos (Santiago Ibarretxe, Luismi Baladrón, Iñigo García y Daniel Llull) que se hacen llamar "Primital Bros". De donde salen estos "hermanos primitivos"?. Pues sobre todo de la mente de uno de los músicos más creativos, imaginativos y surrealistas que tenemos por este país, es decir, Santi Ibarretxe.
Por casualidad descubrí su disco "Primital" y reconozco que me enganchó inmediatamente. Es muy complicado definir que hace Ibarretxe, si digo que mezcla el jazz, con el funk, con la electrónica, con los juegos de voces y con el humor...posiblemente me quede corto. Mejor escuchad ese disco, y sacad conclusiones.
Pues bien, poco después mi buen amigo Antonio Gómez me comentó que Santi iba a colaborar en su disco "Aires de mar”, y de hecho lo hizo con una magnifica improvisación de saxo en el tema "In fraganti".
El caso es que le había perdido un poco la pista hasta que hace poco, precisamente en otro telediario - si es que hay que ver las noticias, mecachis - pude ver unos segundos de la obra que estaba representando en Madrid, junto a 3 actores más. Rápidamente hice las gestiones para conseguir entrada - nuevamente mi hermana me resulta de gran utilidad, además de que resulte ser un placer acudir con ella a todos estos espectáculos - y en un "pis-pas" ya teníamos las entradas reservadas.
Nuevamente, como me pasa con el disco "Primital", me va a resultar complicado contar lo que vimos. Cuatro tíos en un escenario bastante sobrio, con la ayuda solamente de 4 micrófonos inalámbricos - que casi ni se notan - y como es lógico de sus gargantas, sus cuerpos y su imaginación. Hora y media en la que mezclando la mímica con la música construyen una historia divertida, contada con un lenguaje extraño que, para que vamos a engañarnos, probablemente no entienden ni ellos. ¿Alguien sabe que significa, por ejemplo, abrituneitu?.
Me recordaron a "El tricicle" - es lógico, por la cuestión de la mímica - o en otras ocasiones a los geniales "Les Luthiers", pero no se me entienda mal: me los recordaron, pero no los imitaron. Estos hacen otra cosa, SU COSA. Juegan con ritmos, juegan con melodías, conocidas - por ahi sonaron sus versiones de temas de Beach boys, de Michael Jackson, melodias barrocas, rap, heavy, etc - o inventadas, juegan entre ellos, juegan en el público - que no puede parar de reír - en definitiva...JUEGAN. Sencillamente geniales, no puedo decir otra cosa.
Como postre, tras finalizar la obra, nos regalaron algunas interpretaciones "a capella" de temas como "Too much heaven" de los Bee Gees, con un Ibarretxe pletorico tanto humoristica como musicalmente - "You are the sunshine of my life" y "Isn´t she lovely" de Stevie Wonder, o la melodia del standard "Life will be a dream", que sonó como "leitmotiv" en toda la obra. Y como ultimo bis, un precioso tema casi sentados junto al público, a pie de escenario, demostrando todos sus habilidades vocales con más calma.

Porque durante toda la obra, además de cantar, no paran de actuar, de saltar y de gesticular, sin perder el ritmo, el tempo ni sus respectivos papeles vocales en ningún momento. No quiero pensar cuantas horas de ensayo requiere algo así.
Para completar, hasta me encantó el Teatro Alfil, pequeño y coquetón, con el bar dentro de la sala, lo que permite que puedas tomarte cualquier cosa mientras ves el espectáculo.
"Tutti per Gina" me dejó la mandíbula en ese lamentable estado en el que solo suelen dejarla Les Luthiers, y eso es mucho decir. Supongo que cuando acaben con sus representaciones en Madrid (si no estoy mal informado, han prorrogado en el Teatro Alfil hasta el 20 de noviembre), girarán por el resto de España (podrían hacerlo por cualquier ciudad del mundo, y los disfrutarían igual). Si tenéis ocasión, no os lo perdáis, porque es toda una experiencia ver a estos cuatro...o más bien cinco, si contamos a Gina, claro.

Los super-tramposos...o cuatro por uno

2010-09-18T12:32:00.005+02:00

Supertramp, miercoles,15 de septiembre, Palacio de los deportes de la Comunidad de Madrid

He tenido que pensarme si escribía o no sobre el concierto de Supertramp. Por una parte el cuerpo me pide que de mi opinión sobre un concierto de una banda tan legendaria – que además yo tenía muchas ganas de ver en directo -, pero por otra tengo la costumbre de no escribir sobre algo si no me emociona lo suficiente y este es el caso. No obstante, como hay mucha gente que sabía que iría al concierto, y para evitarme contar lo "frio" que me dejaron más de una vez, me he decidido a escribirlo aquí. Así a quien me pregunte no tendré más que decirle "a mi blog me remito".
Supertramp. Palabras mayores. Con unos 13 o 14 años de edad descubrí yo a esta banda, justo cuando su celebérrimo "Give a little bit" los hizo mundialmente famosos. En la pequeña y provinciana Almería, un joven melómano como yo solo podía soñar con ver un directo de uno de estos grupos. Hablo de la época en la que los grandes grupos de rock o bien no pasaban por España - que era lo más normal - o solo iban a ciudades como Madrid y Barcelona. Añadamos a esto que, en ese hipotético caso, yo no tenía posibilidades de hacer un viaje con ese propósito - posiblemente mi padre me hubiese mirado con ojos de asombro, caso de planteárselo - pues la cuestión es que pensé que posiblemente nunca vería a los Supertramp - y tantos otros - en directo.
Pero los tiempos han ido cambiando, y a veces Mahoma (o sea...yo) va a la montaña (o sea...a Madrid), y otras...resulta que Mahoma (o sea...los grandes grupos)....me sorprenden y vienen a la montaña (o sea...a Almería). Cosas de la vida. En esta ocasión, resulta que coincidíamos en Madrid, así que me dije "Ramón, otra asignatura pendiente que vas a aprobar: ¡¡¡ por fin vas a ver a Supertramp!!!".
Hace un par de años tuve la suerte de ver Roger Hodgson, antiguo miembro y alma del grupo y, por ende , autor de sus mayores éxitos, recaló por Almería. Disfrute muchísimo de ese concierto (podeis leer mi crónica en http://mastritomusic.blogspot.com/2007/10/roger-hodgson-el-mago-de-las-melodas.html) , pero pensé que me quedaba por ver a la otra mitad del genial tándem compositivo: Rick Davies, que sigue al frente de la banda.
Pues bien, posiblemente hubo muchos factores para que saliese de allí tan decepcionado. Uno de ellos, la situación en el pabellón. Las entradas las compró mi hermana, que además tuvo el detalle de invitarme (buen regalo de cumpleaños, ¡¡¡ si señora!!!), y en su afán de que estuviésemos cómodos y bien situados, adquirió entradas de gradas en lugar de las de pista (a mi me suele gustar mas estar a pie de escenario). Resulto que no eran las que esperaba, y estábamos situados algo mas lejos del escenario de lo previsto.
No obstante, eso no hubiese sido determinante si no se hubiese juntado con la mala calidad de sonido. Sorprende que un grupo como este pueda sonar tan mal. Solamente se escuchaba con claridad la voz de Davies, algo a lo que supongo que los técnicos prestaron especial atención. En el otro extremo, y por poner un ejemplo, me dio la sensación de que no había bajista, y lo había, al menos por allí estaba danzando, con un bajo colgado. En lugar de un sonido claro de bajo, se escuchaba como una especie de zumbido o bola de sonido bastante deplorable. El resto de instrumentos, lógicamente, se vieron influenciados por esto, y tampoco se escuchaban de forma optima, incluido el piano acústico, sonorizado con un pésimo mal gusto. Para ese sonido, podían haber puesto un piano Casio de gama baja, y andando.
Dejando esto claro, paso al repertorio. Eso me lo esperaba, claro. Previsible, muy muy previsible. Pero es lo que todo el mundo quiere oír, claro, y lo acepto como parte del juego de la nostalgia. Empezaron con la suavona y nada sorprendente "You started laughing", tema que nunca grabaron en estudio y que yo escuché por primera vez en su el famoso "Paris". Nada más comenzar el tema un horrible acople enturbió aún más el espeso sonido que nos llegaba, que además carecía de la potencia suficiente llenar para un pabellón como ese, donde posiblemente estábamos unas 10000 almas.
Una a una fueron cayendo todos tus exitos: "Breakfast in america", "Logical Song", "It´s raining again", "Cannonball" - tema pesadísimo donde los haya - "Ain´t nobody but me" o "Goodbye stranger"
Especialmente me gustó escuchar a Davies solo al piano, con un sencillo, pero sentido, tema llamado "Downstream", del disco “Even in this quietest moments” y que en su día fue la cara B del single de "Give a little bit". Muchas veces la he tocado yo al piano, por el placer de hacerlo.
Sí que me sorprendió que tocasen "Poor boy”, porque creo que no suele estar en su repertorio habitual. Sin embargo, no me gusto nada la larga y pesada versión del "Another man´s woman", con una insulsa e interminable improvisación de piano de Davies. Como intuyendo el aburrimiento, a la derecha del escenario se colocó a un tipo en bañador bajo una sombrilla, imitando la portada de su famoso álbum “Crisis, what crisis”.
Sonaron también temas menos conocidos- los originales de Davies, precisamente - , pero de gran calidad, como "Bloody well right" - uno de los mejores temas de Supertramp, del que indudablemente es su mejor disco “Crime of the century”, el ya himno "From now on", "Rudy", con su típico video de trenes, o el particular blues-pop- "Put on your old brown shoes". Lógicamente, al tratarse de composiciones de Rick, son los que mejor suenan, ya que escuchamos la voz y piano originales que los concibieron.
Para terminar, y como bises, tan previsibles que mi hermana se sorprendió cuando se los "chivé" casi todos al oído antes de que los hiciesen: "School" - que sonó realmente blandita, sin la fuerza que ha hecho que esa canción siempre me pusiese los pelos de punta -, "Dreamer" – en versión reducida - y "Crime of century". No volvieron al escenario a saludar tras ellos. Supongo que ya habían “fichado la salida”.
De la banda original solo quedan tres miembros: El mencionado Davies, que es el compositor de la mitad de los temas, y al que yo siempre he respetado al mismo nivel que a su colega Hodgson. De hecho me parece que parte del encanto de los Supertramp de los 70 se debe también a su toque "bluesero" y sus teclados más cercanos al "rhytm´n´blues" que al pop. La unión de esas influencias con el genio melódico de Hodgson es lo que hizo que los primeros discos de la banda fueran sencillamente geniales.
Los otro dos “supervivientes” son el batería Bob. C. Benberg y el saxofonista y showman John Anthony Helliwell.
Benberg hizo su papel, con sus golpes contundentes y calcados a los que daba en cada correspondiente disco, y Helliwell intentó, como es habitual en él, animar un poco al publico – Davies no abre la boca en todo el show, salvo para cantar claro - pero creo que no lo consiguió. La típica broma sobre lo bueno que está nuestro jamón y nuestro vino, la camiseta del Real Madrid, etc. Vamos…que no se calentó la cabeza. Realmente, en ocasiones, me dio esa triste sensación que se transmite cuando los músicos están ahí sin pasárselo bien, sino simplemente trabajando, echando "el jornal".
El resto de músicos no eran muy destacados, pero hacían bien su labor. De el bajista - Cliff Hugo - no puedo opinar por el sencilla razón de que no lo escuché. El guitarra solista - Carl Verheyen - intentó calcar los solos de Hodgson, los 2 cantantes intentaron cantar como Hodgson, o tocar guitarras y teclados mientras cantaban como lo hacía Hodgson. Sinceramente creo que no lo consiguieron. Por ahí estaba también el hijo del batería, Jesse C.Benberg - en apoyo de teclados, pasando también bastante desapercibido. Y un trompetista que también cumplió con su papel, sin destacar demasiado, salvo en los arreglos de trompeta con sordina en “Poor boy”.
Rick Davies para sustituir a su antiguo socio Roger Hodgson necesita a 4 músicos. Debería mirarse eso.
En definitiva, para que seguir haciendo leña del árbol caído. Estos Supertramp no son aquellos con los que yo soñaba a mis tiernos 14 años. Han perdido la fuerza y, lo que es más importante, han perdido a Hodgson. Si algún día se reconcilian, volveré a asistir a un directo de ellos. Si no, dudo mucho que tropiece más veces en esta piedra.

Una tarde sin banda sonora

2010-09-18T11:39:00.007+02:00

Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, martes, 14 de septiembre de 2010 , Teatro Español (Madrid)

Que me perdonen los aficionados al teatro, porque seguramente voy a meterme en "camisa de once varas", pero como ya me he acostumbrado a escribir sobre los espectáculos a los que asisto, y en esta ocasión se trataba de una representación de la famosa obra de Arthur Miller, al menos voy a dar mi opinión, aunque reconociendo que me muevo en terrenos pantanosos y desconocidos para mi, a nivel técnico sobre todo. Dicho esto, y esperando que los expertos sean indulgentes, ahí va mi opinión.
La invitación a acudir a esta representación vino de parte de mi hermana que además de vivir en Madrid desde hace unos añitos, resulta que sí que es un verdadera aficionada - y a veces más que eso, pasando a la práctica - a este noble arte de la interpretación. Me llamó unos días antes de mi partida hacia Madrid para comentarme que tenia intención de ir a ver dicha obra con otros amigos y con el típico "¿te apuntas?". Casualmente cuando me dijo de que obra se trataba, recordé que ya había visto yo una noticia sobre ella en un telediario reciente, y que me llamó la atención, por la juventud del director, Claudio Tolcachir, un argentino que ya había tenido otro gran éxito en Madrid, y también por algunos de los actores, como Carlos Hipólito, Gloria Muñoz, Manuela Velasco y, sobre todo, por el mas mediático Fran Perea. Y, como no podía ser de otra manera, me apunté.
De entrada tengo que reconocer que al no estar acostumbrado a asistir en demasía al teatro - en Almería tampoco vienen tantas compañías y, caso de venir, siempre hay algún concierto que me interesa más - tiendo a impresionarme con más facilidad que los que acuden asiduamente. Ver y escuchar a un actor en directo tiene un encanto especial que no existe en el cine ni la televisión, y por tanto , suele gustarme casi todo lo que veo. Buena boca teatral, se llamaría esto.
El argumento de la obra me pareció muy interesante, planteando algunos dilemas éticos y morales entre los personajes, y que podrían extrapolarse a muchas situaciones reales. Un viejo empresario, en la América de los 50, tiene que cargar con la sospecha de una turbia venta de material defectuoso que ocasionó una desgracia aerea, y que además llevó a la cárcel a su socio. Para complicar las cosas, uno de sus hijos desaparece en combate, su esposa se niega a aceptar su muerte, y su otro hijo está enamorado de la novia de su hermano muerto, que para mas "inri" es hija de su ex socio – que está a punto de ser excarcelado - . La obra comienza cuando el hijo invita a casa a la antigua novia de su hermano, para proponerle matrimonio.
Argumento interesante, complejo, pero nada enrevesado, con unos personajes creo que muy bien construidos, y con algunas pinceladas de humor para relajar el ambiente de vez en cuando.
En fin, no voy a descubrir yo a Arthur Miller ahora, claro. Es uno de los más importantes dramaturgos del Norteamérica, y por algo será.
Respecto a las interpretaciones, creo que Carlos Hipólito está realmente bien - siempre y cuando uno no cierre los ojos y crea que está escuchando al niño de "Cuentame". Cosas de la televisión. La actriz Gloria Muñoz, en el papel de su esposa también creo que lo borda. Sin embargo la pareja joven, Manuela Velasco y Fran Perea, no me parecieron tan convincentes, dentro de que creo que no lo hicieron nada mal. Lógicamente, se ve que en esto del teatro, más que en otras cosas, la veteranía es un grado.
La escenografía era sobria, pero magnifica para lograr meternos en la historia. A la izquierda un trozo de la vivienda de los protagonistas con la puerta que da al jardín, donde transcurre prácticamente toda la acción, y por el que van pasando todos los personajes. Al fondo una arboleda muy bien simulada. Y poco más. Suficiente, ya que la fuerza de la obra estaba en los diálogos.
Total, que creo que fue un acierto asistir a la obra, no todo en la vida puede ser música. De hecho...precisamente algo que me llamó la atención es que...prácticamente no se escuchó música de fondo en el montaje. A veces las palabras tienen tanta fuerza que acompañarlas con una melodía se hace totalmente innecesario.

Se desborda el Rio de la Plata

2010-09-18T10:04:00.007+02:00

Guillermo Calliero Cuarteto, lunes 13 de septiembre de 2010, Café Central (Madrid),

Con septiembre llega la vuelta al cole, las colecciones en los kioscos, los propósitos de aquí a fin de año...y, en mi caso, vuelven los viajes a la capital con la loable intención de seguir acumulando conocimientos a nivel profesional. Pero, como es costumbre también en mí, no suelo desaprovechar la ocasión para pasearme por el Madrid cultural, mayoritariamente musical aunque, como veréis, tampoco hago ascos a otras opciones igual de interesantes.

En este caso reconozco que pensé que me vendría bien un poco del fresquito que suele llegar por esos lares en cuanto el verano llega a su fin, pero me equivoqué: posiblemente he pasado más calor que si hubiese estado en Almería, que ya es decir. Nada es perfecto, y dejaremos para otra ocasión el disfrute que para un sureño supone pasar un poquito de frio de vez en cuando.

A lo que voy, el mismo lunes por la mañana ya cogí ese rápido TALGO mañanero del que todos los almerienses "disfrutamos", ese con el que nuestro ya famoso cómico Pepe Céspedes bromea con eso de "salgo de Almería a las 7 de la mañana y...llego a las 2 ¡¡¡¿A ver qué hago yo ahora con tanto tiempo por delante en Madrid???¡¡¡". Sarcasmos aparte, reconozco que el viaje por la mañana no se hace tan pesado, y me permitió asistir a un pequeño curso esa tarde (uno extra al que me habían convocado a última hora) y poder asistir esa noche a la actuación del Café Central, lo cual era más interesante para mí.

La actuación del Central era una de mis prioridades en mi agenda cultural de la semana, puesto que el pianista del cuarteto que actuaba era ni más ni menos que el gran José Reinoso, uruguayo afincado en España desde hace ya algunos años, y que tuve la suerte de ver en Almería hace un par de años con el cuarteto Arguy, de Carlos Carli. Además he escuchado varias grabaciones suyas, y por tanto sabía muy bien que, en lo que a piano se refiere, iba a disfrutar mucho escuchándolo.

Sin embargo no conocía al resto de la banda, empezando por su líder, el trompetista argentino Guillermo Calliero, que además presentaba su trabajo "Barcelona Hora Cero".

A las 21:00 horas ya estaba yo sentadito en primera fila en el Central, justo al lado de la banqueta del pianista, haciéndome la ilusión de que...en caso de desfallecimiento de Reinoso, podría yo echarle una mano. Nada más lejos, porque a este hombre habría "que echarle un galgo" para tocar con su maestría y virtuosismo. Bueno, como soñar no cuesta, mientras cenaba eso era lo que yo pensaba.

Con la puntualidad que caracteriza al Central, a las diez de la noche comenzó un verdadero festival de buen jazz, en el que se mezclaban el mas puro bop y hard-bop, con ciertos aires tradicionales porteños que no eran de extrañar dada la procedencia de varios de los músicos. Los aires de tango estaban por ahí presentes cada vez que te descuidabas.

"Barcelona hora cero" fue su obertura, dejando claro que presentaban ese trabajo, y también dejando claro que íbamos a disfrutar. Tema potente desde la primera nota, que constataba que no necesitan demasiado calentamiento para extasiarnos.

Siguieron con "La nochera", una mezcla entre samba tradicional y "groove", y para calmar y templar me sorprendieron con uno de mis temas favoritos de Ivan Lins: "Bilhete". Tema de una compleja armonía que dificulta enormemente cualquier improvisación, pero que a músicos como estos no asusta lo más mínimo.

Cerraron el primer pase con el tema de Piazzola "Buenos Aires Hora cero" y me dejaron literalmente pegado a mi asiento. !!!Cualquiera se movía de allí¡¡¡

La segunda parte la iniciaron trompeta y piano a solas, con un tema de Gardel, de conocida melodía, pero que no puedo recordar su título - o quizás no lo dijeron - y siguiendo con la mezcla jazz-tradicional atacaron una melodía que me fascina: "Arenosa", original de Mercedes Sosal, pero que yo ya había escuchado adaptada al jazz en otras ocasiones. sin ir más lejos, el mismo Reinoso interpreta otra versión en su disco a dúo con Antonio Serrano "Zamba nueva"

Acabaron con un tema llamado "Montevideo" y con una maravillosa versión de "El día que me quieras", donde Guillermo nos deleitó con la trompeta hasta límites insospechados.

Como bis, nos regalaron con un tema de José Reinoso llamado "Marcelo´s blues".

Si el repertorio fue variado e interesante, que decir de los ejecutantes: Guillermo Calliero me pareció un fantástico trompetista, imaginativo y con todo tipo de recursos, pero sensible y sin aprovechar la potencia de su instrumento para impresionar, sino, bien al contrario, sacándole partido con mucho sentido.

Reinoso, como ya comenté al principio, se trata de uno de mis pianistas favoritos. Posee una gran técnica, y consigue que todo lo que toca suene interesante, tanto a nivel de acompañamiento como en sus solos. Toda una referencia para cualquier pianista. El pasado verano pude verlo – en los conciertos que La 2 emite a altas horas de la madrugada - con la banda de Sole Gimenez (la ex-Presuntos implicados) y puedo asegurar que subía el nivel general de la banda, que por otro lado era bastante buena.

La sección rítmica, desconocidos ambos para mi, realizaron también un fantástico trabajo. El bajista Martín Laportilla acompañó de forma impecable y nos mostró con un par de solos que también sabia de que iba la cosa, Lástima que no tocase el contrabajo, no sé si porque no se terció así...o porque es bajista eléctrico habitualmente, porque creo que la música que hacían se adaptaba mas la versión acústica del instrumento.

El batería venezolano Juan Pablo Berbin era todo energía. Técnicamente muy bueno, pero destacaba la gran pegada que poseía. Fantásticos algunos momentos logrados entre él y Reinoso: pequeños duelos piano-batería en los que nos dejaban sin respiración. Para mi gusto en algunos momentos tocó demasiado fuerte, máxime cuando el piano no estaba amplificado, de forma que en ocasiones - y os recuerdo que yo me encontraba justo al lado del piano - me costaba escucharlo.

En definitiva, y ya creo que he usado esta frase en muchas ocasiones en este blog, una magnífica noche de música en el Central. ¡¡¡ Y que nos dure !!!. En estos tiempos, más que en cualquier otro momento, todavía parece más complicado mantener un local como este, con esta calidad en su oferta, y programando jazz en directo sin interrupción, de lunes a domingo. Hasta en una capital como Madrid esto ya empieza a ser un lujo, al alcance de todo aquel que sepa llegar a este rincón en la Plaza del Ángel. Buen comienzo de semana, la verdad.

Para el día siguiente tenía previsto sustituir las artes musicales por las escénicas, y como veréis tampoco me fue nada mal.

Fusión junto al mediterráneo

2010-08-21T15:32:00.006+02:00

Josemi Carmona, Diego Cruz y Paco Rivas, viernes 20 de agosto e 2010, La Jaima de Costacabana (Almería)

La noche acompañaba, fresca - dentro de lo fresca que puede ser una noche de agosto en Almería – con una leve brisa que subía del cercano mediterráneo y una luna que alumbraba lo justito. Aparcamos en el improvisado e irregular “parking” – por llamarlo de alguna forma - de la Jaima de Costacabana, a tientas, porque las luces allí brillan por su ausencia. Nos encontramos con Diego Cruz y María Miras – organizadora del evento – y junto a nosotros aparca otro coche, del que se baja Juan “El Camborio”, que acudía también como espectador. Comencé a intuir que la noche iba a dar mucho de sí.

Acudíamos a la reunión de dos artistas: el guitarrista Josemi Carmona (uno de los miembros de Ketama) y el cantante almeriense Diego Cruz. Cuando músicos de gran calidad como los que cito coinciden en un escenario, nada malo puede salir de ahí.

Y la jaima llena a reventar. Nadie quería perderse “el encuentro”.

Junto a lo flamenco de la guitarra de Carmona y al “soul” que la garganta de Diego Cruz lleva prácticamente tatuado, estaba también la sabiduría y el virtuosismo del guitarrista almeriense, pero universal ya, Paco Rivas, que realizó la importante labor de ser el nexo que hacía posible la unión entre esos dos mundos que son, por un lado , el flamenco, y por otro el jazz, el blues y el soul. Completándolo todo, y para que ritmo no faltase, el percusionista Moisés Santiago aportaba su cajón flamenco.

El repertorio, por lógica, también debía de ser heterogéneo, como las personalidades musicales que se reunían allí, y para dejar claro de que iba la cosa, eligieron para comenzar lo que ya se ha transformado en un himno del flamenco-jazz: “Spain” de Chick Corea.

Escuchamos algunos de los temas clásicos del repertorio de Diego Cruz, como la versión aflamencada del famoso tema de Ellington “Caravan”, una intima y maravillosa “Yesterday”, a solas con la guitarra de Paco Rivas, un “Georgia on my mind” por bulerías –¡¡¡ si Ray Charles levantara la cabeza !!! – y el clásico de Horace Silver “Song for my father”.

Por parte de Josemi Carmona, además de algún tema instrumental de factura propia, era natural recordar algunos temas de Ketama que tanta popularidad le han dado, así que en su guitarra y en la voz de Diego Cruz sonó en primer lugar el tema ”Problema”.

Como espectador de lujo, dos mesas mas allá de la nuestra, nuestro internacional guitarrista José Fernandez Torres “Tomatito”, seguía la jugada atentamente, y aunque él se limitó a disfrutar de la noche, su hijo – Jose Fernandez, también – fue invitado a subir al escenario y nos dejó claro que la sangre del “Tomate” corre por sus venas.

Otro momento especial de la noche: dúo de guitarras. Paco y Josemi tocando una versión de la emotiva “El emigrante”

Más adelante, y con la incorporación al escenario de otro de los fantásticos músicos que figuraban entre el público, el cubano Luis Barbería - que nos encandiló con sus habilidades de percusión vocal, así como con sus magníficas segundas voces -, sonó “Flor de lis”, precioso tema del grande de la música brasileña Djavan, cuya versión en castellano también supuso un gran éxito para la carrera de Ketama.

Y finalmente, para interpretar el no menos famoso “Se dejaba llevar”, además de Barbería, fue también invitado otro miembro de la familia Carmona y , a la sazón, co-fundador de Ketama: Juan Carmona “Camborio”, así como su mujer Mari Carmen en las voces. Siete músicos sobre el pequeño escenario de la jaima, deleitándonos con esa pegadiza melodía del “se dejaba llevar por ti”.

Diego lo dio todo con su voz, alcanzando notas imposibles, jugando con las melodías y no había más que mirar su cara para notar que reflejaba su felicidad interior. No era para menos, porque tanto Paco Rivas- que ejecutó magníficos solos, con esa coctelera musical que pocos músicos poseen – como la guitarra flamenca de Josemi Carmona, y el cajón de Moi, hicieron que su voz brillase más que nunca.

Allí sentado junto a mi amigo Chipo, que tampoco quiso perderse el evento, con la cervecita en la mano, la brisa marina acariciándonos y lo que estaba ocurriendo bajo las intimas luces del escenario, no tuve más remedio que pensar “¡¡ Que privilegio estar aquí esta noche !!”.

Homenaje a The Doors: Humo, sudor y buen rock´n´roll

2010-06-20T20:57:00.013+02:00

Banda "Homenaje a The Doors", La Cueva (Almería), 19-06-2010

Tras el concierto del día anterior, con la banda de Al Di Meola dejándonos a todos los asistentes totalmente estupefactos, el sábado se presentaba con una oferta completamente distinta, aunque también muy interesante.
Hace unos meses, charlando con el buen guitarrista almeriense
Antonio Verdegay, en uno de los conciertos del grupo "Malas compañias", este me puso sobre aviso de que formaba parte de un proyecto en preparación de una banda que realizarían un homenaje a "The Doors". Inmediatamente pensé en que "The Doors" era - y sigue siendo - el grupo favorito de mi hija mayor - y, quizás de tanto "machacarle" el oído su hermana - también ya de mi hija menor, por lo que me prometí a mi mismo estar al tanto de esa información en fechas venideras, por que podría estar bien un "concierto en familia".
Y resulta que gracias a este fenómeno tan curioso - y útil en muchas ocasiones - de la redes sociales, la pasada semana me llega una invitación de Facebook al concierto "Homenaje a The Doors" en La Cueva, conocido local almeriense que goza del prestigio de ser el punto de reunión de la gran mayoría de los muchos músicos de la capital.

Por otro lado, aparte de esta motivación "familiar", también reconozco la expresión "Homenaje a..." siempre despierta mi atención. Ya lo he comentado en anteriores ocasiones, y lo repito, cuando un grupo realiza un homenaje o "cover" de otra banda - o artista - me merece todos mis respetos, y siempre hay que dar una oportunidad para ver lo que muestran, con la esperanza de que esos músicos hayan realizado un trabajo serio de estudio y ejecución de la obra de otros artistas anteriores a ellos. No es mas que lo que hacen los músicos clásicos cuando interpretan obras de Bach, Bethooveen o Liszt: interpretan algo ya compuesto, tratando de hacerlo con sentimiento y honradez. En el caso del rock también puede hacerse, lo que pasa es que sustituimos esos excelsos nombres antes citados por otros no menos respetables como Queen, The Beatles o, como en este caso, The Doors.
La "papeleta" que tenia por delante esta banda - cuyo nombre, ahora que caigo, no conozco...o no lo tienen - no era nada sencilla, porque interpretar los temas de la banda de Morrison son palabras mayores.
Aunque nunca tuve demasiada afición a esta banda cuando era joven - no puede uno estar en todo - haciendo memoria - aprovecharé mientras me siga funcionando tan bien para estos temas musicales - resulta que en mi adolescencia si que me compré un disco de vinilo de ellos: "The soft parade". Reconozco que durante años formó parte de mi discoteca particular pero sin ser de mis discos favoritos, ya que mis preferencias por aquella época se inclinaban mas al rock progresivo y sinfónico, con grupos como Genesis, Yes, Camel o King Crimson y mas tarde, cuando di "el salto" pasé directamente al jazz, dejando un poco de lado muchos grupos interesantes de finales de los 60 y principios de los 70 como Cream, Allman Brothers o la banda que nos ocupa, The Doors. Esto no quiere decir que nunca los haya escuchado, pero si que no tengo un profundo conocimiento de su discografía, cosa que estoy tratando de remediar poco a poco.
Pues, dicho esto, llegamos a la noche de la presentación. El lugar, La Cueva, y haciendo honor a su nombre, las noches de concierto su sótano se transforma en un garito abarrotado de humos, olores - mas o menos agradables - y cervezas. Como debe ser, por otra parte. Echándole valor para atravesar el ya numeroso gentío que llenaba el sótano, logramos mis dos retoños y yo colocarnos bastante cerca del escenario, algo esquinados - debía de ser mi sino este fin de semana - pero en buena posición para disfrutar de los decibelios necesarios en un buen concierto de rock.
La banda - seguiré llamándola así, salvo que me saquen del error de que no tiene aún nombre - estaba compuesta por varias caras bien conocidas para mi, y otras no tanto.
Comenzaré de mayor a menor, y no me refiero a la edad. En la batería, mister Antonio Díaz, para mi gusto el mas completo batería de rock que tenemos por aquí. He tenido la suerte de compartir algunos escenarios con el, ya que es el batería de nuestro grupo homenaje a Paul McCartney "Band on the run". Además también este año hemos coincidido en estudio durante la grabación del nuevo disco de Rosendo Alvarez, de cuya banda vamos a formar parte en breve para la presentación de dicho CD en directo. Vamos, que empuñando las baquetas sabia yo ya que había un valor tan seguro como los bonos del tesoro - o, con los tiempos que corren yo diría que más. Nada mas comenzar el concierto - y hasta el final - me corroboró que yo estaba en lo cierto. Impecable su trabajo en los tambores. Se nota que este es el estilo que mas le atrae, y su cara de felicidad anoche era comparable a la que pone cuando toca con otro de los mejores grupos de rock de Almeria: "La Raspa".

En la guitarra, Antonio Verdegay. Otra garantía. Yo lo he visto con el grupo homenaje a Sabina "Malas Compañias", y en algunos vídeos del homenaje a Pink Floyd, y no tenia que escuchar mas para saber que se trata de un buen guitarrista. En este caso, además, y como la ocasión se prestaba, también me ha demostrado que tiene "el blues" dentro, y que es un
excelente improvisador, al menos en lo que al rock se refiere. Grande su trabajo en el grupo.
En el bajo, otro conocido para los almerienses, Esteban Vargas, que también toca en bandas como "Malas compañias" o "La extraña enfermedad de Sarah Perkins". Como todos los bajistas, su trabajo es menos llamativo pero en ocasiones se trata del mas importante, pues si el bajista no es seguro y solvente, la banda no funciona, y muchas veces uno no sabe muy bien porque. Este no era el caso, porque Esteban realizó también un trabajo sólido e impecable en cada uno de los temas de la banda.
Y llegamos a los desconocidos, al menos para mi. El teclista, Angel Salazar, tenia por delante tambien una gran responsabilidad, ya que si el indiscutible líder de The Doors fue Jim Morrison, no es menos cierto que parte del sonido característico de la banda se debió al teclista Ray Manzarek, con sus órganos y pianos eléctricos. Aquí sinceramente tengo que hacer alguna crítica, pero siempre constructiva. A nivel de sonido, los teclados dejaron bastante que desear por dos motivos muy claros: en primer lugar el bajo volumen que salia de escenario y en segundo y mas importante, la baja calidad del teclado en si. No pude ver la marca, pero los sonidos dejaban mucho que desear. Lo primero se soluciona sencillamente dándole mas caña al canal de la mesa donde iba el teclado. Lo segundo ya cuesta unos cuantos euros mas, pero también tiene solución. No obstante, y en tan poco favorables condiciones, Angel logro crear el ambiente que los temas requerían.
Y llegamos a la pieza fundamental en esta banda: el cantante. Esto si que me inquietaba. Hay grupos donde el vocalista es secundario, o al menos, no tan importante - los mismos Pink Floyd, por ejemplo - pero en The Doors, si no hay un buen "Morrison" no hay nada que hacer. Miguel Moreno - aunque todos le llamaban Micky - tuvo la responsabilidad de cantar y recordarnos a Jim. Y, para mi gusto, lo consiguió. Le puso sobre todo fuerza y "feeling", aunque sin descuidar la entonación, que fue bastante aceptable. Digamos que se metió perfectamente en el papel, y nos hizo disfrutar a todos de ello.
Pues bien, esta banda hizo un recorrido cronológico por la legendaria - y, lamentablemente, escasa - discografia del grupo americano. Llegados a este punto, tengo que reconocer que aquí he contado con la ayuda de mis dos hijas. Paula, la mayor, por su conocimiento de la banda, y Marta, la menor, por su gran memoria. Ambas me han echado una mano a la hora de recordar el "setlist" de la noche.
Comenzaron con temas del primer disco "The Doors", como "Break on through" - creo que comenzaron con esta - la conocidisima y en su día controvertida "Light my fire" y "Alabama song" (esta última yo la recuerdo mucho mas en una curiosa versión de David Bowie que os recomiendo escuchar).
Del LP "Strange Days" sonaron "People are strange" y "Love me two times", del "Waiting for the sun" los temas "Love Street" y y la potente "Five to one".
De otro de sus clásicos "Morrison Hotel", dejaron caer temas como "Peace Frog" o el blues lento "The spy", y finalmente del ultimo disco "L.A. Woman" nos ofrecieron temas como "Love her madly", la también exitosa "Riders on the storm" -con efectos especiales de tormenta incluidos -, el blues "Car hiss by my windows", y para terminar, la que da título al disco "L.A.Woman".
Un buen recorrido por su discografía que imagino irán aumentando si el proyecto sigue adelante - comentaron un futuro concierto en el teatro Apolo de la capital, que espero no perderme - pero suficiente para un concierto de presentación.
Ante las reiteradas peticiones del "respetable" y dado que - cosas que pasan, lo se por experiencia - el repertorio se había agotado, como bis tuvieron que repetir el "Light my fire", y tampoco nos importó mucho, ya que realmente es lo que nos pedía el cuerpo. Cuerpo, por mi parte, bastante maltrecho ya después de casi tres horas de plantón, cerveza en mano, y con los ojos bastante enrojecidos por el abundante humo que invadía el local. Es lo que tiene la música en directo.
Tras el concierto, y mientras intentábamos "escapar" y respirar algo de aire puro, pude ir saludando a muchas caras conocidas que tampoco se perdieron el evento: otro magnifico guitarrista, Javi Maresca, el bajista Javi Dominguez ("El vecino"), el cantante Abelardo Navarro, el percusionista Jose Villodres, el flautista Pedro Caro, el gran melómano Nico, o el batería Tati Lopez. En fin, una buena representacion de la música almeriense que, como esta mandado, acuden a ver a sus colegas, y además se lo pasan "como los indios". ¿De eso se trata, no?

(Fotos by Paula García)

Al Di Meola, como un buen vino español.

2010-06-20T13:37:00.009+02:00

Al Di Meola, Auditorio Maestro Padilla (Almería) 18-06-2010

Nunca se sabe cuando va uno a sorprenderse y disfrutar con esto de la música. Hace mas de dos meses me enteré de que Al Di Meola venia a mi ciudad - Almería - como parte de nuestro festival de guitarra "Julian Arcas" y reconozco que, en principio, no despertó en mi una gran emoción.

Di Meola es uno de esos guitarristas que siempre han estado ahí pero que nunca llamó tanto mi atención como para comprarme un disco suyo. Aunque reconozco que si que he sido un gran fan de la etapa eléctrica del "Return to Forever" de Chick Corea, a mediados de los 70, formación de la que fue miembro este guitarrista, y en la que tuvo un gran protagonismo.

Pero lo cierto es que normalmente tiendo a huir de los músicos virtuosos, y para que me aficione a alguno de ellos tienen que demostrarme que bajo esa coraza de las escalas vertiginosas existe algo mas que decir. En ese sentido, hay músicos como Oscar Peterson o mas recientemente Michel Camilo o Hiromi Uehara que han demostrado que es posible combinar virtuosismo con sensibilidad y creatividad, pero hasta la fecha Al Di Meola no me lo había demostrado.

No ayudaban mucho los recuerdos de aquellos conciertos con John McLauglin y Paco de Lucia, en los que el trio de super-guitarristas hacían verdaderos juegos malabares que dejaban con la boca abierta a propios y extraños. Y no es que no me gustasen esos 3 músicos, pero aquello a veces parecia mas una serie de ejercicios de virtuosismo, elevados a la máxima potencia, que música. Bien estuvo si en su momento sirvió para que mucha gente se aficionase al jazz (Paco de Lucia, incluido), al flamenco y a la buena música en general, pero particularmente a mi no me entusiasmó demasiado. De hecho, hace poco tuve el placer de ver un magnífico documental sobre Paco De Lucia, donde el genial guitarrista contaba de viva voz las enormes dificultades que tuvo al principio para seguir las "desenfrenadas carreras" de sus compañeros de escenario, máxime cuando él mismo reconoce que en ese momento no conocía los secretos de la improvisación jazzistica, e intentaba seguirlos acorde a acorde, haciendo que se volviese literalmente majareta intentando hacer un solo coherente a base de ir buscando las notas que entraban en cada acorde, cuando los cambios entre estos tardaban milésimas de segundo.

La cuestión es que acudía yo al Auditorio Maestro Padilla un poco receloso, pensando si no iba a encontrarme con otra demostración mas del tipo "mirad cuantas notas puedo dar en un segundo, señores!!!!". Me coloqué en mi privilegiado asiento de la fila 1 - que conseguí gracias a la preocupación y generosidad de algunos estupendos amigos - ellos saben quienes son - y comenzó el concierto.

Lo primero que me sorprendió es el buen envejecer que ha tenido el señor Di Meola. A sus 56 años sigue teniendo prácticamente el mismo aspecto que lucía en los 70 (excepto por las gafas, algo en lo que creo que todos los cegatos del mundo hemos mejorado desde esa época de infames diseños en lo que a gafas se refiere).

Bromas aparte, cuando la música comenzó a sonar empecé a darme cuenta de que, en este caso, los años y, por tanto, la experiencia, habían efectuado cierto cambio en este guitarrista. Su fraseo sigue siendo reconocible, su forma de tocar y su sonido, pero ahora toca mucho mas calmado, mas melódico, sin esa necesidad de demostrar en cada compás la tremenda agilidad de sus dedos que - por otro lado - hay que reconocer que la tiene, y mucha. La música que nos estaba mostrando era, sin duda, compleja: armonías preciosistas, muy orientales, pero con tintes brasileños - que siempre le han gustado - mediterráneos y porteños, con mucho por ahí del sonido Piazzola, compositor del que se declara gran admirador. Por no hablar de las amalgamas rítmicas, predominando los 6 por 8 - esta observación me la hizo mi amigo "el vecino", que entiende mas de ritmos que yo - y con unas complejas y endiabladas - por difíciles que no por rápidas - melodías. Pero muy poco de demostración virtuosa por su parte, dejando esas cuestiones solamente para, en ocasiones, acabar los temas de un modo efectista y contundente. Es decir, como el buen vino, Al Di Meola ha ganado con la edad, y ha ido desechando lo superfluo - la velocidad - quedandose con lo importante - la expresividad, evolución con la que hemos ganado todos.

Por supuesto hay que nombrar a sus compañeros de aventura actuales, que estuvieron a la altura de las circunstancias, y no era para menos porque no es fácil formar parte de la banda de uno de los "totems" de la guitarra mundial. Tengo que empezar por el fabuloso acordeonista - Fausto Beccalossi - que logró que se me olvidase que la formación no llevaba pianista - algo que suele decepcionarme siempre al comienzo de cada concierto - a los 10 segundos de comenzar. Las complejas melodías eran construidas siempre con el acordeón como co-protagonista, aunque a veces se convertía en foco principal de nuestra atención. La forma en que este hombre dominaba ese - para mi - complejo instrumento, y el partido que lograba sacarle creo que nos dejo a todos - por las conversaciones posteriores que he mantenido con amigos asistentes - totalmente boquiabiertos. En ocasiones daba la sensación de estar manejando un sintetizador, por como lograba jugar con toda la variedad de sonidos y efectos que conseguia.

Como complemento también, y como para dejar claro que él no iba de "figura", Meola se hacía acompañar de otro magnifico guitarrista, Peo Alfonsi, con el que empastaba tan perfectamente que en ocasiones me resultaba muy difícil distinguir de que guitarra salia cada nota. La sección rítmica también me pareció sobresaliente. Quizás haciendo un trabajo mas oscuro - suele pasar - el contrabajista cubano Victor Miranda estuvo muy solido, dejando el protagonismo al batería y el percusionista. Por mi situación en el auditorio - algo esquinada - tuve la posibilidad de observar con todo detalle a estos 2 últimos. El batería - Peter Kaszas -me pareció excelente para su juventud, y el veterano Gumbi Ortiz, un neoyorkino con aspecto cubano, nos hizo disfrutar a todos con su simpatía y su dominio rítmico. Y , lo mas importante, entre ambos existía mucha complicidad, algo básico para que la música camine.

Del repertorio interpretado tengo que reconocer que no puedo contar demasiado por 2 razones: En primer lugar por mi desconocimiento - voy a remediarlo pronto - de la discografía reciente de Meola y en segundo lugar por la parquedad en palabras por parte del maestro. Aclararé que su actitud en el escenario fue muy correcta, provocándonos incluso, en ocasiones, alguna sonrisa, como en el momento en que, simulando una discusión con el percusionista sobre la intensidad de las luces en el escenario (este quería menos luz, para pasar menos calor, y el guitarrista quería mas para poder leer las partituras) y que se zanjó con la colocación sobre la cabeza de Ortiz de la toalla de Al le facilitó, para que así pudiese secarse el sudor, dejando claro que lo importante era poder leer lo que había que tocar.

La cuestión es que, aunque si que hizo algunos comentarios sobre los temas que interpretaba, creo solo dio los títulos de unos pocos. O al menos, son los que yo pillé al vuelo. Por ejemplo, el llamado "Misterio", y que luego he visto que forma parte de su disco "The grande passion - World Sinfonía" - mas de uno de los temas interpretados creo que vienen de ese disco - o un tema compuesto por Gumbo Ortiz llamado algo así como "Cumbasero" (perdonadme si me equivoco en algo, pero no suelo llevarme bloc de notas a los conciertos, y después a veces me cuesta recordarlo todo).

Tras mas de 2 horas de magnífica música, con un auditorio abarrotado y entregado - y con razón - con esta magnífica demostración de "saber hacer" musical, la banda abandonó el escenario para volver inmediatamente, primero en duo (guitarra-acordeón) y mas tarde al completo, y terminar con un clásico de Paco de Lucia: "Rio Ancho". Como el propio Al Di Meola dijo durante el concierto - sinceramente agradecido a la audiencia - estamos "in the land of the guitar". Y de hecho, demostrando su amor a la guitarra española, esté fue el único instrumento que usó durante todo el concierto, y aunque en ocasiones hacia uso de su pedalera para sacar sonidos sintetizados, la base de su sonido estuvo en las cuerdas limpias de su preciosa "spanish guitar".

Y así, con la melodía flamenca del "Rio ancho" del maestro De Lucia sonando aún en nuestros oídos salimos todos - los casi mil asistentes, calculo yo a "ojo de buen cubero" - con esa sonrisa "de oreja a oreja" que se le queda a uno cuando acaba de presenciar un gran concierto, disfrutando de la charla post-concierto habitual en los exteriores del auditorio, y en este caso con la especial alegría para mi de compartirla con mi queridisimo amigo Paco Clares que, tras una larga enfermedad de la que felizmente se esta recuperando, volvió a disfrutar de una noche de música en directo, y además con uno de sus guitarristas mas admirados. Nada mas que por eso me hubiese merecido la pena la noche. ¡¡¡ Y pensar que estuve a punto de perdermelo !!!

Manos expertas para el rock´n´roll

2010-05-29T11:55:00.006+02:00

Ariel Rot, sala Joy Eslava (Madrid), 27-05-2010

Los que me conocen saben que mis apetencias musicales son de lo más variado, y pueden oscilar de un extremo a otro con tremenda facilidad. Igual se me puede ver en un recital de música antigua, en una iglesia cualquiera – de las pocas ocasiones en las que accedo con gusto a ese tipo de recintos – como acto seguido, y en ocasiones en el mismo día, trasladarme al más oscuro de los antros, para escuchar a algún grupo de rock, pasando por el jazz, sea en clubs, bares de copas o festivales. Vamos, que no le hago ascos a nada – o casi nada – cuando de música se trata, y sobre todo en directo- que es la forma natura de escucharla (lo de los vinilos y los CD´s es un invento reciente).

Por tanto, cuando supe que iba a estar unos días en Madrid y realicé la pertinente batida por la red para ver que me deparaba la suerte en cuanto a lo musical no me circunscribí solo al jazz, sino que busque otras opciones y me topé con que – mire vd. que casualidad – el amigo Ariel Rot presentaba en la sala Joy Eslava su nuevo disco: “Solo Rot”.

Por si hay alguien que no sepa quién es este Ariel Rot, a él va dirigida esta explicación previa. Si digo Tequila posiblemente ese alguien soltaría un aliviado “ahhhh…a esos si los conozco”. ¿Quién no ha escuchado, cantado o, incluso, bailado – más mal que bien – ese “Rock´n´roll en la plaza del pueblo” , popularizado por esa magnífica banda que los alegró a todos el final de los 70 y principio de los 80?. Pues bien, ahí estaba el amigo Ariel, con sus ojos verdes y cara de niño malo – que aún conserva, todo hay que decirlo – demostrando que también en España se podía hacer buen rock, con una cierta estética “stoniana”, y llevándose a las chicas de calle – cosa que también siempre han hecho los Stones, claro.

Tras la disolución de esa banda, creo recordar que a final de los 80, destruidos por su propio éxito – que llego a alcanzar cotas muy altas – Rot comenzó a intentarlo en solitario sin demasiada suerte al principio. Los primeros años de la década de los 80, con el tecno y la movida realizó alguna grabación que, a mi entender es, cuando menos, olvidable. Si escucháis su disco “Debajo del puente” entenderéis a que me refiero. Por fortuna se dio cuenta a tiempo de que ese no era su camino, de que él había “nacido para el rock”, algo que sabe hacer como nadie. En un momento dado sus pasos se cruzaron con los de otro joven argentino llamado Andres Calamaro, y juntos formaron otra de las bandas más compactas y originales que hemos tenido por aquí; “Los Rodriguez”. En esta banda recupera – y él mismo dice que es lo que más le gusta – su rol de guitarrista – Ariel es un fenomenal guitarrista de rock – y se lanzaron de nuevo a la carretera y a los estudios de grabación, dando como fruto una discografía corta pero muy intensa, regalándonos un rock a veces más cercano al Dylan eléctrico, aunque también con aires porteños, demostrando que es posible hacer música de gran calidad…y que llegue a todo el público. (Tengo que reconocer que a “Los Rodriguez” yo no los he disfrutado en su época de éxito, debido a que yo en esos años andaba muy ocupado escuchando “todo el jazz del mundo, y más”, y me despisté un poco en lo que a pop y rock se refiere. Años después he rectificado, y me he “papeado” su discografía completa en más de una ocasión, lamentándome por no haberme fijado en ellos en esa época.)

Entre tanto ya iba también perfilando su carrera en solitario, y fueron editándose álbumes ya de una calidad muy superior a sus primeras incursiones como solista, como “Cenizas en el aire” o “Hablando solo”.

Una vez disueltos “Los Rodriguez”, su carrera en solitario ha continuado con bastante fortuna, quizás no en lo comercial – ya le resulta más difícil llegar a ser superventas, y tampoco creo que lo busque – pero si en lo musical.

Bueno, ¿nos hemos centrado ya un poquito?. La cuestión es que este chaval de 50 años al que fui a ver el pasado jueves a la Joy es parte fundamental de la historia del rock en nuestro país, y eso…son palabras mayores.

Yo ya había tenido la suerte de verlo en directo, en Almería, hace unos 4 o 5 años, en una gira “acústica” que realizó con motivo de la presentación de su disco “Lo siento, Frank”, pero realmente tenía muchas ganas de verlo en su vertiente eléctrica, que al fin y al cabo es como se debe mostrar un buen rockero. Así que os podéis imaginar el alegrón que me llevé cuando vi la posibilidad de presenciar su presentación del “Solo rot” – disco que llevaba yo ya como un mes escuchando con atención – y además…en Madrid. Para evitar sustos de última hora, y con la complicidad de mi hermana – que reside en Madrid- y que también se alegró de la posibilidad de ver a Ariel, hacia como unos 10 días que ya teníamos las entradas en el bolsillo.

El concierto comenzó sobre las 9 y 15 en una sala Joy a rebosar de fans totalmente entregados de antemano. Reconozco que yo mismo era uno de esos, claro. El primer tema, como esta mandado, de su nuevo trabajo, y además el que abre también el disco: “Una vida equivocada”, una ácida crítica a los típicos ejecutivos-agresivos con los que supongo que Ariel se las tiene que ver de cuando en cuando en el negocio de la música - como en tantos otros. Frases contundentes y de una bella simplicidad como esa de “Me gustan los billetes como a todos….pero no ganarlos de cualquier modo”, definen muy bien el estilo de Ariel, que se empeña en dar la razón al abuelo Miguel Ríos con aquello de que “los viejos rockeros nunca mueren”.

Tras ese contundente inicio, porque el tema es “stoniano” donde los haya fue sabiamente alternando sus nuevas canciones con sus melodías más conocidas.

De las nuevas, por ahí sonó también otro rock clásico, muy “tequilero” llamado “Problemas”, la cumbia-rock “Papi dame la mano” – que personalmente creo que no está a la altura de la calidad habitual de sus canciones - , la comercial “Dulce mirada”, o el que me parece mejor tema de su nuevo disco: “Manos expertas”. Autobiográfico, como muchas de sus canciones, nos cuenta sus sensaciones al llegar a los 50 tacos. Estrofas como “la crisis de los 40 la pase tomando absenta, y ahora con 10 años mas yo finalmente me di cuenta…que necesito unas manos expertas”. Lúcido y original, como siempre, se toma con humor y resignación los primeros síntomas de la vejez que a todos nos llega, tarde o temprano – y mejor que nos llegue, porque otros rockeros, como también él cuenta en algunas de sus canciones…se quedaron “colgados de la luna” o “en la carretera”.

De su carrera en solitario interpreto una muy buena selección: “Dos de corazones”, una de mis favoritas, “Geishas en Madrid”, la inquietante “Vicios caros” – donde habla de las chicas que solo buscan el dinero de sus parejas -, “Hasta perder la cuenta”, la también autobiográfica “Hoja de ruta”, un rock´n´roll contundente de su disco “Lo siento, Frank” donde define esquemáticamente, pero a la perfección, la vida de un músico de rock. Me encanta esa frase de “llevamos nuestro destino escrito en la hoja de ruta”.

Por supuesto también sonó un tema que ya se ha transformado en un himno: “Lo siento , Frank”. En él, Ariel fantasea con que pide disculpas a Frank Sinatra por los derroteros que va tomando el mundo musical, la simplicidad y ordinariez que en los últimos tiempos – ¿solo en los últimos? – sufre la música de consumo. Frases como “si las teclas del piano se volvieron todas blancas”, o “la canción cumple condena…por ser demasiado buen” vuelven a demostrar la habilidad de Ariel con el lenguaje, y la forma tan sencilla y directa que tiene para contarnos sus historias.

Poco a poco fueron cayendo algunas mas, también clásicas, como “Baile de ilusiones”, “Adiós Carnaval”, la también muy autobiográfica “Vals de los recuerdos” – donde cuenta los tiempos de su llegada a Madrid , procedente de su argentina natal, siendo un adolescente - , “Una casa con tres balcones”, su fantástico rock instrumental “ Confesiones de un comedor de pizza” – donde deja claro que es un verdadero maestro con las seis cuerdas – y una de sus mejores composiciones de la época “rodriguez”: "Dulce condena".

Para acabar, y tras una primera despedida del escenario, apareció en el escenario en camiseta y sin guitarra, solo con el otro guitarrista de su banda, Osvi Grecco, para cantarnos una preciosa su versión con aires de tango de su famoso tema – de la época de Los Rodriguez también– “Mucho mejor”. Os recomiendo que escucheis esta versión en estudio en su disco “Duos, trios y otras perversiones”, que merece la pena.

Como fin de fiesta, y como sabio administrador de un espectáculo, se sacó de la manga su “Milonga del marinero y el capitán”, que todos coreamos con ganas, y acabó con el rock “Tengo 40 millones”.

La banda que lo acompañaba era solvente, aunque lo he escuchado con mejores músicos en otras ocasiones. Buen teclista (aunque los sonidos tanto de piano como de órganos hammond no tenían demasiada calidad), batería y bajista contundentes, y el citado Grecco como guitarrista rítmico – y en algunas ocasiones solista – también con mucho oficio. De hecho suele formar parte de su banda desde hace años.

Como reconozco que soy muy fan de Ariel, he intenté obviar los inconvenientes del concierto, pero realmente alguno hubo aunque, en honor a la verdad, poco achacables a él. Lo que realmente dejo mucho que desear fue el sonido, y me sorprendió porque la sala Joy tiene una gran tradición de conciertos, y por tanto deberían estar “superafinados” en este aspecto. Sin embargo resulto algo sucio y estridente, sobre todo en lo que a voces se refiere. Por suerte me conocía las letras de casi todas las canciones, pero para los que no tuviesen esa suerte, supongo que les debió costar lo suyo entender algunas. Y eso, cuando de Ariel Rot hablamos, es un gran hándicap. Tampoco estuvo muy fino el técnico de iluminación (o como mi amigo Ivan dice , “el lucero”). Alguien debería explicarle a ese hombre – o mujer – que básicamente en un concierto hay que iluminar a los artistas que están en el escenario, y muy de vez en cuando al público. Este se ve que ese día falto a clase, o que lo entendió al revés. El caso es que a punto estuvo a ratos de dejarnos a la altura de Stevie Wonder, en lo que a agudeza visual se refiere. Sin embargo, a Ariel a veces había que esforzarse para verlo. Curiosa forma de iluminar.

No obstante la sensación al abandonar la sala – pitidos en los oídos aparte – fue la de haber asistido a un buen concierto de rock, y eso hoy en día es muy de agradecer. Lo celebramos, mi hermanita y yo, tomando una cervecita fresca en uno de esos típicos bares para “guiris” de la Puerta del Sol, disfrutando de la primaveral noche de Madrid. Todo un lujo. Y hoy de vuelta a casa, aprovecho las infames 7 horas de Talgo para escribir esto. Quizás por este motivo me haya salido algo más extensa de lo normal: la culpa es de RENFE y del gobierno, por no ponernos ya el AVE Almería-Madrid.

De Harlem...al Central de Madrid

2010-05-27T18:49:00.003+02:00

Miguel Angel Chastang Quartet, Café Central (Madrid), 25-05-2010

Aquí me veo de nuevo, en la capital de este curioso reino donde me ha tocado nacer, alternando entre el tedioso e inacabable aprendizaje de la ciencia de nuestro tiempo – la informática – y el placer de la buena música en directo, algo que en una ciudad como Madrid nunca falta.

En esta ocasión, además, y dada la poca antelación con la que mi empresa me avisó del viaje, me hospedo en un nuevo lugar, un coquetón hostal de la Calle de la Cruz, a escasos 50 metros de la Plaza del Angel, allá donde el Café Central lleva ya mas de 25 años haciendo disfrutar a los aficionados a la música. Vamos…que me dejo caer por la ventana, y prácticamente aterrizo en una buena mesa ante su escenario.

Y justamente eso es lo que hice – huelga decir que bajé a la manera tradicional, debido a que mi habituación esta en un 4º piso – para acudir a la llamada de unos de los mejores contrabajistas de este país: Miguel Angel Chastang.

Como ya voy siendo mayorcete, siempre tengo alguna historia “abuelocebolletera” relacionada con los músicos a los que voy a ver, y en este caso recuerdo que allá por los años 90 tuve el placer de tocar en la misma noche y escenario – el auditorio de la Biblioteca Villaespesa de Almería– que el quinteto de Chastang. Creo que fue durante el 6º o 7º festival de jazz de Almería, y yo formaba parte de una banda llamada “Blues S.A.” en aquella ocasión. Ese fue mi primer contacto con la música de Miguel Angel, aunque más tarde tuve la ocasión de verlo en varias ocasiones en el mítico programa “Jazz entre amigos” – recuerdo una excelente actuación en el Populart, junto a Gary Bartz y el guitarrista Jimmy Ponder – e incluso hace un par de años en el Teatro Apolo, de nuevo en quinteto, y con un batería de lujo: Al Foster.

En esta ocasión, y gracias a ese fenómeno reciente de las redes sociales, ya había yo contactado previamente con él, y por tanto tenía mi correspondiente comunicación – o evento, como se le llama en Facebook – instándome a acudir al concierto.

Durante toda esta semana, como es habitual en el Café Central, Miguel Ángel presenta su nuevo disco: “From Harlem to Madrid Volumen 2”, y en él se centró la banda, como era de esperar, aunque el primer tema, como bien dijo M.A “para calentar un poco “ fue una composición de Coltrane que dejó bien sentadas las bases de lo que íbamos a escuchar.

Los músicos que le acompañaban eran todos bien conocidos para mí: German Kucich en el piano, Ariel Bringuez en los saxos y Juanma Barroso en la batería. De lo mejorcito que se mueve por España en lo que a jazz se refiere.

Tras esa introducción, continuaron con un tema que, si no oí mal, era una composición de Mingus, donde por cierto el pianista Kucich construyó el que posiblemente fue su mejor solo de la noche.

Ya mas “calentitos”, se centraron en los temas del disco, como el homenaje a Al Foster, llamada “One for Al”, otro homenaje en este caso a Elvin Jones, titulado “I Remember Elvis”, un curioso blues que creo recordar era también de cosecha propia, supongo que del mismo Chastang, llamado “Walking Ahead”. Especialmente me gustó el tema “Sombras”, bastante complejo y donde todos los músicos demostraron su valía en el escenario.

Hubo un invitado, saxofonista, y…tendrá que perdonarme – en el hipotético y remoto caso de que lea esto – porque aunque recuerdo que se llamaba Michael…no logré retener su apellido, al que invitaron para interpretar una versión del “standard” All blues, de Miles. Lógico que de cuando en cuando quisieran relajarse, ya que la música original que interpretaban – que saltaba del hard-bop a lo modal, a veces rozando el free – era de una intensidad tal que supongo necesitaban a ratos unos minutos de “relax” musical.

Me resulta difícil destacar a algún músico sobre los demás porque realmente todos estuvieron a gran altura, empezando por el propio Miguel Angel Chastang, que además soporta el liderazgo de la banda, pasando por el fabuloso saxofonista Ariel Bringuez, que posee una fuerza y vitalidad asombrosas, amén de una gran imaginación a la hora de improvisar, el pianista argentino German Kucich, que goza de un abanico de recursos a nivel armónico y melódico que, aunque sea de forma sana, me hacen envidiarlo profundamente, y Juanma Barroso, que es un baterista potente, contundente y con un sentido rítmico envidiable. A todos ellos ya los había visto anteriormente con diferentes formaciones, de forma que no me sorprendieron en absoluto. Ya sabía lo que tenía delante.

Como guinda final, y tras los insistentes aplausos – los míos incluidos – y para relajar de nuevo el ambiente, volvieron a tocar “All blues”, pero con un ritmo muy “funk” y por último un “rythm´n´change” de Parker – Anthropology, creo que era, aunque a veces los confundo - , como para dejar claro que…en esto del jazz…al final todos volvemos al buen “be-bop” de toda la vida.

Un americano en Andalucía...y un andaluz para el mundo

2010-05-23T16:02:00.007+02:00

David Lenker y Antonio Gómez, en Asociacion Clasijazz (Almería), 22-05-2010

Desde que Antonio y David se conocieron, momento en el que tuve la suerte de estar presente, hace ya casi un año, durante un Seminario de Jazz de El conservatorio de El Zaidin (Granada), estuve yo esperando que se produjese lo que anoche aconteció.

Me retrotraigo al pasado año, cuando pregunté al buen amigo y batería Pancho Brañas si podría ser interesante matricularse en dicho seminario. Su respuesta fue inmediata: "Para un pianista...merece la pena solo por compartir espacio con el que va a ser profesor de ese instrumento: David Lenker". Reconozco que hasta ese momento no lo conocía, aunque luego he sabido que había recalado por Almería en dos o tres ocasiones, habiendo tocado incluso en nuestro mítico Georgia. Le hice caso a Pancho, y desde luego no le faltaba razón. Mis mañanas de verano recibiendo sus enseñanzas y, sobre todo, viendo y escuchand como tocaba, hicieron que casi olvidarse el intenso calor que pasamos en las aulas de ese conservatorio. Y para que a mí se me olvide el calor, ya tiene que interesarme mucho algo.

Como comentaba, una de esas mañanas, el amigo Antonio Gómez se pasó por el aula de piano, para conocer a David, y tras un breve intercambio musical...inmediatamente surgió la química necesaria para que la reunión entre estos 2 grandes músicos y compositores fuese posible.

Aunque las reuniones entre músicos distantes a veces se tornan complicadas, hay que reconocer que las nuevas tecnologías están facilitando un poco las cosas en ese aspecto. De forma que cuando les surgió la posibilidad de hacer un concierto a dúo - gracias a la coincidencia también de un viaje programado por David para visitar a unos amigos almerienses - los correos electrónicos con partituras en pdf empezaron a circular por la red, entre pianista y guitarrista. De esta forma, con un solo ensayo previo "in person", el proyecto pudo tomar forma, aún separándolos los casi 300 kms de distancia que hay entre Estepona (lugar habitual de residencia de David Lenker) y Almería.

Y llegamos al concierto. Dos músicos de esta talla podrían haber dado un recital a dúo recurriendo al cancionero americano - los bien conocidos "standard" para cualquier aficionado al jazz - y , no obstante, hubiésemos disfrutado muchísimo. Pero la profesionalidad de ambos y sus ganas de compartir complicidades musicales, y con el público, hizo que declinaran esta opción y que tomasen el camino más complicado, es decir: un repertorio repleto de temas propios o ajenos con arreglos originales - de Antonio, en este caso. Difícil empresa para tan poco tiempo de ensayo, si no fuese porque estamos hablando de dos grandes músicos, que hacen que estas cosas parezcan sencillas.

El concierto comenzó con un precioso arreglo de Antonio sobre la melodía de esa famosa canción popular llamada "La tarara". En su línea de musical-humoristica, explicó que debido a la dubitativa letra del tema - ya sabéis "la tarara si...la tarara no" - decidió titularlo "Mi tarara Si". Y cuando uno la escucha, efectivamente decide que "La tarara de Antonio Gómez SI que me gusta". Con su habitual habilidad para jugar con las melodías y - como en este caso - armonías, y tomando el motivo principal de esta canción infantil, va realizando cambios armónicos de forma sutil, pero haciendo que cada exposición de la melodía sea distinta a la anterior. Un alarde de conocimientos musicales el que hace aquí el Sr. Gómez.

Tras esta maravilla y como para no quedarse atrás, David tenía preparado una de sus mejores composiciones "Dicen". Con un espectacular comienzo, muy cercano a una fuga barroca, de nuevo nos dejaron a todos con "la boca abierta" con su virtuosismo y dominio de la complejidad rítmica del tema. Un placer para los oídos.

Antonio presentó algunas composiciones suyas nuevas - o antiguas - no incluidas en su último disco "Aires del mar", del que precisamente no tocó nada, quizás para hacer de este un proyecto original y diferente a sus habituales conciertos. Así pudimos oír una preciosa y fresca balada original de Antonio llamada "Trasluz", un extraño e inquietante tema llamado "Pregúntame la respuesta" cuya melodía te va atrapando poco a poco, hasta que acabas silbándola sin querer, y el también cautivador "Porque te vals", cuyo título - y de nuevo tenemos aquí el sutil y fino humor de Antonio - proviene de pensar que le diría un compás de 4/4 a uno de 3/4 cuando este último se marcha. También es digna de mención la preciosa versión de un tema tantas veces versionado como el "All blues". Re-bautizado como "All minor blues", Antonio le ha revisado armónicamente de arriba a abajo, pasándolo ademas a una tonalidad menor, y dándole una nueva dimensión. Seguro que el maestro Miles estaría orgulloso del resultado.

Por su parte, David nos regaló una de sus más complejas e introspectivas composiciones, llamada Blues Andaluz, tema de una tremenda complejidad armónica, y que a mí me recuerda muchísimo al famoso "Blue in green" de Miles, que todo el mundo sabe que era mucho más de Bill Evans que de Miles. No obstante aqui Lenker mezcla sabiamente sus raíces americanas con cierto aire flamenco, por el que es normal esté ya influenciado, al llevar tantos años en andalucia.

Otro de los temas de Lenker que mas me hicieron disfrutar fue el "Slow samba", también con un aire calmado y con unas sabias improvisaciones tanto de piano como de esa preciosa guitarra "sin caja" que Antonio suele llevar cuando, como él dice, quiere "lucir bien la camisa".

También sonaron, todos de la factoría “lenker”, los temas “Easier and easier to love”, y la fantástica y fresca “Young people”.

También hubo algún otro original arreglo, como el de "Blue moon" con el que dieron comienzo al segundo pase, y que se alejaba totalmente de las típicas versiones de este tema, hasta casi hacer pensar que estábamos escuchando otra composición original de alguno de ellos.

En ocasiones, cerrando los ojos, me parecía estar escuchando a aquellos dos grandes músicos: Bill Evans y Jim Hall, que tan bellos momentos de piano y guitarra dejaron para la posteridad Si podeis escuchad sus discos “Undercurrent” o “Intermodulation”, y os podríais hacer una idea de lo que escuchamos allí. Lástima que no tengamos – por ahora - ninguna grabación “Gomez-Lenker” pero…todo se andará.

Y así, casi sin sentirlo - o más bien..sintiéndolo mucho - el concierto llego al final, y Antonio tenía preparado un arreglo muy "americano" justo pensando en David: "Rhapsody in blue´s", basado en la famosa obra de Gershwin. Imposible elegir mejor, porque la interpretación de ambos fue espectacular, dejando a respetable sin aliento.

Una vez más la asociación Clasijazz, cuya fama ya comienza a traspasar las fronteras de nuestra ciudad, se anotó otro concierto para la historia. No tengo más remedio que destacar el absoluto silencio y respeto que hubo en la sala durante todo el concierto. ¿Será que estamos aprendiendo?. Hay que desterrar de una vez por todas esa leyenda urbana que dice que el jazz es "esa música para escuchar de fondo mientras tomo una copa y charlo con los amigos". El jazz, señores, es la música del - ademas del pasado y presente - futuro, el conocimiento musical llevado al extremo, y como tal se merece respeto y atención máxima. El que no sepa apreciar esto dispone de un amplio abanico de locales de copas - que existen en todas nuestras ciudades- en donde puede destrozarse los tímpanos y la garganta mientras intenta hablar con una copa en la mano, apretujado y pisoteado. Pero no, por favor, durante los conciertos de jazz, el silencio debe ser absoluto, y así disfrutamos todos. En los de música clásica parece que eso se tiene asumido, y sería muy deseable que en este país ocurriese lo mismo con la música jazz. Una vez finalizado el concierto sí que es el momento de charlar y disfrutar de los comentarios de lo que se ha visto y oído. Y así pudimos hacerlo anoche, puesto que el lugar se presta a ello. Buen ambiente, buenos amigos - casi todos músicos o buenos aficionados - y una cervecita o copa en la mesa. Perfecto complemento a un buen concierto. ¿Cuál será el próximo?

Para escuchar a David Lenker: www.myspace.com/davidlenker . Para escuchar a Antonio Gómez: www.myspace.com/antoniogomezgrupo. Para escucharlos juntos...tendréis que esperar a su próximo concierto, o a que se decidan a grabar algo.

Maravillas...a la puerta de casa

2010-05-09T13:10:00.004+02:00

Iñaki Salvador, piano solo – Club Clasijazz (Almería), Sábado 8 de mayo de 2010

La casualidad, el destino, el azar…o las agendas de los managers –vaya usted a saber – hizo que la noche del sábado 8 de mayo coincidiesen en Almería, pero en escenarios diferentes, dos de los mejores músicos de nuestro país. Paco Rivas, con su trio, que presentaba su “Bautizao con manzanilla”, en el Teatro Apolo (podéis leer mi crónica en este mismo blog, justo antes de esta), y el fabuloso pianista Iñaki Salvador, en el club Clasijazz de nuestra capital.

Por tanto, esa noche ya iba yo preparado – con una merienda-cena previa en casa – para ir de una sala a la otra, a toda prisa, e intentar, en la medida de lo posible – y dado que no poseo el don de la ubicuidad – no perderme nada.

Nada más acabar el concierto de Paco Rivas, y tras saludarlo y felicitarlo por la magnífica noche de música regalada, y tras los pertinentes saludos y comentarios con los amigos en la puerta del teatro, mi mujer y yo nos lanzamos “de cabeza” al parking, para intentar llegar a tiempo al concierto de Iñaki. Y casi lo conseguimos!!!

¿Quién es Iñaki Salvador?. Sé que tengo que explicarlo, aunque no debería, porque aunque está considerado como uno de los mejores pianista de nuestro país, como aquí somos así… el gran público casi no lo conoce. La primera referencia que yo tuve de él fue hace mas de 20 años, en aquellos fantásticos programas de “Jazz entre amigos” que tanto nos enseñaron a los - entonces jóvenes - músicos sobre esta música que amamos. Y ahí estaba Iñaki, muy jovencito, apareciendo en un programa que se dedicó a los seminarios de jazz en nuestro país, y donde él aún era solamente un alumno aventajado. En poco tiempo se convirtió en maestro, y al año siguiente ya protagonizó un programa con su propio trio. Como yo soy una “hormiguita” de las grabaciones, y todo lo guardo, resultó que pude obsequiarle hace unos años con algunas de esas apariciones televisivas, ya pasadas por mí a formato de DVD, y desde entonces no ha dejado de agradecérmelo. Y yo…que se lo que este hombre representa para la música, no dejo nunca de sentirme orgulloso cada vez que me lo encuentro y me da uno de esos calurosos abrazos que él da.

Desde entonces – de la época de “Jazz entre amigos” - ha llovido mucho – sobre todo en su San Sebastián natal, claro – y su trayectoria como músico ha sido impecable, habiendo tocado con los mejores músicos nacionales e internacionales. Total, que estamos ante un maestro del piano, en el más amplio sentido de la frase.

Actualmente es profesor de piano en el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene), y aunque tiene mucha actividad como docente, no deja de embarcarse en todo proyecto musical que le resulte interesante. Sus dos últimos proyectos son igual de maravillosos: el disco “Te doy una canción”, en el que versiona a su manera las canciones que más le gustan de algunos de los mejores cantautores del planeta (Silvio, Pablo Milanes, Pedro Guerra, Serrat, etc), y un increíble disco a trio con otros dos “monstruos” del jazz: Francis Posé y el batería José Vazquez “Roper”. Tuve la ocasión de escucharlos en directo el pasado verano en el Aku Aku de Mojacar, y me parece que es de lo más original que se está haciendo últimamente en el panorama jazzístico nacional.

Bueno, a lo que voy, que pierdo el norte. Porque anoche no venía a presentar ninguno de estos 2 proyectos, sino que venía…literalmente…a presentarse a sí mismo. Solo unos pocos elegidos en nuestro país pueden abordar un concierto de piano solo, si de jazz estamos hablando. Hay que dejar aparte a los concertistas clásicos, puesto que estos – por muy meritorio que sea – interpretan música escrita. Un pianista de jazz tocando solo, es un músico creando, componiendo e interpretando…en tiempo real. Sin anestesia…y sin red.

Pues eso es lo que hizo anoche Iñaki Salvador en Clasijazz. Crear música para los privilegiados que estábamos allí.

Como ya comentaba al principio de esta crónica, lamentablemente llegue tarde, aunque mi impuntualidad está más que justificada. Cuando entré al club, Iñaki estaba “micrófono en mano”, explicando lo que iba a tocar en ese momento. Tengo que añadir que no solo es un buen comunicador cuando se sienta ante las teclas, sino que – quizás debido a su gran humanidad, a su propio carácter – es una delicia escucharlo hablar. Y posee un fino sentido del humor, que mezclado con su humildad, hace que se le escuche siempre con atención. Pues bien, estaba contando lo que le impresionaba el hecho de acudir a un club que era de Jazz, pero a la vez, de Clásica. De forma que pensó que quizás tendría que tocar una sonata. No obstante, según él, lo suyo no son las sonatas clásicas, por lo que optó por hacer una sonata muy particular basándose en composiciones de Duke Ellington. De forma que, nada más empezar a escucharlo ya me dejó atrapado con esa sonata en tres movimientos de Duke Ellington: primer movimiento “Take the A train”, segundo movimiento “Sophisticated Lady” y tercer movimiento “Caravan”. Ahí es nada!!!!. Yo que venía totalmente encandilado con la guitarra de Paco Rivas, y en 15 minutos este hombre me deja “K.O.”, con el piano y con el maestro Ellington.

Tras ese alarde de técnica, demostración de dominio del instrumento y de buen gusto y simpatía interpretando, y para que nos calmásemos un poquito, nos regalo una versión de esa obra maestra de Milanés llamada “El breve espacio en que no estás”. Sublime.

Y llegó el descansito. Acudimos a saludarlo y felicitarlo y, en su línea de simpatía, fue él quien nos agradeció el esfuerzo por haber ido a escucharlo, puesto que ya sabía que veníamos de otro concierto, y valoraba que también hubiésemos acudido al suyo.

Tras la breve pausa, el segundo pase comenzó con un “standard” de los de siempre, pero especialmente dedicado por Iñaki a todas las mujeres que están perdiendo su vida a manos de los desalmados que dicen ser sus parejas: “You don´t know what love is”, o lo que es lo mismo “Tú no sabes lo que es el amor”.

Vuelve a coger el micrófono y a contarnos otra historia. En esta ocasión, además, me sorprende agradablemente, porque según comenta, uno de los primeros discos que le transportó a esto del jazz fue casualmente uno que también a mí personalmente me produjo el mismo efecto: “My spanish heart” de Chick Corea. Cuando coincides con uno de los grandes en alguna pequeña cosa, piensas “pues no iré por el mal camino”. El caso es que para la ocasión nos interpretó el famoso “Armando´s Rhumba” de corea, incluido en ese disco, y aunque él dijo que no sería capaz de hacerlo tan bien como Chick, no estoy yo tan seguro de eso. Evidentemente, cada uno tiene su sello y su forma de tocar, pero la de Iñaki no tiene nada que envidiar a la de Corea.

Tras esta maravilla, nos habló de uno de sus maestros - ¿y de quien no?- Tete Montoliú. El PIANISTA DE JAZZ – las mayúsculas no son un error – de nuestro país. Maestro de maestros, muy muy blanco por fuera…pero muy muy negro por dentro. No sabía yo que estuvieron a punto de hacer unos conciertos a dúo, que no pudieron realizarse debido al fallecimiento de Tete. El caso es que durante algunas de sus conversaciones, y dado el fuerte carácter del pianista catalán, finalmente Iñaki se daba por vencido fuese cual fuese el tema de la discusión, con el típico “Lo que tu digas, Tete”. Y así se tituló el tema que más tarde compuso en su memoria: “Lo que tu digas”. Y menuda composición. Belleza en estado puro, y con una gran fuerza al final, donde además intercaló melodías de las que Tete solía tocar (por ahí sonó algo de Monk, algo de Parker, algo de Ellington…). No sé si la tiene grabada en algún disco, pero…voy a buscarla desde ya.

De vuelta a los standards, magistral la interpretación de “Stella by starlight”. Eso es jugar con el piano, usarlo como si fuese toda una orquesta, dominándolo desde la tecla más grave hasta la más aguda. Una maravilla.

Y al final - ¿ya se acababa?!!! – como no sabía muy bien que tocar, pues nos dedicó un “meddley” en el que sonaron melodías como “Unicornio”, de Silvio , la universal “Yesterday” de McCartney, el standard de El Mago de Oz “Over the rainbow” o la tradicional “Duerme duerme negrito”, tan conocida por su interpretación de Victor Jara. Hubo más melodías, pero soy incapaz de recordarlas todas. Eso sí, magistralmente enlazadas, de forma que no sabias donde acababa una y comenzaba la otra.

En definitiva, que salí de allí con la sensación de haber acudido a uno de los mejores conciertos de mi vida…y eso que hacia menos de una hora que había salido del Apolo con el mismo convencimiento. Es la magia de la música…cuando está bien hecha.

Así que, gracias también a ti, Iñaki, por completar una noche maravillosa. Y también gracias a Clasijazz – con Pablo Mazuecos como cabeza visible – por brindarnos estas maravillas…como quien dice “a la puerta de casa”.

El arte … bendecido por Paco Rivas

2010-05-09T11:55:00.002+02:00

Paco Rivas Trio, Teatro Apolo (Almería), 8 de Mayo de 2010

Cuando anoche me dirigía hacia el Teatro Apolo ya sabía que iba a escribir esto, y sabía que me iba a resultar muy fácil hacerlo. ¿Acaso puedo adivinar el futuro?. No, no es eso. El hecho de haber tenido la suerte y el honor de compartir escenario en algunas ocasiones con Paco Rivas, hacía que yo tuviese la completa seguridad de que lo que iba a escuchar no iba a defraudarme en lo más mínimo. Si a eso le sumamos el hecho de que durante varias semanas del pasado año no era capaz de dejar de escuchar su nuevo trabajo, la cosa estaba más “Clara” que la íntima amiga de Heidi. Yo sabía muy bien a lo que iba.

Por tanto, esa noche de magia en el Teatro Apolo del pasado sábado, con ese jazz de cámara que escuchamos con motivo de la presentación en sociedad – en este caso a la sociedad almeriense – del nuevo disco de nuestro paisano Paco Rivas, era una apuesta segura, una inversión sin riesgo.

La joya que nos presentó se llama “Bautizao con manzanilla”. Titulada así – según el mismo Paco contó desde el escenario – en honor a su padre que, en los inicios de su aprendizaje musical, insistía a su profesor que no dejara de enseñarle dicha pieza a su hijo. Aunque no está incluida en el disco, quiso dejar constancia titulándolo así.

Siempre es especial para cualquier artista presentar sus trabajos en su tierra, y por eso era de suponer que el señor Rivas iba a darlo todo en el escenario del Apolo, donde curiosamente hace ya algunos años – no diremos cuantos - , debutó siendo jovencito, haciendo un dúo de guitarras con su hermano. Ha pasado el tiempo y ,como tantos músicos de nuestra tierra, tuvo que volar hacia donde todo “se cuece”, es decir, hacia Madrid, donde se encuentra afincado actualmente. Y esa lejanía posiblemente ha sido uno de los motivos – aunque posiblemente no el único – que le llevó a realizar este impecable trabajo discográfico con el que nos deleitó en directo.

Y ¿de qué va este “Bautizao con manzanilla”?. Pues de cómo un gran músico elige varias composiciones clave de la música española: por una lado las coplas – que supongo han estado presentes en él desde su infancia – por otro los pasodobles – de los que en su época ya lejana de guitarrista de orquesta, ha tenido que interpretar muchas noches de fiesta - y finalmente la música clásica, con esos compositores tan geniales como Falla, Rodrigo, Albéniz y Granados, que como todo músico que se precie, estoy seguro que Paco ha respetado desde que comenzó a estudiar su instrumento, y de cómo se las ha llevado a su terreno – que es el jazz - tratándolas con respeto y con cariño, reinventándolas, y aportándoles toda la maestría y el saber musical que lleva dentro.

El concierto comenzó con Paco Rivas en solitario, con su guitarra, improvisando como solo él sabe hacerlo, y mezclando un poco del Fandanguillo de Almería, con algún que otro pasodoble que recordaba haber tocado en su debut como guitarrista, haciendo así un simpático giño a su propia historia.

De inmediato dio paso a los dos músicos que han colaborado con él en esta aventura - no los llamo acompañantes, porque para nada han tenido ese papel -, Toño Miguel en el contrabajo – aragonés que se ha convertido en uno de los jóvenes referentes en el contrabajo de jazz en nuestro país, y el norteamericano Noah Shaye en la batería, que acompaña a Paco en muchas de sus aventuras jazzísticas desde hace algunos años. Los tres en el escenario comenzaron a desgranar, uno a uno, todos los temas del nuevo disco, comenzando por la fabulosa “Asturias” de Albéniz, adaptación que ya nos dejó a todos literalmente “pegados a nuestro asiento”. Una buena elección para comenzar – tanto el disco como el concierto – puesto que se trata de una de las composiciones más reconocibles de nuestra música culta, y popular a la vez.

Para no modificar lo que ya está bien pensado de antemano, Paco siguió interpretando los temas de su nueva obra en el mismo orden en el que están grabados en el CD, y que sabiamente van alternando los tres origines musicales antes citados, así como la forma de abordarlos.

El segundo tema de la noche fue una de mis coplas favoritas, que ya me maravilló hace años cuando la escuché versionada por el gran maestro Chano Domínguez. Estoy hablando de “Ojos Verdes”. Cuando uno escucha una versión como la de Paco en la que, manteniendo el sentimiento original, salpica de swing la melodía, mezclándola con toques flamencos y a la vez logrando ese ambiente de balada típicamente jazzística, es cuando me doy más cuenta de que la copla para un español es el equivalente al “standard” para el norteamericano.

La versión de “Suspiros de España” es otro magnífico ejemplo de lo que comento. “El pasodoble más triste que existe”, dicen. El trió de Paco lo ataca de esa forma, regocijándose en la melancolía, en el romanticismo, deleitándose en la preciosa melodía, aunque hacia su mitad, de repente nos sorprenden, doblando su ritmo y llevándonos por caminos cercanos al swing gitano de Django Reindhart, estilo que el señor Rivas también domina a la perfección.

Con la “Canción del fuego fatuo” - original de Manuel de Falla - fue quizás con la interpretación que mas arriesgaron. La inquietante melodía sonó maravillosamente bien en las cuerdas ya más calientes de la guitarra, y esto se notó en la fabulosa improvisación que realizó Paco, en la que jugó con armonías complejísimas, se acercó al funky en ocasiones e hizo lo que quiso con el ritmo, dando paso al final – ayudado por un ostinato entre la guitarra y el contrabajo – a un fantástico solo de batería de Noah.

“A tu vera”, otra de esas coplas que todos conocemos, y que además formaba parte del repertorio habitual de Lola Flores, fue la siguiente composición “reinventada” por el trió, también llevada al terreno de la balada, con un cierto aíre de bolero.

Y llegaron a uno de mis favoritos del disco, el pasodoble “Marcial, eres el más grande”. Quizás por la afición a la tauromaquia que siempre se ha respirado en mi casa – mi padre es un taurino por los “cuatro costados” – los pasodobles que tanto he escuchado en mi niñez ahora me llegan mucho mas. Por eso cuando escuché esta fantástica versión de “Marcial”, quizás algún mecanismo se activó en mi cerebro, y me recordó la innumerables ocasiones en que lo escuché como banda sonora de muchas de las filmaciones taurinas de mi padre. El trabajo que Paco ha hecho aquí es encomiable. La combinación de variaciones rítmicas, a base de jugar con la melodía, y la re-armonización del tema, hace de esta versión una verdadera obra maestra. Vamos, que al final te dan una irrefrenables ganas de soltar un “olé!!!”

En la “Danza ritual del fuego” de Falla también vuelven al riesgo rítmico, permitiendo que Noah Shaye nos deleite con ese dominio del “groove” que posee, esa maestría con los silencios, y con Paco en sus momentos más cercanos al maestro Scofield. Como él mismo suele decir “esto suena de lo mas marciano!!!”. Si Falla levantase la cabeza …. seguro que los felicitaría.

Otro paseo magistral por la copla, con un clásico: “Tengo miedo”, durante muchos años parte del repertorio habitual de Rocío Jurado y, lamentablemente estaba llegando el final – como yo ya conocía el orden de los temas en el disco, me lo estaba temiendo.

Le tocó el turno a otra de las grandes composiciones de nuestra historia: “Concierto de Aranjuez”, del maestro Rodrigo. Aquí Paco decide coger el famoso motivo melódico y jugar con la armonía como solo él sabe, con una sólida base rítmica a un tempo lento y reposado. Tema para saborear una y mil veces – los que tengáis el disco sabréis de lo que hablo – y que se me hizo corto en el concierto.

Y para acabar el concierto, tal y como acaba también el disco, nada mejor que la “Danza nº 5 Andaluza” de Granados, llevada al terreno funky-groove en el que Paco se mueve “como pez en el agua”. Con esa sección rítmica de lujo, el guitarrista pudo explayarse y disfrutar de lo lindo durante su improvisación. El solo de batería de Noah, magnífico. Nunca dejará de sorprenderme como este músico es capaz de dominar los silencios. Y en sus solos esto se aprecia mucho mas.

Una grandísima ovación por parte del público hizo que inevitablemente Paco volviese al escenario, para regalarnos un par de preciosos bises: Una versión solo con su guitarra de esa otra copla que emociono a tantos españoles que tuvieron que marchar a otras tierras: “El emigrante”. Al fin y al cabo, como dijo Paco, él también ha tenido que emigrar, aunque haya sido a otra comunidad autónoma, de forma que también le toca su fibra sensible. Yo ya había tenido la suerte de escuchar su particular versión en más de una ocasión, y siempre acaba emocionándome – y mucho mas a mi mujer, Carmen, que siempre le pide que la toque, ya que era una de las melodías favoritas de su padre.

Y como colofón a un concierto perfecto de jazz, acudieron “libro de standards” americanos, pero con una coherencia con lo que se había escuchado. Para ello, nadie mejor que el maestro Chick Corea, el jazzman internacional que más ha promocionado la música española por todo el mundo. El tema…un clásico de sus composiciones: “La fiesta”. Mejor final, imposible!!. Gracias Paco, por lo que nos hiciste disfrutar.

Jorge Drexler: amando la trama de la vida

2010-05-01T20:21:00.005+02:00

Jorge Drexler, Auditorio Maestro Padilla (Almería), 30-04-2010.

Se abrió el telón. La expresión es figurada, porque el escenario del Auditorio Maestro Padilla se encontraba al descubierto, con la magia que a todos los músicos nos fascina: luces tenues, instrumentos esperando ser tocados, cables casi invisibles y alguna figura fugaz, siempre con camisetas negras para hacerse invisibles por el escenario, que última algún detalle, alguna petición de última hora de alguien de la banda. Reconozco que me gusta llegar con un poco de tiempo a los conciertos, para disfrutar de ese bello cuadro durante los minutos previos.
Pero no iba desencaminado con mi comentario sobre el "telón", ya que con un tema así titulado, incluido en su nuevo CD, fié con el que Jorge Drexler se comenzó a ganar al publico que anoche llenó el auditorio. Y salió solo, con su guitarra, su voz y con ese tremendo magnetismo que tiene la suerte de poseer, con el que nos atrapó a todos de principio a fín y las casi 2 horas y media de concierto.
Tras esta bella y arriesgada introducción, poco a poco, con sigilo, la banda fué ocupando su lugar en el escenario, y empezó la magia.

Mi admiración por Drexler viene de unos años atras, justo cuando en mi vida entraron algunos nuevos amigos - y músicos - recien aterrizados de Uruguay. Ernesto Sorensen y Miguel Canale, con los que he compartido y comparto muchos momentos musicales, fueron los que me pusieron sobre aviso respecto a este autor - no le gusta mucho a Jorge el término cantautor - que venía de la misma ciudad de ellos - Montevideo - y del que yo conocía poco mas de la anecdota de su desplante al sistema cuando recogió su oscar por la canción "Al otro lado del rio".

Comencé a escucharlo, y coincidió con su disco en estudio anterior "12 segundos de oscuridad", obra que contó con muchas de mis horas de escucha en aquella época. Me di cuenta de que era una persona especial, un poeta, un grandísimo músico, con una voz cautivadora, y un experimentador constante. Mezclaba los sonidos acústicos con los electrónicos con una maestria que asustaba.

Pensé en aquel momento que ese era su camino, y que ya que habia experimentado con esos sonidos y le habia sonreido el éxito ¿porque iba a cambiar?.
Pues resulta que no. Edita su nuevo CD y cuando cae en mis manos y comienzo escucharlo y a informarme de su creación, vuelve a sorprenderme. Sin renunciar a su sonido caracteristico, resulta que se embarca en la aventura - porque lo es - de reunir una nueva banda, eminentemente acústica, con mucha percusión, con una pequeña sección de metales, con una marimba, y se embarca en la grabación de su disco...EN DIRECTO...pero en un estudio con un público reducido, de unas 20 personas. Hace falta mucho valor para semejante temeridad. Pero Drexler ha logrado hacer unos de sus discos mas redondos. Llevo mas de 10 días escuchándolo, y sigue sin cansarme.
Y además resulta que viene a mi ciudad a presentarlo. No podia perdérmelo.
¿Por donde iba?. Menudas introducciones largas que hago, pierdo el hilo hasta yo. Ah, si. Comenzó con la preciosa e íntima canción "Telón" y comenzó la magia.

Con toda la banda ya en el escenario, comenzaron a sonar los acordes del tema que abre el disco: "Tres mil millones de latidos", con el que ya deja bien clara cual es su nueva propuesta. Mucho mas optimista que en su anterior disco, y con unos arreglos para vientos verdaderamente fantásticos.
Lo meritorio es que para que todo tuviese coherencia respecto a la instrumentación, tambien ha tenido que revisar los arreglos de todos sus antiguas canciones, adaptandolas perfectamente a la paleta de colores musicales de la que ahora dispone, que no es ni mejor ni peor que la anterior, pero si distinta y original.
Me llamó la atención poderosamente, porque reconozco que es uno de esos instrumentos que me fascina, la marimba. La calidez de este instrumento y ese sonido a madera pura siempre me ha atraido, y anoche pude disfrutar de lo lindo, porque en la banda actual de Jorge tiene un gran protagonismo.
Inmediatamente atacaron un tema clásico de su discografía: "Transporte", en el que se constataba perfectamente esta adaptación, ya que sonaba completamente diferente a su versión original, en el disco "Eco".

Visto ahora, desde la distancia que dan las 24 horas transcurridas desde el concierto, tengo que reconocer que este hombre te atrapa, y sus conciertos - no es el primero al que asisto - son como un viaje en el que no te dá respiro.

En ese viaje recalamos "Cerca del mar", nos volvió a sorprender con sus rapeados en "Mi guitarra y vos" o su versión del "Disneylandia" de grupo brasileño Titás, y nos hizo corear a todos sus famosos "Polvo de estrellas" o "Se va, se va, se fué", con aires de tango.

En un momento dado, volvió a quedarse a solas con nosotros, moviéndose com pez en el agua en su trato íntimo con el público.
Ahi se agarró su guitarra y comenzó deleitandonos con una versión en acústico del himnótico tema "Eco". Demostrando que la música es universal, y que no hay mas fronteras que las que un músico - o un oyente - quiera ponerse, nos cantó su preciosa versión del "High and dry" de los Radiohead. Algo tendrá este grupo para que igual los versione Brad Mehldau que Jorge Drexler.

No contento con el fantástico ambiente que creó con su micrófono y su guitarra, Jorge dió un paso mas. Se levantó de su cómodo taburete, y se sentó en las escaleras de bajada del escenario. Así, sin amplificación en la voz - y muy bajita en la guitarra - nos cantó a todos al oido una de sus mas soberbias composiciones, "Milonga del moro judio". Recomiendo a todos su atenta su escucha, porque la letra no tiene desperdicio: es toda una declaración de intenciones respecto a los siglos que llevamos siendo engañados y masacrados por los poderosos y las religiones controladas por todos ellos. Volvió a conseguir ponerme el vello de punta, como cada vez que la escucho.

Y aprovechando esos momentos íntimos quiso dedicar el concierto a la familia Canale - mi amigo Miguel estaba allí, con su esposa e hijas, e imagino el gran orgullo que que pudo sentir en ese momento - y a su hermano - Daniel Drexler -, que estaba asistiendo al concierto como público. Tras invitarlo a subir, interpretaron una canción de Daniel a duo.

Tras estos momentos de extrema intimidad, volvió la banda al escenario. La interpretación del tema "Aquellos tiempos", de su disco "Frontera", volvió a sorprenderme. Tres de los músicos de su banda se fueron hacia la marimba, y entre los tres, a 6 mazas, tejieron todo lo necesario armónica y rítmicamente para que Jorge la cantase. Sencillamente deliciosa esa versión.

Tengo que destacar a dos de los músicos que acompañan a Drexler - sin desmerecer al resto, desde luego - , y que lo llevan haciendo ya algunos años. Uno de ellos es el batería bilbaino Borja Barrueta. He tenido la suerte de verlo en contextos mas jazzisticos, y creo que es uno de los mejores baterías con los que contamos en el panorama nacional. Con Jorge hace un trabajo exquisito, creando constantemente ritmos y ambientes, justo los necesarios que cada tema requiere. Tiene la suerte de que Drexler lo llame, pero yo creo que también Jorge es un privilegiado al contar con el. Es todo un lujo en un escenario.
El otro es un catalán, Campi, un multi-instrumentista muy curioso, que parece hacer muy "buenas migas " con Drexler desde hace unos años, y que le da la posibilidad de jugar con muchos sonidos diferentes.

En concreto anoche a mi me llamaron mucho la atención sus interpretaciones al serrucho - si, he dicho bien - sus sonidos con la caja de musica - creo que durante el tema "Noctiluca", que esta dedicado a su hijo recien nacido, e incluso con un Theremin. Si no sabeis que instrumento es un Theremin, os recomiendo que busqueis en google. Os sorprenderá mucho.

Poco a poco fué llegando el final de concierto, donde volvió a centrarse en su nuevo disco - no lo he dicho antes...se llama "Amar la trama" -, todos ellos de una calidad exquisita: "La nieve en la bola de nieve" - uno de mis favoritos - "Aquiles por su talon es Aquiles", la alegre y comercial "Una canción me trajo aqui", "Las transeuntes", "Toque de queda" - que en el disco está interpretada a duo con Leonor Waitling, su actual pareja - o la genial "La trama y el desenlace". Todas ellas son pequeñas obras maestras de la canción, os lo aseguro. Si no recuerdo mal tambien se escuchó "Soledad" y para terminar su super-conocida "Todo se transforma".

Aunque parecia que ya no iban a volver, la gran ovación que les regalamos debió de influir un poco, y se despidieron todos sentados en las escalera del escenario cantando el ya clásico "Volando voy" de Kiko Veneno, terminando así forma informal y simpática.
Habian pasado casi dos horas y media, y el viaje propuesto por Drexler me habia parecido de cinco escasos minutos. Es lo que tiene poseer tanto talento como el que atesora este uruguayo universal.

Momo, o un homenaje a los que homenajean

2010-04-17T14:41:00.005+02:00

“Momo, Tributo a Queen”, Sala Mae West (Almería) 16-04-2010

Los amigos, incautos y demás desocupados que suelen leer mis “crónicas” musicales – la mayoría simplemente son amigos – saben que suelo aprovechar mi comentario musical de turno para "soltar el sermón" con ideas sobre lo humano y lo divino, aunque…eso si…siempre relacionado con el tema del que voy a escribir.
Y por eso tengo que empezar hablando sobre los grupos que hacen homenajes, “covers” o como porras queramos llamar a este fenómeno, que cada vez va proliferando mas en nuestro país. Hay detractores, como lo hay en todo, que dicen que hay que mirar para adelante, que de que sirve estar haciendo lo que ya hace un grupo o solista famoso, y que suene de la misma forma que lo hacen ellos, que hay que innovar, que lo ideal al hacer una versión es mejorarla. Hasta puede que yo – como humano incongruente que soy – lo haya dicho alguna vez, vaya usted a saber. Capaz soy.
Pues bien, cuando el homenaje se hace bien, con calidad y con respeto, a mi me parece cojonudo. Y me encanta escuchar a grupo-tributo de turno y disfrutar de él, pensando que estoy escuchando al artista verdadero, pero a la vez disfrutando de los artistas que están en ese escenario, que a su vez suelen estar también pasándoselo muy bien. En Almería tenemos varios ejemplos de tributos bien hechos, por ejemplo “Malas compañías”, con su impecable tributo a Sabina, los “Zimmerband” que recrean los nada fáciles temas del señor Dylan. Y, porque no decirlo, los “Band on the run”, a los que tengo el honor de pertenecer, que reivindicamos al genio Paul McCartney como uno de los más grandes que en esto de la música haya habido, hay y habrá.
Hasta aquí bien, y con estos ejemplos veréis que se trata de homenajes a artistas vivos, y de los que aún podemos disfrutar del origina. Pero ¿y cuando además se trata de alguien que ya no está?. Ahí el tributo ya cobra aún más sentido, si cabe. ¿Acaso la Filarmónica de Berlín no es una banda Tributo a, por ejemplo, Mozart, o a Beethoven, según el repertorio que lleven?.
Está claro que cuando alguien ha pasado por esta lindeza que llamamos vida y ha conseguido alegrárnosla a todos un poco con su música, no debemos conformarnos con escuchar sus discos, sino que lo más bonito es rendirle tributo tocando una y otra vez su música en directo, eso sí, sin dejar de crear nuevas composiciones, que una “co” no quita la “o”, como diría el maestro Joaquín.
Madre mía del amor santísimo, menuda introducción que me ha salido, y todo para hacer mi comentario sobre el magnífico concierto que anoche dieron “Momo” en nuestra ciudad.
¿Quiénes son estos “Momo”?. Pues nada menos que una de las mejoras bandas tributo a “Queen” a nivel nacional, y yo diría que también a nivel mundial. Y son españoles, y tocaron anoche en Almería. Tela marinera!!
Como nota aparte diré que mi adolescencia estuvo totalmente impregnada de la música de Queen, por lo que para mí son un grupo de lo mas especial, y además creo conocerlos bien, puesto que he gastado sus vinilos en ciertas épocas de tanto escucharlos. Tuve la suerte de contar con unos buenos amigos de esos que uno conoce a los 15 años, y de los que ya nunca se desprende, y casi el primer contacto con ellos fue con un préstamo de algunos de los mejores vinilos de esta banda. Recuerdo muchas noches escuchando a hurtadillas – ya que coincidió con un castigo paternal a no escuchar música durante la semana (mi padre no estaba de acuerdo con el nivel de decibelios que a mí me parecía adecuada para escuchar música) – esos magníficos discos “A night a the opera”, “Jazz”, “A day at the races”, “News of the world“, “The Game” o “Sheer heart attack”. Y no me olvido del mejor: “Queen II”.
Por no decir de cuantas fiestas juveniles estuvieron llenas de, además de los primeros cubatas y escarceos con las chicas, de bailes al son de “Another one bites the dust” y otras muchos temas que aún siendo de calidad, eran tremendamente bailables. Por tanto, para mi escuchar a Queen y entrarme un ataque inmediato de nostalgia y felicidad, es una misma cosa.
Volviendo a “Momo”, no era la primera vez que yo los veía, ya que hace unos 4 o 5 años recalaron en la ya desaparecida sala “El roquero”. Por tanto, anoche yo ya sabía muy bien a lo que iba.
Su cantante, Momo (Jose Luis Cortés, porque “Momo” es su alias, así como el nombre de la banda), es Freddy Mercury reencarnado. No tengo ni que explicar el torrente de voz que posee, porque para atreverse con los temas “Queen”, o tienes mucha cara dura, o tienes una voz impresionante, y en este caso os aseguro que se trata de la segunda opción.
Y la banda que le acompaña no se quedan muy atrás. Aunque sin Momo la banda, lógicamente, no tendría sentido, también hay que reconocer que de no estar así de bien arropado, la cosa no funcionaría igual.
Y vamos al repertorio que nos ofrecieron que, aunque no muy extenso, si que fue muy intenso.
Comenzaron, si la memoria no me la juega, con el famoso “One vision”, en versión roquera, sin los adornos de sintetizadores – entre otras cosas, porque la formación que anoche llevaban no era la completa, y por tanto no llevaban teclista de apoyo – y dejando claro la potencia de la banda.
Casi de inmediato enlazaron con el superclásico “Tie your mother down”, del legendario álbum “A day at the races”, otro de esos temas que Brian May ha dejado ahí para la historia del Rock.
Tras ese comienzo explosivo de rock´n´roll en estado puro, pasaron a un tema mucho más cercano al pop, y de la época en la que los que amamos a Queen empezamos a pensar que lo bueno se estaba acabando: “I want to break free”. Y eso que reconozco que el video-clip que hicieron para aquella canción me hizo sonreír de lo lindo, con los todos los “queen” travestidos, y ese Mercury con su bigotazo y marcando “tetas”. Geniales en ese aspecto.
Tras esa concesión a la comercialidad, nos ofrecieron una de las obras maestros de Mercury: “Killer queen”. Ahí Momo se acercó al piano, que aunque era un eléctrico de no mucha calidad, cumplía bastante bien para conseguir el sonido que ciertos temas de Queen requieren.
A este tema siguieron algunas otras obras maestras, como “Don´t stop me now”, “Under Pressure”, “I want it all”, - con todo el público coreando el fácil pero contundente estribillo: “lo quiero todo, lo quiero todo, lo quiero todo y lo quiero AHORA” - la alucinante “Somebody to love” – ahí quería yo ver a Momo, en ese final del tema donde hasta el mismo Mercury tenia que hacer esfuerzos a veces. Magnífica versión la que hicieron. Siempre hay algún “pero”, y este viene a colación si hablamos de los coros. No resultaron muy conseguidos en general, y mucho menos en temas como este. La cuestión es que, como comentaba antes, no estaba la banda al completo, porque creo recordar que en la anterior ocasión que los ví llevaban a 2 chicas haciendo coros, con lo cual esa faceta de la música de Queen quedaba mucho mejor cubierta. Aún así, no lo hacían mal, aunque no estaban al nivel de la calidad de la voz solista.
El show fue llegando el final, y también sonaron temas como “Fat bottomed girl” – que no solía formar parte muy a menudo del repertorio de Queen, aunque que fue muy polémico en sus presentación en directo del álbum "Jazz", debido a que durante su interpretación el escenario de llenaba de chicas desnudas montando en bicicleta. Lástima que los “Momo “ no lleven su homenaje hasta las últimas consecuencias, porque hubiese sido una buena sorpresa para el público masculino anoche.
Mención especial tengo que hacer del guitarrista, Daniel Gómez. Como introducción a otro clásico de la época moderna de los Queen – el “Hammer to fall” – se marcó un solo de guitarra al estilo May, con los efectos típicos de eco, delay y demás trucos pirotécnico-musicales, y nos dejó boquiabiertos. Muy al estilo del famoso solo de May en “Brighton rock” en el fantástico “Live killers”. Pa quitarse el sombrero. En general, el sonido que Daniel le saca a la guitarra está claramente estudiado para sonar como la guitarra de Brian May. Eso sí, no todo es cuestión de sonido, porque después hay que saber tocar, y este hombre sabe hacerlo.
También tuvieron su espacio el bajista, Diego Miranda y el batería, Juan Silva, con sendos solos durante una versión bastante libre del “Another one bites the dust”, tema muy simple compuesto por el bajista de Queen, John Deacon, pero de lo más potente y contundente. Primero el bajista, y después el batería, hicieron una demostración de que tienen su puesto bien ganado en esta banda.
Y , lástima, llego el final. Siguiendo la tradición de los auténticos “Queen”, no podía faltar para el apoteósico final ese “tándem” de temas que ya conocen todas las generaciones: “We will rock you” e inmediatamente “We are the champions”. Para disfrutarlos sin más, dejándonos ahí la garganta, por muy mal que cantemos.
Solo hubo tiempo para un “bis”, pero ¡¡¡ que “bis” !!!. Versión impecable del “Bohemian Rhapsody”, incluyendo la parte operística central, esa que ni los mismos “Queen” se atrevían normalmente a hacer en directo. Pues “Momo” si, y cantando con el público a la vez. Reconozco que me quedé extasiado con ellos, y no pudo ser mejor final…con ese “nothing really matters…to me….Any way the wind blows”, que hace que a uno, a sus años…se le sigan poniendo “los pelos como escarpia” con según que canciones. Les faltó el golpe de gong del final, pero se lo perdonaremos.
No sé, quizás tenga que aclarar al final de todo esto que el concierto me gustó, pero…creo que no va a ser necesario ¿verdad?.
Hasta el próximo concierto.

Jazz Uno - Futbol Cero

2010-04-11T20:17:00.007+02:00

Joven Big Band del Conservatorio de Almería - Big Band de Clasijazz. Auditorio "Maestro Padilla", Almería, sábado 10 de abril de 2010

De vez en cuando uno se sorprende y cae en la trampa de pensar que aún hay esperanza en este país. Anoche fue uno de esos días. La casualidad - puesto que tenía un viaje previsto que no pude realizar - y, porque no decirlo, la insistencia de algunos amigos/as, hizo que anoche me encaminase al Auditorio Maestro Padilla de nuestra capital (Almería), para asistir a un concierto jazz.

Recuerdo muy bien que antes de salir de casa mi mujer me hizo la observación de que tardaríamos poco en llegar, puesto que previsiblemente las calles de esta ciudad - como las del resto del país - estarían desiertas. El motivo, como no podía ser otro, el "partido del siglo", ese que se repite sin cesar cada 3 o 4 meses, un Madrid-Barcelona de esos que, según dicen los que entienden, crean afición. Como si hiciese falta crear más afición en ese "vil negocio" en el que se ha convertido lo que antaño era un deporte.

En ese momento pensé, apenado, que no solo las calles estarían desiertas. El Auditorio sería un espejo de esas calles porque, me preguntaba yo, ¿quien, aparte de 3 o 4 locos del jazz como yo, iba a dirigirse a ese lugar, donde solo iban a encontrar buena música, esfuerzo, calidad y, en definitiva, algo interesante?.

Me equivoqué. Llenar un auditorio es complicado, solo está al alcance de las grandes figuras mediáticas, pero lograr que en un día como el de ayer se reuniesen allí la cantidad de personas que nos dimos cita desde luego no es nada fácil de conseguir.

Y ¿quien tuvo gran parte de la "culpa" de esta rebelión anti-futbolística?: pues el amigo Pablo Mazuecos, gran pianista almeriense, músico, arreglista, director...en fin...todo un héroe anónimo - aunque cada vez menos - que llevó adelante un proyecto sumamente complicado, como ahora explicaré.

En la primera parte del concierto, Pablo nos presentaba a la Joven Big Band del Conservatorio. Encomiable el trabajo que está haciendo con estos jóvenes, escuchando el resultado. Estoy seguro de que en las filas de esa banda están algunos de los futuros músicos de jazz de esta ciudad - y veremos si no mas - o sea, las nuevas generaciones que vendrán a unirse a los que ya estamos por aquí. Porque lo bueno de esto de la música es que los que la amamos sabemos que quien viene detrás entrará con fuerza y compartirá el placer de tocar con los que ya llevamos unos años jazzeando. Aunque no pude retener los nombres de los músicos, tengo que destacar al batería, al percusionista - muy jovencito - , a la contrabajista y a alguno de los saxofonistas que "solearon". Y que no se me entienda mal, es por destacar a algunos, porque todos estuvieron fantásticos.

Con esta joven banda pudimos escuchar algunos temas de swing clásico, así como mucho latin jazz. La verdad es que no estuve muy atento a los títulos, y ahora estoy pagando ese descuido, aunque el "Oye como va" y el "Manteca" creo que sonaron por ahí.

Tras los jóvenes, con el Sr. Mazuecos dirigiendo y "saltando" con ellos - porque a Pablo hay que verlo en acción para comprender que esto de la música lo lleva en las venas, llegaron, cual cofradía "semanasantera", los "hermanos mayores".

Y que hermanos!!!. Después de una breve e instructiva presentación de nuestra amiga Fina Martin, de Canal Sur Radio - ayudada en la parte técnica por los apuntes del sabio Miguel Saavedra (ese sí que sabe de swing) comenzó la Big Band del Clasijazz .

Esta banda reúne a muchos de los mejores músicos de nuestra ciudad, comenzando por el mismo Pablo Mazuecos que, además de el rol de director, se sienta ante las teclas - que normalmente es lo suyo - continuando por la sección rítmica (con Eduardo Mortensen a la batería, Samuel Roque en el bajo eléctrico y Jesús Masero en la guitarra), y terminando por toda la sección de metales, y aquí me van a disculpar pero fui incapaz de retener los nombres de todos, así que solo voy a poder nombrar a los que conozco: Antonio González, un saxofonista granadino con el que tenemos la suerte de contar en Almería, Sergio Albacete, José Alamo, Reynaldo Llerena y Juan Ull, saxofonistas también todos ellos, así como el trombonista Toni Belenguer - y el resto de músicos que tendrán que perdonar que no recuerde sus nombres - que tuvieron su momento como solistas en los diversos temas que se interpretaron.

Tengo que destacar - porque brilló especialmente - al trompetista granadino Julián Sánchez al que tuve el placer de conocer y escuchar el pasado año en un seminario en Granada. La interpretación como solista que hizo del arreglo de Ellington "Concert for Cootie" fue sencillamente magistral.

Y ya que estamos...vamos al repertorio: brillante y arriesgado, desde luego. En la primera parte, más clásica, comenzaron con un arreglo de Stan Kenton, y después pudimos escuchar arreglos de Duke Ellington - como el ya mencionado Concert for Cootie - de Benny Goodman - creo recordar que el famoso tema de Louis Prima "Sing sing sing", y el arreglo del famoso "Rhapsody in blue" de Gershwin.

Y como en toda buena Big band que se precie, no podían faltar las cantantes, y anoche nos regalaron su voz Isabel López, que interpretó la preciosa balada "Embreceable you", y el famoso tema popularizado por Sinatra "Come fly with me", y la increíble Noemí Pérez, que interpretó el famoso "Georgia on my mind" y "Who cares".

Y tras un descansito - que bien se lo habían ganado - llegaba la parte más esperada, al menos para mí, de la noche: la interpretación de algunos de los temas del disco "A hot night in Paris" con los arreglos para Big Band sobre música de Phil Collins. Todo el concierto, pero en particular esta parte, estaba dedicada al añorado pianista y arreglista almeriense Luis Gazquez, fallecido el pasado año, ya que fue precisamente él quien insistió en que los arreglos del famoso disco eran dignos de figurar entre los más destacados del jazz de los últimos años. Personalmente soy un admirador de todo lo que "huela" a Genesis, sean los disco de la banda, como los de sus miembros en solitario, pues estaba ansioso por escuchar como sonaba eso en directo, a sabiendas de la complejidad y la originalidad con la que se enfrentaban.

Como no podía ser de otra manera...salieron airosos: abrieron con el súper-conocido "Sussudio", al que siguió una de mis favoritas de la última época de Génesis: "That´s all".

También se atrevieron con "Milestones", tema de Miles Davis pero acometiendo los arreglos originales de la BB de Phil.

Mención aparte se merece una de las mejores baladas que se hayan escrito: "Against All Odds". Y si, como bien dijo Pablo, solo por este tema se justificaba todo el concierto. Cuando la materia prima es buena, el resultado de un arreglo bien hecho suele elevarla aún más, y este es el caso. Magnífica interpretación, y estupendo el saxofonista solista - ¿Rogelio Gil pudo ser?. Si no es así, ¡¡¡que me perdone el protagonista!!!. Hay que comprender que cuando se habla de un cuarteto o quinteto, es facil recordar a los miembros...pero en una big band, la cosa se complica.

Y como "traca final" un tema funky por los cuatro costados: Pick up the pieces, en el que...además de poder escuchar a la Big Band en todo su esplendor, casi todos los solistas pudieron disfrutar de lo lindo.

Y así, tras un larguísimo aplauso del respetable - que queríamos mas - y el saludo de toda la banda, abandoné el Auditorio sin terminar de creerme todavía que la cantidad de personas que salíamos de allí habíamos preferido la buena música al "partido del siglo". Lo siento por Messi y por Cristiano Ronaldo pero...donde se ponga un buen arreglo...que se quite un remate a gol.

Lunaticosperdios del todo

2010-01-19T17:00:00.005+01:00

El Lunatico, domingo 17-01-2010, en la Sala Teatro Dolce Vita (Almeria)

Hace ya posiblemente 7 u 8 años – o quizas mas - , acudí a la antigua Sala Genesis (ahora debe tener otro de sus múltiples nombres) a ver a la Vargas Blues Band. Pues bién, cuando me salí del concierto del Sr Vargas antes de que finalizase, un poco aquejado de un ataque de aburrimiento, gran parte de la culpa la tuvo un grupo almeriense desconocido para mi hasta esa noche: “El Lunatico”.

En aquella ocasión iban de teloneros principales del concierto de la Vargas, pero consiguieron sorprenderme tan agradablemente que, la verdad, cuando acabó su concierto ya no recordaba muy bien que habia ido a ver a otra banda.

Desde entonces ha llovido bastante – en otros lugares, porque tanto los de “El Lunatico” como yo, como buenos almerienses, sabemos que aquí…lo que es llover, poquito – y aunque salí de aquella sala con la firme promesa de “volver a verlos” en cuanto pudiese, han tenido que pasar muchos años hasta que lo he conseguido. Es mas, paradójicamente, ellos si que han venido a ver a alguno de los grupos en los que yo estoy como pianista, pero cada vez que yo le echaba el ojo a un concierto de ellos, algo se me cruzaba en el camino para hacer imposible que acudiese a esa cita.

Por eso cuando el pasado domingo, charlando a traves de Facebook, mi buen amigo y colega Javi Dominguez (“El vecino”) me comentó que andaba con algo de prisa porque tenia que darse una duchita e irse a una prueba de sonido en el “Teatro Dolce Vita”, y resultó ser para tocar en un concierto de “El lunatico”, inmediatamente vislumbré que ya habia llegado el momento de disfrutar de nuevo del directo de estos paisanos.

Y digo bien: DISFRUTAR, y con mayusculas lo pongo, a conciencia, porque realmente es la sensación que tiene uno con esta banda desde que suenan los primeros acordes en el escenario.

La ocasión ademas era especial, ya que ofrecian un concierto a beneficio de la asociación almeriense “A toda vela”, para niños y jóvenes con discapacidad intelectual, lo cual tambien dice mucho a favor de estos músicos a nivel personal, ya que hacia tiempo que no veía tantas ganas y motivación en un escenario, y yo sabia que estaban allí para donarlo todo a esa causa.

A lo que voy, que es a la musica, impresionante de verdad. Tras ciertos problemillas de sonido iniciales (¿Quién no los tiene?), y a los que se sobrepusieron con profesionalidad, la ejecución fue en todo momento impecable. Se notan los años que ya llevan “en la carretera”. Soltura, frescura, simpatia y “tablas” …como “pa echarle a los marranos” tienen estos ya.

El cantante, Juanmi Cruz, cuenta con una gran ventaja: una voz agradable, afinada y, además, muy original y reconocible. Su forma de cantar, sin renunciar demasiado al acento almeriense, hace que los de aquí lo percibamos muy cercano, y supongo que a los de fuera les hará gracia. El caso es que esa combinación de voz rasgada con ese acentillo “de la tierra”, pero sin llegar a la exageración, hace que de gusto escucharlo.

El guitarrista, Antonio Carmona, que por lo que tengo entendido es el que asume mas la faceta de compositor del grupo, le da el punto flamenco a la voz de Juanmi, y Jose Cruz “El niño”, hermano de Juanmi, pone toda la fuerza de su voz - que no es poca - al servicio del espectáculo. El resultado es una fusión entre el pop, el rock, el flamenco y la rumba, muy fresca y original, que te atrapa de principio a fin.

A ver si me acuerdo, pero si la memoria no me traiciona comenzaron el concierto ellos tres (“El lunatico” son realmente ellos, porque el resto es una banda en la que hay variaciones puntuales) con un tema de su primer disco llamado “Tierra de nadie”, en acustico, aunque despues se les sumó el resto de la banda. Ese inicio ya me dejó claro que saben lo que se hacen, que tienen un show bien pensado, en el que van dosificando y ganandose poco a poco al público, dejando espacios para todos y cada uno de los músicos con los que cuentan, que tambien son excepcionales.

Tengo la suerte de compartir escenario en ocasiones con su bajista (ya lo mencioné antes, “El vecino”) por lo que el hecho de que hiciese un trabajo impecable no me sorprendió lo mas mínimo. Bueno, miento: si que me sorprendió un instrumento extraño que uso para uno de los temas, y al que llamaron jocosamente “la pata de jamón”, aunque realmente luego me descubrió que se trataba de un mastil de contrabajo electrico “tuneado”.

El resto de la banda la formaba el batería Ezequiel, que tambien realizó un trabajo excepcional, muy contundente, como debe ser en el rock, el guitarrista Javi Maresca, al que ya he visto en otras formaciones y que cada vez me va gustando mas, por el sentido del blues que imprime a todo lo que toca, y tambien un chico que igual cantaba, que tocaba la guitarra, que la percusión, y que todo lo hacía bien. Lástima que, tendra que perdonarme, pero no me quedé con su nombre.

Esos siete fueron desgranando poco a poco todo el repertorio de la banda, centrandose durante la primera parte en temas de su nuevo disco “Se diga como se diga”, que dicho sea de paso, les ha salido redondo.

Temas como “Mil razones”, “Como si fuera bodas de sangre”, “Te quiero no son dos palabras”, “Patera abandoná” fueron muy bien interpretados en directo.

Tampoco faltó ese tema que tanto ha sonado, y que ha quedado como el himno del ascenso a primera de nuestro equipo de futbol, llamado “Ya estamos aquí”.

Pero aunque sorprendentemente el público ya se sabia la letra de muchos de estos nuevos temas, cuando todos disfrutamos mucho mas fue cuando nos regalaban algunos de sus ya “clásicos”, como “Luna llena y tres cuartos”, “Tiritando de frío” o “Volver a verte” – este último ya me encantó la primera vez que lo escuché en ese primer concierto en que les vi.

Cuando, tras casi hora y media larga de concierto, ya parecía que iban a despedirse, nos fueron sorprendiendo con una lista de bises que cada vez gustaban mas al personal, intercalando algunos temas nuevos mas, como “Vagabundo”, “Tengo unos amigos”, o el super-comercial y almeriense “Calle Valdivia”, también de su nuevo disco.

El final, y tras infinidad de peticiones entre el publico, quedó a cargo del guitarrista Antonio que entonó uno de los temas del ultimo disco llamado “Mala suerte”, solo con su guitarra y con esa curiosa voz, acompañado por toda la banda al mas puro estilo “tabernero”, con voces y percusión solamente. Bueno, acompañado realmente por todo “el respetable” que nos aprendimos rápidamente ese pegadizo estribillo de “no me canso yo de repetir, si es que he venio a esta vía a sufrir”.

Si no me equivoco, cuando abandonaron el escenario – con aspecto de no tener ganas de hacerlo – ya habían pasado las 2 horas largas de concierto, y de la mas pura diversión.

Por poner alguna pega, y no fué culpa de ellos, diré que la iluminación del escenario dejó mucho que desear, ya que de hecho habia momentos en los que costaba mucho distinguir a los músicos que habia arriba. Una lástima, porque una buena iluminación siempre hace que el show quede mas completo. Aún así, hicieron que olvidase ese pequeño problema.

En definitiva, me fui de allí con la satisfacción de saber que una de las bandas mas originales y divertidas de nuestro panorama musical de nuestro país resulta que “juegan en casa” y prometiendome a mi mismo no dejar pasar tantos años para volver a disfrutar de ellos.

Ah, pero eso si, están “lunaticos perdios de la cabeza”, eso que lo sepais.

Norman Hogue plays Louis Prima, la música, el humor y mucho mas

2009-11-13T20:20:00.003+01:00

Norman Hogue plays Louis Prima. 11-11-2009, Club Populart (Madrid)

Cuando Angela Cervantes, a quien me encontré nada mas llegar al Populart, me preguntó “¿Pero tu sabes lo que vienes a ver?”, tuve que reconocerle que no tenia una idea muy definida. Si que había tenido la precaución de mirar esa misma tarde el Myspace de Norman Hogue, (http://www.myspace.com/normanhogue) y tenia una vaga idea de que era algo, cuando menos, singular.

Pero no, no sabia muy bien de que iba eso de “Norman Hogue plays Louis Prima”. Para empezar, habría que echar la vista atrás y hacer un poco de historia, para saber quien era este tal Prima. La única referencia que yo tenia de el proviene de un intento de incorporar al repertorio del “Diego Cruz Quartet” el tema Just a Gigoló. Mi amigo Chipo me insistió “tienes que escuchar exclusivamente la versión de Louis Prima”.

Asi que, como todo el mundo habrá escuchado ese famoso tema, que sepáis que su versión mas conocida es la que de él hizo este curioso cantante y trompetista norteamericano.

El caso es que varios fueron los motivos que hicieron que esa noche me encaminase a un muy buen club de Madrid - el Populart – al que no suelo acudir mas a menudo por culpa de su horario (las actuaciones suelen comenzar bien pasadas las 23:00 horas) .

El primer motivo era la cantante que figuraba en el cartel: Angela Cervantes. Una de las mejores voces que circulan por nuestro país en la actualidad, sin lugar a dudas. Además, tengo que reconocer que así como encima del escenario se transforma una verdadera diva, cuando está “a ras de suelo” es una persona encantadora, y la otra noche me lo demostró una vez mas, invitándome a sentarme con ella y sus amigos – esa noche acudían a verla unos cuantos alumnos suyos – y haciendo que pasase un entretenido rato previo a la actuación.

También me llamaba la atención la presencia de la pianista Marta Sánchez – si , si…ya se…curiosa coincidencia, pero…que voy a decir yo…que al llamarme Ramón García, todo el mundo me hace la broma de “vas a presentar este año también las campanadas?”. El caso es que esta chica se va haciendo un hueco en la escena jazzistica madrileña, y cada vez toca mejor.

Y por supuesto, también tenia ganas de ver en directo al trombonista Norman Hogue, al que solo conocía de pasada en una noche de “zarra” madrileña, allá por el 2007, cuando los del cuarteto de Diego Cruz recalamos por el Berlin Cafe, y decidimos “beber un poco de mas” en El Junco. Esa noche me presentaron a este magnífico trombonista, pero supongo que él nunca lo recordará…y yo lo recuerdo porque tengo una foto (ver http://www.diegocruzquartet.com/20070501berlin_off.htm) que si no…tampoco. Nuestro nivel de “sangre en el alcohol” era bastante bajo en ese momento.

El caso es que ya eran muchas las motivaciones como para enfilar hacia el Populart, aunque solo fuese para ver el primer pase, ya que aguantar hasta el final podría ser una hazaña que pagase muy cara al día siguiente.

Pues bien, lo que importa que es la música, fue espectacular, siempre y cuando, tal y como me advirtió Ángela, se supiese lo que se iba a ver. Realmente lo que Norman ha querido es recrear el sonido de esa época, el ambiente y el tono humorístico con el que este personaje encaraba todas sus interpretaciones. De hecho, el papel que Angela Cervantes representaba era el de Keely Smith, la estática cantante de su formación y además su mujer. Claro que, con esa marcha en el escenario, Ángela nos reconoció después que ella es incapaz de permanecer quieta mas de unos breves segundos.

Tocaron temas de su repertorio como “Buona sera”, “On the sunny side of the street”, “Angelina”, “Robin Hood”, “A foggy day - cantado espectacularmente por Ángela – o "That old black magic".

En el minúsculo escenario del Populart y haciendo verdaderos esfuerzos para no darse codazos – demasiados músicos en tan poco espacio - se las apañaron para que todo sonase bien, y que el humor y el buen rollo se contagiase a toda la sala. Jazz de los años 30 y 40, muy bien recreado y con unos músicos que posiblemente superan en técnica a los originales.

Me encantaron los solos de Norman – aunque a veces llegue a temer que me diese con la vara de su trombón – y también los de Marta, que adaptó su lenguaje perfectamente al estilo que estaban tocando. No recuerdo muy bien el nombre del resto de músicos, porque además creo que el saxofonista sustituía esa noche al titular, así que ruego que me perdonen si en algún momento de desorientación internauta leen esta humilde crónica.

Tal y como me prometí a mi mismo, y muy a mi pesar, decidí marcharme al acabar el primer pase, ya que pasaban ya bastantes minutos de la media noche, y no podía permitirme esas alegrías, pero abandoné ese clásico local madrileño con una euforia y satisfacción que solo la buena música puede conseguir.

Natalia Dicenta, mucho mas que tablas

2009-11-13T19:24:00.003+01:00

Natalia Dicenta y Vicente Borland Quintet. 10-11-2009, Café Central (Madrid)

Como siempre, aprovechando mis visitas de trabajo a Madrid, todos los que perdéis vuestro valioso tiempo leyéndome sabéis que no desaprovecho la ocasión. Esta vez no iba a ser menos. Mientras por la mañana aprendía áridas y tediosas técnicas de cómo construir y/o atacar

servicios web con mediante java - se trataba de un curso de informática, y no de unas maniobras de carácter bélico, como por la descripción podría parecer – por las noches intentaba olvidarme de tan aburridas – en esta ocasión, especialmente – mañanas, y disfrutar de la maravillosa noche madrileña, que siempre ofrece de todo.

En primer lugar, decidí acudir a mi club favorito, el Café Central, donde me llamó la atención que su cartel estaba liderado por alguien que me sonaba mas como actriz que como cantante: Natalia Dicenta.

La hija de Lola Herrera – es lo malo de tener una madre tan buena actriz, y tan conocida, que siempre serás “la hija de” – se presentaba una semana en el Central, con un quinteto, el del pianista Vicente Borland del que, para ser sincero, tampoco había oído hablar.

Reconozco que iba sin demasiadas esperanzas, puesto que no tenia ninguna referencia de ellos, mas que el hecho de que la Dicenta es conocida en el mundo de la farándula teatral, y eso en el mundo de la música no es suficiente.

Sin embargo reconozco que en cuando escuché a Natalia cantar, me di cuenta de que había hecho muy bien en ir. Realmente me sorprendió su voz: potente, afinada y tirando a “negra”, algo sorprendente en esta chica rubia y de ojos azules que, pese a que los años van pasando, tiene una presencia magnífica.

Sobre el escenario se le notaban también las tablas, y eso supongo que se lo da el haberse dedicado al oficio de actriz desde muy joven, y le dio al espectáculo un aire digamos…teatral y hasta cabaretero en ocasiones, que hizo la noche muy amena. La chica sabe que canta bien, y que gusta, y se regodea, llegando a veces a exagerar los gestos y las sonrisas – claro, con esa dentadura blanquita y perfecta, también sabe que puede – pero se le perdonaba cada vez que cantaba, porque tengo que reconocer que lo hace muy bien.

El repertorio también influyó para el éxito de la noche, ya que fue cambiando de estilo con estudiada sabiduría, haciendo temas de Aretha Franklin (“Ain´t no way”), de Billy Joel (“Just the way you are”), de los mismísimos Beatles – o mas bien de McCartney – con una animada versión de “Blackbird”, de Marvin Gaye o standards como el “Summertime” , el famoso “Over the rainbow”, e incluso un popurri de temas de Cole Porter al final del concierto.

Como no puede ser de otra manera, dediqué también mi atención a todos los músicos que la acompañaban y arropaban. El principal, por ser el líder del quinteto, y además el arreglista de todos los temas, era el pianista panameño Vicente Borland. Como pianista no me pareció nada del otro mundo – tocaba muy bien, pero sus improvisaciones no eran nada originales- pero como arreglista me pareció magnífico. Todos los temas tenían un toque especial, y se notaba que estaban muy trabajados. El resto de la banda lo formaban el veterano guitarrista Santiago Reyes, que a pesar de tener algunos problemas de digitación (no se si fue solo esa noche) me pareció un correcto guitarrista, y si que hizo algún solo realmente expresivo, además de un precioso acompañamiento a dúo con Natalia en un tema al comienzo del segundo pase. En el saxo estaba Marcelo Peralta, quien realizó a la perfección su trabajo de acompañante de cantante, dándole la réplica con arreglos muy estudiados, y quien también hizo algún solo de interés. Y en la sección rítmica Christian Perez en el contrabajo y Antonio Calero en la batería, que se mantuvieron en un discreto segundo plano, que para mi es la postura correcta.

Por tanto una nueva noche de disfrute en el Central, esta vez inesperada y quizás por ello mucho mejor saboreada.

Noemí Pérez Quartet, la elegancia hecha cuarteto.

2009-11-08T14:14:00.003+01:00

Noemí Pérez Quartet, sábado 7 de noviembre de 2009 (Studiocafé, Almería)

Siempre se me hace complicado comentar un concierto donde participa algún amigo, luego en esta ocasión me temo que la complicación va a ser máxima, dado que considero que cuento con un poquito de la amistad de los cuatro músicos que estaban en el Studiocafé, e incluso tengo la suerte de compartir escenario con dos de ellos en ocasiones.

Pero como ese acuerdo que tengo conmigo mismo me obliga a escribir algo parecido a una crítica - aunque no me gusta esa palabra - cuando asisto a un concierto que no me deja indiferente, no llevaban interpretados ni tres temas, y ya había decidido que tendría que hacerlo en esta ocasión.

La formación era "Noemí Perez Quartet", un nuevo proyecto de la música almeriense y que yo tenia muchas ganas de ver en directo. Tras un primer intento, en su concierto de presentación el 12 de septiembre en el club Clasijazz, que se tradujo en fallido, ya que debido a la masiva asistencia de publico y a mi falta de previsión - todo se hubiese arreglado llegando antes al concierto – hizo que tuviese que fastidiarme y aguantar mi ganas de oírlos, ya que yo quería disfrutar de ellos con tranquilidad y no rodeado de gente, ruido y humo, seguro como estaba de que la música que iban a ofrecer lo merecería.

Los miembros de esta formación son bien conocidos para todos los aficionados a la música - y a jazz, en particular - de nuestra ciudad:

Noemí Pérez es una cantante fabulosa, a la que yo solo había escuchado en directo en una ocasión. Hace unos años, en el curso que la UAL organizó sobre los Beatles, ella, junto con su marido, el querido y añorado por todos Luís Gazquez, nos deleitaron con unos cuantos temas de Lennon y McCartney, arreglados por Luis, y que nos dejaron boquiabiertos.

También había visto algún video del espectáculo "Elvis Rules", en el que Noemí participa como cantante, y ya me habia dejado bastante impresionado (por ejemplo, un "Amazing Grace" que corta la respiración). Pero en el ámbito del jazz aún no la había disfrutado, y ese era uno de los motivos principales de mi interés.

El otro motivo era la sección rítmica. Precisamente la misma que durante algunos años acompañó a uno de nuestros mejores saxofonistas, Pepe Viciana. Me refiero al pianista Pablo Mazuecos, el bajista Javier Dominguez (a quien todos en Almería conocemos más familiarmente como "El vecino", y al batería Eduardo Mortensen. Tres sólidos músicos de los que siempre se puede esperar algo bueno y de calidad, junto a una voz privilegiada. La propuesta no podía ser mas interesante, y como comprobé anoche, no defrauda en absoluto.

Un cuarteto de jazz vocal puede plantearse de muchas formas, pero en general estamos acostumbrados con bastante asiduidad a la "formula fácil", esto es: Se juntan cuatro músicos, eligen unos cuantos "standards" bien sobaditos, se arreglan mínimamente - alguna que otra intro de piano, unos finales previsibles y poco trabajados, y se intercalan 4 o 5 baladas con 4 o 5 temas swing, a tempo medio o rápido, y ya tenemos un cuarteto listo para tocar en cualquier boda, bautizo, comunión o festival, según se tercie.

Esa no es la fórmula del "Noemí Perez Quartet", para nada. Estos cuatro han querido aportar algo, hacer una música diferente y arriesgando. No es este un cuarteto típico, no es un grupo montado "para cumplir". Trabajo, buen gusto e imaginación son cualidades que me invadieron anoche desde el primer tema.

Cada tema lo abordan desde una perspectiva, intentando darle un carácter personal, creando infinidad de ambientes de soporte a la vocalista, con Pablo Mazuecos aportando unas armonías nada sencillas, muy en su su linea de gusto por el jazz norte-europeo, y con un sólido Javier Domínguez dando un perfecto soporte con su bajo eléctrico, que permitía que Eduardo Mortensen experimentase con los ritmos, e imprimiéndole todos una enorme personalidad a su sonido. Todo ello complementado con unos cuidados arreglos, sin caer en tópicos fáciles, ni en finales improvisados, sino todo lo contrario. Equilibrio entre el buen trabajo previo y la improvisación sobre el escenario, pero en los lugares en lo que debe estar. Para mí, lo que debe ser un buen grupo de jazz.

El repertorio que nos presentaron también huía de lo previsible, lo que no quiere decir que fuesen temas totalmente desconocidos. El cancionero americano es muy amplio y hay temas maravillosos que siempre es un placer descubrir o re-descubrir, según sea el caso. Sonaron desde standards como "Darn that dream" , "Tenderly" - con un arreglo tremendamente original, o el siempre bien recibido “My funny Valentine”, hasta temas tan recientes como el "I know you know" del último CD de la bajista y vocalista Esperanza Spalding.

Sublime el "Nature boy", basado en una versión de ese genio del piano que es Stefano Bollani, pero solo basado porque estos cuatro lo hicieron suyo desde el primer compás.

Y otra impresionante balada, "Ghost of a chance", donde además de la demostración de sabiduría vocal de Noemí, el pianista Pablo Mazuecos nos regaló el mejor solo de piano de la noche, de una sencillez y con un sentido impresionante, sabiendo siempre a donde quería llegar. Yo, como pianista, paso muchísima envidia sana en momentos como esos, pero los disfruto al máximo y trato de aprender (que es algo que me ha inculcado desde hace años mi amigo y maestro Chipo Martinez, que de esto sabe un rato largo).

El concierto casi terminó – que cortito se me hizo, de verdad - con un recuerdo a ese gran pianista y persona que fué - y seguro que lo sigue siendo en alguna parte - Luís Gazquez, con un tema - "I miss you old friends" - que Noemí cantó de maravilla, a pesar del nudo que debía tener en su garganta en ese momento y de la lagrimas que no pudo impedir le bajasen por sus mejillas.

Un par de bises - y por que no quisieron seguir, porque se les pedía mas - pusieron punto final a la noche: "Body and soul", según Noemí uno de los temas preferidos de su Luís (bueno, y de alguno mas, porque hay temas que son verdaderas bendiciones), y con el standard "We´ll be together again", maravillosa balada que ya en su día "bordaron" los maravillosos Bill Evans y Tony Bennett, y que anoche nos dejó con la boca abierta tras la maravillosa interpretación de este cuarteto.

Resumiendo, una maravillosa velada de jazz, con un grupo que nos va a dar muchas satisfacciones a los aficionados a la buena música en Almería, y espero que también las den por el resto del territorio nacional, pues tienen calidad como para ello.

Y, por último, gracias también a la iniciativa que está teniendo el actual gerente de Studiocafé, Alberto, que está apostando mucho por la música en la capital, haciendo un gran esfuerzo, ya que no es fácil mantener la continuidad en este tipo de actividades como el lo está haciendo.

Lionel Loueke, Allen Toussaint y Wynton Marsalis JALCO con Chano Dominguez: el final de una intensa semana

2009-07-20T20:09:00.007+02:00

Lionel Loueke Trio (Teatro Principal) , Allen Toussaint y Wynton Marsalis JALCO con Chano Dominguez (Polideportivo de Mendizorrotza), Vitoria-Gasteiz, 18-07-2009

Y casi sin darme cuenta, llegó el último dia del festival. Lógicamente ya estoy escribiendo esto desde casa, de vuelta en mi Almería, ya que el día siguiente tuve que emplearlo en el viaje de vuelta, y no pude permitirme el lujo diario de escribir mis impresiones nada mas despertarme cada mañana. (De hecho comencé a escribir esto el lúnes, y estoy terminándolo el jueves, lo cual indica claramente que se me acabaron las vacaciones, al menos por ahora).

Como ya he comentado mas de una vez, y los desocupados que lean este blog lo sabrán, no me impongo ninguna norma al escribirlo, ninguna obligación. Por tanto, como el concierto de la tarde, el del trio de Lionel Loueke me dejó bastante frió, y realmente no se si fue por ellos...o por mi, voy a tomarme la libertad que mi propio blog me da, y no voy a hacer reseña de dicho concierto.

Así que me paso directamente, como si la tarde la hubiese pasado en una larga siesta - bueno, algo parecido quizás me ocurrió - y directamente aparecí en Mendizorrotza.

El primero de la noche era Allen Touissant. Voy a ser sincero, según todo lo que he leido sobre él, debe tratarse de una leyenda viva de la música de Nueva Orleans, pero yo ni me habia enterado. Lo cual me demuestra que cuanta mas música conozco y escucho, mas inabarcable me parece este mundo.

Dicho esto, este buen hombre, todo un venerable y elegante hombre de color - de color negro, vamos - se sentó ante un piano de cola, y el solito nos brindó un amable concierto, donde hubo mucho sabor a blues, a dixieland, a rithm´n´blues, a country, en fin a muchas de esas raíces que poco a poco han ido formando a todos los músicos norteamericanos, en primer lugar, y del resto del mundo despues, y que han dado lugar a esto que llamamos jazz.

Lo que Touissant hizo no puede decirse que fuese jazz, aunque tuvo sus improvisaciones, pero realmente demostró ser un buen artista, notable pianista y no muy destacado cantante, pero bastante soportable en esas lides. Supongo que es mas compositor para otros músicos que para él mismo. Da igual, a mi me agradó, sin entusiasmarme, y aplaudí con gusto cada una de sus interpretaciones. Y hubo momentos realmente brillantes con el piano, en donde enlazaba, a modo de mega-meddley cantidad de melodías conocidas, procedentes de todo tipo de composiciones - clásica, blues, pop, etc - con una maestria realmente notable.

Como el hombre tampoco debe estar para muchos trotes, su concierto duró unos 60 minutos, no creo que mas.

Tras el descanso, me preparé - ya bastante cansado físicamente - para el último concierto: La Jazz at Lincoln Center Orchestra, dirigida por Wynton Marsalis.

El repertorio a escuchar no era una sorpresa: ibamos a escuchar la versión completa de la Suite Vitoria, composición de Marsalis, para orquesta - de jazz, entiendase - totalmente dedicada a la ciudad de Vitoria. Todo un lujo para los vitorianos, la verdad.

En su día, hace 3 años, presentó una primera versión de la suite, pero justo ese día yo no pude estar en ese concierto.

Pero, el destino ha hecho que si que haya podido escucharla, y ademas al parecer mejorada, y con un invitado muy especial. Como dijo Wynton, su "brother" Chano Dominguez estaba ahi para tocar en un par de movimientos de la suite, en la que ha colaborado ayudando a Marsalis en las partes mas flamencas - estilo musical en el que el norteamericano, como es lógico, no es un experto.

¿Que me pareció la suite?. En conjunto, me gustó, pero al ser bastante larga, lógicamente hubo movimientos que me gustaron mas que otros. En general no soy muy aficionado a las Big Bands, salvo casos excepcionales como la de Duke Ellington, que me gusta mucho. Entiendo que la composición para este tipo de orquesta es un reto para cualquier músico, trabajar los arreglos para todos los metales tiene que ser muy bonito y muy gratificante para un compositor. Pero, después, a mi para escucharlo, no suele emocionarme demasiado.

Si a eso le sumamos que la composición de Marsalis, que es bastante tradicional - y no lo digo de forma peyorativa - no sorprendía demasiado, pues reconozco que tuve mis ratitos de sopor.

El movimiento que mas me gustó, pues claramente el llamado "Buleria", en el que salió Chano al piano, junto con su mini-grupo flamenco: El piraña al cajón, un cantaor - olvide el nombre - y el bailaor Tomasito, que es todo un espectáculo.

Para terminar el concierto, una composición de Chano Dominguez, llamada "De Cadiz a Nueva Orleans", que no estuvo nada mal.

Y así llegó a su fin una intensa semana, unos días en los que puedo garantizar que logré olvidarme de la rutina y problemas diarios, y centrarme en lo que mas me gusta: la música. Es una terapia que recomiendo a cualquier melómano, músico..y me atrevería a hacerlo extensivo a cualquier persona con sensibilidad. Todo un placer estar en Vitoria en su semana de festival de jazz. Espero seguir repitiendo mientras el cuerpo - y la economía - aguante.

Madeleine Peyroux y Dee Dee Bridgewater, recordando a Lady Dayd

2009-07-18T11:43:00.007+02:00

Madeleine Peyroux y Dee Dee Bridgewater, Polideportivo de Mendizorrotza (Vitoria), 17 de julio de 2009.

Y llegó la noche de las cantantes. La que yo temía, porque sobre el papel no me apetecia nada de nada.

Sobre todo por Madeleine Peyroux, que me perdone la chica, que no tengo nada contra ella. Pero es que me aburre soberanamente. Y además, parece que me persigue, porque es la tercera vez que la veo. La primera fué aqui mismo, en Vitoria, en el 2005, precediendo al loco de Jamie Cullum. En aquella ocasión no me aburrió tanto, el concierto fué corto, era la primera vez que la eschaba, y ademas despues me lo pasé tan bien con Cullum, que la olvidé rapido. La segunda fué en mi ciudad, Almería, hace un par de años en el festival de jazz, y ahí si que me aburrió bastante, aunque a su favor diré que de ese concierto salí con la idea de comprarme una melódica - cosa que hice - porque me gustó mucho ese sonido, que en pequeños momentos introducia su teclista.

Pero anoche, reconozco que no me apetecia nada tragarme otro concierto de ella.

Además, no se porque se empeñan en meter a esta chica en los festivales de jazz: con todos los respetos, ella canta canciones, pero no es cantante de jazz. Y canta bien, afina, tiene un timbre de voz que a veces se asemeja al de Billie Holliday...todo lo que se quiera, y sus músicos tocan instrumentos típicos del jazz, pero la unión de todo eso no es jazz. Bueno, desde que Jethro Tull ganaron un grammy por uno de sus discos como mejor banda de Heavy Metal, uno ya se lo espera todo.

Pues, efectivamente, no nos decepcionó - hablo en plural porque anoche tambien pudo venir mi mujer, que ya es mala suerte justo venir solo a este concierto - y nos volvió a aburrir un ratito.

Hizo muchas canciones de su ultimo CD, "Bare Bones", incluida la versión del famoso tema de Leonard Cohen "Dance me to the end of love". Al final de concierto se acercó un poco al jazz, haciendo un par de temas del repertorio de Billie Holliday, a quien, por cierto, estaba dedicada la noche.

Para colmo, cosa bastante inusual en el festival de Vitoria, hubo problemas con el sonido. O cierto sector del público parecia tenerlos, ya que ademas así lo manifestaron dirigiendose directamente a la artista, quejandose al parecer por un excesivo volumen del bajista. Debia de ser un problema existente en la parte derecha del pabellón, porque nosotros que estabajos situados en la zona izquierda no notamos nada raro. Pero vamos, que practicamente tuvo que interrumpirse el concierto, y hacer una "mini prueba" de sonido improvisada, para ajustar ese problemilla. En fin, pasa hasta en las mejores casas.

Tras el bocata, venía el plato fuerte de la noche: Dee Dee Bridgewater.

Esta si, es una verdadera cantante de jazz, y esta si que venia presentando su disco homenaje a la Holliday. Particularmente - vaya noche que llevaba - no me gusta mucho su voz, pero reconozco que es una cantante excelente. Su repertorio estuvo totalmente basado en temas de Billie Holliday, bien compuestos por ella o que eran típicos de su repertorio, como el estremecedor "Strange fruit", un animado "God bless the child" donde su saxofonista hizo las delicias del respetable o los clásicos standards "All of me", "Lady sings the blues" y "Lover man".

Sus músicos eran solventes. Me gustó muchisimo el pianista, Edsel Gomez, portorriqueño creo, que demostró virtuosismo y buen gusto en sus solos. La sección ritmica muy correcta, como debe ser cuando se acompaña a un cantante, y el saxofonista me gustó con el tenor, cuando cogia el alto, demasiadas estridencias para mi gusto.

Tambien hubo algun buen momento de "scat" por parte de la Bridgewater, ya casi al final del concierto. Lo que si que hizo fué no parar de hablar durante todo el concierto, cosa que se agradece. El problema es que los que no pillamos el 100% del ingles, nos perdemos algunas bromitas. Muy simpatica, muy entregada, y muy buena cantante y músico. Finalmente, reconozco que salí con buen sabor de boca del concierto. Si el caso es disfrutar, que para eso venimos a estas cosas. Aunque a veces me pongo algo crítico, eso no quiere decir que sufra durante el concierto - para eso...no iria - son cosas del dia siguiente, en el que uno tiende a racionalizar, pero en el momento de la música en directo, la magia que produce suele curarlo todo. Bueno, todo...menos el aburrimiento de la Peyroux :-)

Hadrien Féraud & Rumeurs, frio frio frio

2009-07-18T11:08:00.005+02:00

Hadrien Féraud & Rumeurs, Teatro Principal (Vitoria), 17 de julio de 2009

Penúltimo día de festival, y mirando el cartel quizás, para mi gusto, no el que mas esperaba. Y en cierto modo se confirmó, como ahora contaré.

El concierto de la tarde era para mi una incógnita, porque no había conseguido casi material de este bajista. En la publicidad del festival lo anuncian como una especie de heredero de Jaco Pastorius, y eso son palabras mayores.

El concierto comenzó con muy buena pinta, con una introducción muy trabajada del teclista - Michael Lecoq, que portaba dos Clavia de los que a mi me gustan, abajo el NordStage 88 y arriba el Nord Lead II, si no me equivoco - y al que se fueron sumando sutilmente el resto de músicos.

El líder, Hadrien Féraud, ya desde el principio dejó claro que era un virtuoso del bajo, de ello quiso dejar constancia durante todo el concierto, quizás en exceso. El resto de la banda, todos bastante jóvenes en apariencia, también tocaban a cierto nivel.

¿Donde estuvo el problema para que terminase aburriéndome bastante? Pues en la monotonía de lo que interpretaron. Temas muy largos, muy similares - a veces no se distinguía si habían terminado uno o empezado el siguiente - con melodía muy poco definidas, solos bastante complejos pero siempre repitiendo una estructura ascendente que llega a cansar si se abusa de ese efecto.

Mas problemas, esta vez supongo que del técnico de sonido: la batería se comía casi todo, sobre todo al teclista, de tal forma que algunos de sus solos no llegaban ni a escucharse. Se le veía ahí, afanado y voluntarioso, pero al patio de butacas no llegaban mas que los tremendos golpes de Yohann Shmidth, que supongo que estaba ajeno al problema, que si no estoy seguro de que se hubiese contenido un poco.

El guitarrista, Jim Grandcamp, tuvo alguna intervención interesante, pero el sonido de su guitarra, con los efectos correspondientes, era a veces casi idéntico al del Nordlead del teclista, con lo cual, en ocasiones, no se distinguía bien cual de los dos era el que estaba improvisando.

Y que decir del quinto músico?. Freddy Jay - o tal y como suena FreDJ - con sus dos platos, haciendo todo tipo de ruiditos. Tengo que decirlo: para mi sobró en el 90% del tiempo. En algún solo del teclista, llegue a pensar que había un problema de interferencias, y resultó ser el DJ haciendo todo tipo de extraños sonidos, que yo entiendo no venían a cuento. Hadrien comentó - en una de sus pocas y escuetas intervenciones - que era el primer concierto con ellos. Quizás debería de plantearse si no sería mejor que también fuese el último, con todos mis respetos al tal Freddy. Pero es que se cargó algunos de los momentos buenos, que los hubo. He visto a otros músicos que integran este tipo de experimentos con su música - como es el caso de Jorge Drexler - y que lo hacen de forma mas acertada.

Solo reconocí un tema - el resto debían de ser originales - que fue una versión del "Message in a bottle" de Police, muy propio para ser adaptado por otro bajista.

Hadrien Feraud toca bien, muy bien, diria yo, y supongo que con los años irá poniendo algo mas de alma a su música, y no se quedará en mero exibicionismo, porque creo que reune buenas condiciones y tiene buen gusto. De ahi... a compararlo con Jaco, me parece un despropósito. Siempre se tiende a etiquetar, y a nombrar herederos de los grandes con demasiada ligereza, como esos críticos musicales que se empeñan en mantener que esos macarras estúpidos y maleducados de Oasis son los herederos de los Beatles. Pues no les falta clase y talento a los famosillos hermanos Gallager, que no le llegan a Lennon-McCartney ni a la suela del zapato. Pero son cosas de la mercadotecnia y del periodismo de masas, que con ese tipo de cosas venden. Yo, desde mi solitario blog, como puedo opinar lo que me parezca, sin la presión de nadie - que para eso hago esto sin cobrar, por el mero gusto de contar mis experiencias - , digo las cosas como las siento, y no como es políticamente correcto decirlas.

En resumen, que me aburrí un poquito con el Sr. Féraud, pero bueno, en un festival de este calibre, como en una buena feria taurina, una mala tarde la tiene cualquiera.

SMV (Stanley Clarke, Marcus Miller y Victor Wooten) y Stefano Di Battista Quartet, o cuando el buen jazz gana al espectáculo

2009-07-17T12:24:00.009+02:00

SMV (Stanley Clarke, Marcus Miller y Victor Wooten) y Stefano Di Battista Quartet, Polideportivo de Mendizorrotza (Vitoria-Gasteiz), 16 de Julio de 2009

Y llegamos a la noche del jueves - ya van pesando los conciertos, que el cuerpo aguanta hasta un límite - en la que el menú era, cuando menos, dispar. Por un lado, jazz eléctrico y por otro un cuarteto acústico.

Tal y como estaba anunciado en el programa, primero actuaría el cuarteto de Stefano Di Battista y despues los espectaculares SMV, pero no fué así. Sin explicaciones - estas cosas deberian de cuidarse mas en el festival - el segundo plato pasó a ser el primero. Cosas de horarios de aviones y otros compromisos, supongo, por parte de cualquiera de los 2 grupos.

El caso es que al entrar al polideportivo ya se adivinaba que los primeros serían los super-bajistas, porque el tinglado que estaba alli montado así lo indicaba.

En primer lugar, y para no repetirme, os remito a la primera crónica que hice de este concierto, allá por noviembre de 2008, porque pasaron por mi ciudad, Almería. Podeis leerla pinchando aqui.

Pues bien, ahora es mas fácil, porque solo tengo que contar las diferencias, que las hubo.

En primer lugar, se nota cuando unos músicos tocan en un festival grande, como es este, porque salen al escenario mucho mas motivados, con mas ganas de meterse al publico en el bolsillo, o de quedar bien para las cámaras. Es normal, y hasta humano.

El teclista, Federico Peña, con quien comparto alguna charla a traves de myspace, ya me aseguró que aqui intentarían que el show fuese mas espectacular y mas participativo que el de Almería.

La estructura del espectaculo fué basicamente la misma:

Primero, presentación del grupo, con un par de temas en el que los tres bajistas hacen "de todo" a su instrumento, acompañados de forma mu potente y efectista por batería y teclados.

Despues, cada músico tiene su pequeño espacio, empezando por Wooten, que sigue alucinandome con esa técnica de tapping que tiene. No se sabe de donde salen tantas notas, porque parece increible que todo lo esté tocando el.

Tras Victor, le toca el turno a Marcus Miller, y reconozco que anoche fué el que mas me gustó. Su técnica de slap es simplemente espectacular. Y cuando deja el bajo, y agarra el clarinete bajo tambien vuelve a sorprender. Con este instrumento hizo "meddley" con algunos temas conocidos, alguna melodia-homenaje a Michael Jackson, jugueteo con el ya clásico del Miles de los 90 "Time after time" , sonó tambien algo de "My one and only love", y como fin de fiesta, un super-funky "Tutú", que nunca puede faltar.

El que quizas no tuvo su noche fué el mas veterano, Stanley Clarke. Posiblemente andaba desganado, pero el caso es que no me sorprendió mucho lo que hizo. Con el contrabajo intentó deslumbrar, pero lo ví falto de ideas, repitiendo clichés, y como con ganas de terminar.

Y, efectivamente, tras su solo de contrabajo, anunciaron que el concierto se acababa. Un final algo abrupto, y que debió de estar motivado por las prisas por marcharse, porque si no...no se entiende.

Eso si, dejaron el tiempo justo para un "bis" que estaba cantado que se les pediría, y cuando yo pensaba que terminarian, como en Almeria, con el "School days", resulta que volvieron a la carga con el difunto de moda, Michael Jackson, e hicieron una versión algo descafeinada y oportunista del "Billy Jean", que denotaba no estar muy trabajada.

Asi que, aunque no puedo decir que no disfrutase, porque es superespectacular un concierto de ese tipo, reconozco que no me dejaron totalmente satisfecho.

Y para colmo, despues de ese vendaval, llegaba un cuarteto acústico totalmente distinto. No sabia como mis oidos iban a encajar ese cambio tan drástico.

Me comí el bocata viendo como cambiaban milagrosamente el escenario, que en unos 15 minutos pasó de estar lleno de amplis enormes, y resto de parafernalia, a contener los elementos mínimos, eso si...con un precioso organo Hammond B3 autentico como protagonista central.

Y ocurrió el milagro!!. En cuanto esos 4 pedazo de músicos empezaron a tocar, se le olvidaron los bajistas y la madre que los parió!!!.

Que super concierto de jazz bien facturado nos dieron los chicos de Stefano Di Batista!!!. Haciendo un jazz tambien bastante moderno, super original (Stefano insistia siempre "composizione originale", con su acento italiano), me dejaron maravillado.

No se si podria destacar a algún musico, porque todos me parecieron magníficos en su instrumento. El trompetista Fabrizio Bosso, italiano, combinaba un fraseo perfecto con una velocidad endiablada, y usando de forma muy original la sordina. El organista (que suele ser pianista) Baptiste Trotignon tambien dejó clara su calidad, tienendo ademas la doble tarea de ser el bajista - hacia los bajos con la mano izquierda, en lugar de con el pie, como suele ser habitual en otros - y el organista. Y nos regaló improvisaciones muy bien construidas. Ademas de acompañar muy bien, y de crear esos climas que solo un hammond puede conseguir.

Y el bateria, el americano Eric Harland, tambien me pareció espectacular.

El repertorio, como decia antes, "tuto compozicione originale", casi todas de Stefano, pero que, en un tono de broma que hizo las delicias del público, siempre preguntaba su título al trompetista. Según el, aunque el componia los temas, era Fabrizio quien les ponia el título. Casi todos eran temas de su disco "Trouble Shooting", grabado con estos mismos músicos, mas Russell Malone en la guitarra (ojalá hubiese podido venir tambien), con titulos como "I will love you", dedicado a su mujer o "Weather or not". No recuerdo mas titulos.

Cortisimo se me hizo este concierto, me hubiese quedado una hora mas escuchando a estos cuatro, y eso que, como decia al principio, ya el cuerpo va notando estos dias de febril actividad musical, y mi espalda se resiente de tanta butaca.

A la salida, me pasé por el "World Music", donde volvia a estar tocando mi amigo Adrian, y despues nos pasamos tambien por otro club clásico de Vitoria, el "Rio", donde tocaba un grupo funky-dance muy potente. Ahí, tras escuchar entre el gentío varios temas...mi organismo decidió por mi que "ya estaba bien", y no tuve mas remedio que retirarme al hotel.

Otro buen dia de música en Vitoria, que le vamos a hacer!!!

Triphasic, la música, la electrónica y el descaro

2009-07-17T11:18:00.002+02:00

Triphasic (Llibert Fortuny, Gary Willis y David Gomez) , Teatro Principal (Vitoria), 16 de julio de 2009.

Acudí por la tarde al Principal con ganas y con expectación. La noche anterior ya había tenido un adelanto de los Triphasic, con el mejor invitado que podian tener: Pat Metheny, y me dejaron sorprendido y contando las horas para su propio concierto.

Cuando me enteré de que venían a Vitoria rápidamente me hice del disco "Shaman", y decidí tras su escucha que si había algún concierto de los del Teatro Principal que no quería perderme, ese era el de este alocado trio.

Ya tenia mis referencias, porque desde que lo escuché por primera vez me llamó mucho la atención el saxofonista Llibert Fortuny. Es uno de esos tipos que uno intuye que va a triunfar, porque tiene algo especial. No se de que forma me enteré de la existencia de su disco "Un circo sin leones", grabado en el 2004, creo, y me gustó mucho lo que hacía.

Ahora ha montado, con la ayuda de otros dos grandes músicos - Gary Willis al bajo y David Gomez en la batería, este trio super-electrico, demencialmente eléctrico, diría yo.

Sobre el escenario, además de los instrumentos esperados (saxo, bajo y batería), dos mesas de trabajo en las que destacaban sendos Macintosh, como si fuesen - y lo fueron - dos instrumentos mas.

No me suele gustar la música hecha con ordenadores, cuando se trata de experimentos de laboratorio, en los que gente que no son verdaderamente músicos se dedican a tontear con las maquinas, con un software que alguien ha diseñado para genera música "a lo tonto". Pero lo que hacen estos es otra cosa: usan los ordenadores como otro instrumento, sacándole el máximo partido, y todo ello con el mérito de hacerlo en directo y mientras ademas tocan de forma magistral su propio instrumento.

Nos presentaron en directo el material de su disco "Shaman" (el bromista de Llibert aseguraba que Willis le llamó así tras su estancia en Argentina, debido a las muchas llamadas de telefono recibidas "che...the shaman al teléfono!!!"). Según el propio Fortuny, solo debías creer un 2% de las cosas que decía, asi que...intuyo que el título debió de venir por otra cosa.

Precisamente ese tema - "Shaman" - fue uno de los que hicieron la noche anterior con Pat, y a él se lo dedicaron por la tarde.

El resto de temas, todos muy potentes y trepidantes, salvo una preciosa balada llamada "Invisible", del maestro Willis, cuyo dominio del bajo apabulla.

Si no recuerdo mal, tocaron "Eye Candy", "A dog´s life" - con Llibert bromeando con el público, haciendo de ventrilocuo con un perrito de trapo que llevaba en su particular "atrezzo" - "Diarrea", tema que según el hace referencia exactamente a eso, incluido el ruido de tripas inicial y "Sugus", que tuvo el detalle de dedicar a su dentista, al que no puede pagar ni con lo que cobra en un festival como Vitoria, y todo ello por culpa de su afición a esos ricos caramelos en su infancia.

Algún tema mas, que debía de ser el próximo disco que tienen en preparación, y que no recuerdo su nombre, completó un fantástico concierto en el que hubo buena música, mucha marcha - menudo batería este David Gómez - y muy buen humor en el escenario, porque Fortuny es todo un showman, al que se le nota de lejos que disfruta mucho con lo que hace.

Eso si, concierto no apto para ortodoxos - no de esos de barba larga y de negro que hay en Israel, sino de los que, si por ellos fuese, todo se habría acabado después de Charlie Parker. De hecho, un par de espectadores que yo tenia a mi lado, abandonaron la sala antes de llegar a la mitad del concierto. Bueno, sobre gustos...ya se sabe.

Pat Metheny & Charlie Haden / Diego Amador Cuarteto, la noche de las colaboraciones

2009-07-16T11:40:00.019+02:00

Pat Metheny & Chalie Haden, Diego Amador Cuarteto (con Javier Colina), y...mas sorpresas, Polideportivo Medizorrotza (Vitoria-Gasteiz), miércoles 15 de julio de 2009

Vamos a ver como os cuento yo todo lo que pasó anoche en Mendizorrotza. Por hacer un simil, podria decir que el concierto de ayer es comparable a esos partidos Barcelona-Atletico de Madrid, con muchos goles, buen futbol a ratos, pero sobre todo emoción y sorpresas. Vamos...un concierto de los que crean afición.

El primer responsable de estas cosas suele ser Iñaki, el organizador del festival, que suele gustar de embarcar a músicos de diferentes procedencias y ver que sale de la mezcla.

Y el segundo, en este caso, el guitarrista Pat Metheny, que pese a ser una figura mundial, parece que no se le ha subido "el pavo" y es capaz de pasarse casi 4 horas en un escenario, tocando con todos y de todo, y disfrutando con todo lo que hace. Pero vayamos por partes.

La noche comenzó con el esperado duo Metheny-Haden, en el que dieron un repasito a su precioso disco del 97 "Beyond the Missouri Sky". Temas intimistas y preciosistas, como esa fabulosa versión del clásico de Mancini "Two for the road" que tanto le gusta a mi amigo Antonio Gómez, sonaron maravillosamente en directo. Al principio de la noche Metheny estuvo algo "torpón" pisando cuerdas, pero...no se lo t

engamos en cuenta. El sonido del contrabajo de Haden - ya me lo dice siempre mi amigo Chipo - no es precisamente elegante, pero sus solos suelen ser preciosos.

Tocaron temas como "Waltz for Ruth", "Our spanish love song", "Message to a friend", "First song" y "the precious jewel", con Haden haciendo la melodia al contrabajo mientras Pat rasgaba freneticamente su acústica. Eché en falta uno de mis favoritos del disco, "The moon song", o el precioso "Spiritual" que lo cierra, pero...no podian tocarlo todo. Para compensar, tocaron uno de mis favoritos de Metheny, "Farmer´s Trust", un tema que aparecia en el mitico album en directo "Travels". Así transcurrió la primera parte, con ese ambiente íntimo, y con lo que probablemente Haden (parafraseando una opinión suya en un anterior concierto) denominaría como "beautiful music" , sin mas.

El bis, tambien muy acertado: "Blue in green", supongo que como particular homenaje al aniversario del "Kind of blue" al que tanto bombo se le está dando en este festival.

Tras el pertinente bocata, el escenario estaba preparado para el flamenco-jazz del Diego

Amador.

Reconozco que no conocia bien a este particular pianista, y al principio pensé que no iba a gustarme, porque ya se sabe que eso de fusionar el flamenco con el jazz...o sabes hacerlo o suena a feria de pueblo.

Pero cuando Amador se metió en materia, resulto demostrarme que se trata de un pianista, cuando menos, original y fresco. Es cierto que salpica de flamenco todo lo que toca, y que, por lo que veia en las pantallas de video gigantes, su técnica al piano es cuando menos curiosa, pero el resultado, que es lo que cuenta, es espectacular. Imprime una fuerza al piano que pocas veces tiene uno la ocasión de presenciar. Su sonido es muy guitarristico, ya que supongo que habra estudiado el piano desde el punto de vista de los guitarristas flamencos, y ciertamente suena muy bien. Tiene un sentido del ritmo fabuloso, y en ocasiones...cuando no sonaba tan aflamencado, se acercaba con muy buenas formas al blues.

El grupo que lo acompañaba, con su hijo - Diego Amador Jr.- en el cajón, un bateria increible - Israel Valera - y un contrabajista - no me acuerdo de su nombre - le daban perfectamente la réplica, y en cuanto mis oidos se acomodaron al cambio de sonido (recordad que unos minutos antes sonaban las suaves melodias de Metheny y Haden), empecé a disfrutar de lo que sonaba.

Como invitado especial - el primero - tenian al experimentado contrabajista Javier Colina, todo un veterano del jazz español. Su ultimo trabajo sonado fué el de acompañar a Bebo Valdes y el Cigala en su famoso "Lagrimas Negras". Pero lo que llevamos años escuchando jazz sabemos que Colina es toda una institución en este pais.

Como es normal, su interveción fue fabulosa, adaptandose perfectamente a los aires flamencos que reinaban en el escenario.

Cuando el concierto llegaba a su fin, la verdad es que creo que todos esperabamos que Metheny se marcase una colaboración, y así fue: el "monstruo", como lo presento Diego Amador, se sumó a la fiesta, y tocó un par de temas con el grupo de Amador. El primero creo que era un tema del propio Metheny, y hubo momentos en que Diego Amador casi se transformo en Lyle Mays (de perfil y con las melenas, casi podia dar el pego), y todo sonaba al Pat Metheny Group, pero...con aires flamencos.

Muy curioso. El 2º tema fué otra composicion de Diego Amador, y en esta ocasión fué Pat el que tuvo que adaptarse a ese sonido, sin perder su personalidad en la improvisación. Gran ovación y ya todos dispuestos a marcharnos tan felices...pero no!!!

Por megafonia se anuncia que en unos minutos estarian en el escenario el joven saxofonista Llibert Fortuny con su trio - Gary Willis al bajo y David Gomez en la bateria, y mas tarde el músico vasco Kepa Junquera, para todos ellos colaborar con Metheny.

Hubo gente que...con las prisas...probablemente ya se habia marchado, pues no se esperaba semejante reunión. Los mas prudentes, esperamos, y obtuvimos recompensa.

El Llibert Fortuny Trio - que esta tarde nos deleitará en el Teatro Principal - salio al escenario, y Metheny con ellos, y el cambio fué brutal. Jazz-rock potente, totalmente electrico, con Fortuny jugando con su saxo sintetizado, y como es normal, Metheny tambien con su synth-guitar marroncita, haciendo las delicias de los q

ue, como a mi, tambien nos encantan esos sonidos eléctricos. Se marcaron un par de temas que nos dejaron sin respiración, y ademas con unas ganas horribles de ir a verlos esta tarde.

Otros minutillos de espera, y van sacando al escenario un instrumento que ya tenia yo ganas de escuchar en directo: la "Txalaparta". Instrumento tipico vasco, como una especie de marimba gigante que se toca golpeado con un par de troncos, por parejas.

Aparece Kepa Junquera, con otro músico - al que no presentó, y por eso no puedo decir su nombre- , y Metheny con su guitarra electrica de caja. La mezcla de ese instrumento, mitad percusivo y mitad armónico, con las melodias que Pat iba construyendo con la guitarra, resultaba de lo mas estimulante. Pat improvisó básicamente, aunque entremezclaba melodias y armonias de algunos de sus temas del PMG mas conocidos.

Tambien tocaron otro instrumento, cuyo nombre desconozco, con unos palos mas largos que golpeaban sobre una superficie que parecia de goma, tambien con un sonido de lo mas curioso.

Y tras la percusión, Kepa cogió su acordeón (creo que se llama triki ) y demostró su virtuosismo con ese instrumento. Gran ovación para todos, y ya...por fin se acababa el espectáculo.

Casi en la puerta de salido...escucho otra gran ovación y vuelvo la vista atras: En el escenario, y con sus instrumentos, todos los músicos de la noche reunidos, dispuestos a volver a hacernoslo pasar bien - ya eran casi las 1 de la madru

gada - y aquello no tenia fin.

Volví a mi asiento, y de nuevo a disfrutar con toda esa "maquinaria" de hacer música. Un tema sencillo (probablemente propuesto por Kepa) para que todos improvisasen "de lo lindo".

Un fin de fiesta magistral, porque aunque habia...calculo yo...unos 9 o 10 músicos en el escenario (entre ellos, 3 bajistas-contrabajistas), todo sonaba limpio y claro.

Cuando el concierto se acabó, todos nos mirabamos de reojo como pensando "¿nos vamos...o nos quedamos? A ver si esto sigue....".

Pero no, tenia que terminar....pero fué bueno mientras duró. Probablemente algún purista podria decir que lo de anoche no fué jazz, vale. Pero...y ¿lo bien que lo pasamos?.

Por cierto, una mención muy especial para los técnicos de sonido del festival. Menuda noche complicada debieron de tener, y todo sonó a la perfección. Al Cesar lo que es del Cesar: mi felicitación desde aqui, porque deben ser muy buenos profesionales.

Seguire contando...pero ya mañana, que voy a tomar un rato el aire.

Raynald Colom, calidad y elegancia

2009-07-16T10:35:00.004+02:00

Raynald Colom, Teatro Principal (Vitoria), miércoles 15 de julio de 2009

Otra buena tarde de jazz en el teatro Principal. Y esta vez a cargo de un trompetista que promete. Yo ya habia escuchado su mas reciente grabación "Sketches of goove" (está a punto de editar otro CD, por lo que comentó ayer desde el escenario), y me había gustado lo que escuchaba.

Pero la "prueba del algodón" se pasa en directo, y Raynald - para mi gusto - la pasó ayer con creces.

Para ello también se ayudó, como es normal, de un sólido grupo de acompañantes. Empezando por el pianista, el uruguayo afincado en España Jose Reinoso, que es uno de mis pianistas favoritos en la actualidad. Tuve la ocasión de verlo y charlar con el en Almeria, cuando estuvo tocando con el cuarteto de Carlos Carli (Cuarteto Arguy), haciendo una fusión entre el jazz y las melodías y ritmos uruguayos, y me encantó su forma de tocar. Después he escuchado también un disco en solitario que tiene editado, y me confirmó que es un pianista con personalidad. Su papel en la banda de Colom es determinante, haciendo su trabajo de acompañante cuando debía, combinando el piano acústico con un precioso Rhodes que creaba esos ambientes que la música necesitaba, y ejecutando varias improvisaciones excelentes.

Otro músico a destacar - todos eran muy buenos, pero siempre te impresionan unos mas que otros - fue el percusionista de la banda, Roger Blavia. Manejó con soltura todo el completo "set" de percusión que llevaba, pero sin exageraciones. Me gustan los percusionistas sutiles, los que complementan bien al batería, y no intentan meterse en su espacio, y este sabia hacerlo muy bien, adornando cada tema sabiamente. El batería, Marc Aiza, tambien magnífico. Nos regaló un par de solos increibles, y sabia mantener el tempo de maravilla. Y ya me queda el contrabajista, Tom Warburton, que no por comentarlo el último hizo peor trabajo. Quizas no tan espectacular, pero muy efectivo, y combinandose perfectamente con bateria-percusion, cosa que no debe ser nada fácil.

Ah, bueno, me queda precisamente el lider, Raynald Colom. Creo que tiene un gran futuro en el jazz. Su sonido es limpio y afinado, sus solos son originales, y tambien sus composiciones, haciendo un jazz moderno, creando muchos ambientes - pero sin ser musica ambiental, que no es igual - y aunque creo que es bastante joven, parece ya tener muchisimas tablas. Según comentó su mentor ha sido Horacio Fumero - el segundo tema de la tarde "Horacio" estaba dedicado a él - y un contrabajista de esa solera no suele equivocarse.

El repertorio en su mayoria estuvo compuesto por temas del disco que he nombrado "Sketckes of groove", alguno de su anterior CD, y un par de temas del que va a editar próximamente. Como no recuerdo bien los títulos, antes que equivocarme, pues prefiero no decirlos. El que si recuerdo muy bien es una versión espectacular del ya clásico de Paco de Lucia, "Zyryab", que nos dejó a todos boquiabiertos.

Aunque Raynald intentó estar comunicativo con el público, hablando 2 o 3 veces, la verdad es que probablemente se le dá mejor la trompeta que los monólogos. Y que siga así.

Nueva tarde satisfactoria en el Principal, y de ahi al hotel a descansar una horita, una ducha, y para Mendizorrotza, que la noche prometía.

Mehldau-Haden-Rossi y Cobb, bienvenidos al JAZZ verdadero

2009-07-15T10:54:00.009+02:00

Brad Mehldau, Charlie Haden y Jorge Rossi / Jimmy Cobb All Stars, Polideportivo Mendizorrotza, Vitoria, 14 de julio de 2009

Dice el refrán popular que no hay mal que por bien no venga. Y aunque nunca hay que alegrarse por la desgracia de otros - bueno, según quienes sean "los otros", claro - y mucho menos cuando se trata de un buen músico, resulta que una inoportuna neumonia ha dejado "fuera de

combate" al gran saxofonista Lee Konitz. ¿Quiere decir esto que yo no queria escuchar a Lee Konitz? Para nada. Me gusta muchisimo, y es toda una leyenda, y lamento mucho su ausencia. Peroooo...resulta que la primera actuación de la noche quedó reducida de cuarteto a trio, y ¡¡¡ que trio !!!. Desde hace muchos años yo tenia verdadero interés por ver en directo a uno de mis ídolos pianisticos, Brad Mehldau. Y, los que conocen la musica de este soberbio pianista, saben perfectamente que la formación ideal para escucharlo es el trio. Así que anoche, por fin, pude ver al trio de Brad Mehldau. Con el aliciente de que el contrabajista era Charlie Haden - a quien volveré a disfrutar esta noche con Pat Metheny a duo - y el batería Jorge Rossi, su batería de la primera época, y el que, a mi juicio, mejor sabe entender la forma de tocar de Brad.

Un trio de ases, de maestros. Ahora entendereis porque no eché de menos a Lee Konitz, aunque estoy seguro de que si el hubiese estado, el concierto habría sido otro, pero igual de bueno.

¿Que tocaron? Pues poca importancia tiene, porque en estos músicos el tema es una pequeña excusa, un comienzo para empezar a diseccionarlo con cariño, detalle y virtuosismo. Creo que pude distinguir un par de temas de Parker (totalmente irreconocibles), y el tema que mas me impresionó de la noche: una estremecedora versión del "Cry me a river", donde Mehldau mostró al 100% su lado sensible, que no sensiblero, y que me dejó literalmente pegado a mi asiento.

No entiendo tanto de música como para desmenuzar lo que hace Brad Mehldau con el piano, pero sinceramente creo que no hay nada que no pueda hacer con el. Tiene dos manos derechas, o dos izquierdas...o quizas cuatro manos, por lo que es capaz de extraer al instrumento. Fugas, "voicings" maravillosos, escalas sorprendentes y sobre todo mucha, mucha sensibilidad.

A la par, que no acompañando, estaban Haden y Rossi. Charlie Haden es un contrabajista tambien imaginativo al máximo, y lo demostró anoche con todos sus solos. Y que decir de Jorge Rossy. Es el batería perfecto para Mehldau, con un sentido del tempo increible. Sus solos tambien me emocionaron. Cada vez valoro mas a los buenos baterías, creo que son la base fundamental para que todo funcione en un combo.

Fué una hora y pico de ensueño, de disfrute total y por fin cumplí mi deseo de ver en directo a uno de los mejores trios de todos los tiempos, con permiso del de Bill Evans, claro, pero ese trio...lamentablemente nunca podré verlo.

Y tras ese torrente desbocado de música y sensibilidad, uno piensa si lo mas adecuado no sería levantarse e irse para el hotel, y no escuchar nada mas por esa noche.

Pero quedaba otra actuación que tambien prometía mucho, la de los All Stars de Jimmy Cobb.

Realmente tuvo que influir el estado catatónico en que me habian dejado los chicos de Melhdau, porque aunque todo los musicos de la banda de Jimmy Cobb eran realmente buenos, y el repertorio mucho mas, reconozco que mi mente estaba todavia en el concierto anterior.

Esta superbanda acudia con un objetivo muy definido: la interpretación íntegra de los famosos temas del no menos famoso album de Miles Davis "Kind of blue", del que ahora se celebra el 50 aniversario de su grabación.

Este disco, que yo recomiendo a todo el mundo, supuso una revolución en los conceptos musicales y jazzisticos de la época, y los músicos de aquella grabación - de los que Cobb es el único que aun sigue vivo - eran todos de otra galaxia. Miles Davis, en la trompeta, y dirigiendolo todo, John Coltrane y Cannonball Adderley en los saxos, Bill Evans en el piano, Paul Chambers al contrabajo y el propio Cobb en la batería. Los que entiendan un poquito de jazz sabrán que una reunión de talentos como esa es realmente irrepetible e inimitable.

Tampoco creo que quisiesen imitarlos, pero si lo pretendian, no lo consiguieron anoche. Los músicos en el escenario eran bastante diferentes a los de la grabación, mucho mas viscerales, menos "cool" , mas descontrolados. Quizas porque no estaba ahi Miles para atarlos en corto.

Eso si, buenos...eran buenisimos todos, a ver si me acuerdo: al piano estaba Larry Willis, en los saxos Javon Jackson y Vicent Herring, al contrabajo Buster Williams, en la trompeta, con la dificil tarea de sonar como Miles, estaba Wallace Roney y Cobb en la bateria.

Tocaron íntegramente el "Kind of blue": So what, Freddie Freeloader, Blue in Green, All blues y Flamenco Sketches. Sonaron bien, pero para mi gusto...demasiado acelerados. El "Kind of blue" es un disco que rezuma paz y tranquilidad, aun estando ahi Coltrane y Adderley, y anoche a veces parecia aquello una big band, en la que cada instrumentista hace su "descarga" de solo, sin demasiado control ni sentido.

Puede que mi estado mental y sensorial no fuese el adecuado para escucharlos, tras el trio de Mehldau, pero tengo que reconocer que hubo momentos en que me aburrieron un poquito, solo un poquito. Probablemente se debia de haber respetado el orden del programa (no se porque, cambiaron en el último momento, porque Mehldau debia de ser el segundo), y quizas así hubiese saboreado mejor los dos conciertos. De todas formas, salí de Mendizorrotza totalmente satisfecho tras una noche del mejor jazz que pueda escucharse en el planeta.

Por cierto, solo hay fotos de Jimmy Cobb All Stars, porque el Sr. Mehldau parece que empieza a parecerse a su colega Keith Jarrett en lo que se refiere a manias, y prohibieron tajantemente que se sacase una sola foto. Vale, se lo perdono.

Lyambiko, imagen africana...frialdad germana

2009-07-15T10:13:00.006+02:00

Lyambiko and Band, Teatro Principal (Vitoria), 14 de julio de 2009

Si algo puedo destacar de la cantante Lyambiko es que, simplemente, no me emocionó en ningún momento.

Eso no quiere decir que no me gustase el concierto en su conjunto, pero con la música a veces uno espera momentos en los que se olvide de todo, que no sepa ni donde está, porque el o los artistas que hay en el escenario te hagan alcanzar esa especie de éxtasis al que otros llegan de otras formas mucho mas caras para el bolsillo y costosas para la salud. Mi amigo Paco Clares - a quien desde aquí quiero dedicar todo lo que escriba estos dias, porque se encuentra convaleciente de una intervención quirurgica algo complicadilla que, para alivio de todos, parece que ha salido bien - y yo decíamos en nuestra adolescencia, que estuvo llena de música por todas partes, que no entendíamos porque la gente tenia que drogarse para sentir placer, cuando nosotros lo obteníamos mucho mas de la escucha de un buen disco - de vinilo, eran otros tiempos - o de un buen concierto.

Pues bien, Lyambico tiene una voz maravillosa, aterciopelada, sin alardes ni estridencias, tiene elegancia en el escenario, y estaba acompañada de 3 buenos músico. Pero...no me emocionó. Eso es algo que pasa o no pasa.

Su espectáculo se apoya mucho en la creación de ambientes, temas que van progresando desde su voz "a capella" hasta lograr un cierto climax. De sus acompañantes destacaré al pianista, Marque Lowental, que hizo algunos solos verdaderamente trabajados, tambien en linea ascendente, tal y como estaba todo orientado, y algunas introducciones a piano solo realmente imaginativas. Además, es un verdadero placer escuchar el piano de cola que tienen en el teatro principal. Cada vez valoro mas un piano bien afinado y bien sonorizado, porque es algo poco común en este pais.

El contrabajista - Robin Draganic - y el bateria - Heinrich Koberling - hicieron su trabajo con pulcritud, totalmente al servicio de la cantante.

El repertorio estuvo basado practicamente en su último CD "Saffronia", y especialmente me gustaron temas como "Feeling good", "Don´t smoke in bed", el famoso "Don´t let me be misunderstood", o uno de los últimos "Malaika", que yo recordaba por una versión de los años 80 del grupo Boney M, aunque supongo que será una melodia de origen africano mas antigua.

En definitiva, un concierto agradable de escuchar, y de ver - porque hay que reconocer que Lyambico tiene una belleza exótica impresionante- pero al que le faltó un puntito de emoción. En fin, tampoco es cuestión de quejarse tanto, porque realmente lo que allí sonó fue música muy bien facturada, y eso hoy en día...escasea.

Ahora bien, lo que me esperaba por la noche, eso si que fué Música con Mayúsculas.

John Scofield y Blind boys of Alabama, la noche del Gospel y del espectaculo

2009-07-14T16:48:00.009+02:00

John Scofield and Piety Street Band y The Blind Boys of Alabama, Polideportivo de Mendizorrotza, Vitoria, Lunes 13 de julio

La primera noche en Mendizorrotza tenia como título "Concierto de Gospel", y bueno, posiblemente la organización exageró un poco. No se exactamente como podria definir lo que se escuchó anoche, pero quien acudiese buscando gospel, posiblemente no lo encontró exactamente, y quien acudiese buscando jazz, pues probablemente tampoco.

Eso no quiere decir que no hubiese buena música. Sobre todo en la primera parte.

Estando el maestro Scofield en un escenario, es raro no disfrutar. En esta ocasión presentaba su disco "Piety Street", en el que versiona y recrea, a su manera "scofieldiana" temas cercanos a la música de Nueva Orleans y al gospel.

El problema de estos experimentos es que...si no se hacen bien, le explotan a uno en la cara. A mi el CD me gusta como suena, sin embargo el directo no me gustó tanto. La banda que llevaba Scofield, a mi juicio, no le hacia justicia, exceptuando al teclista y cantante, que reconozco que lo hacía muy bien, y lógicamente, al propio John Scofield, que haga lo que haga con la guitarra suena a gloria bendita (por mucho que mi mujer siga empeñandose en que a veces suena "como si se le pisa el rabo a un gato"). Quizas, para mi gusto, Scofield jugueteo demasiado con sus pedales, no siempre con buenos resultados. Hace unos años lo vi a duo con John Medeski en el Teatro principal, y estuvo mas acertado en esas lides. Quizas este no era el contexto donde hacer ese tipo de cosas.

El concierto comenzó como el disco, con el tema "That´s enough", y fué desgranando practicamente la totalidad del CD. Hubo temas super clásicos, como el "Sometimes I feel like a motherless child", o "Somethings got a hold on me". Particularmente estremecedor fué un tema llamado "The Angel of death", y el concierto terminó, tempranito ya que habia empezado a las 20:30, tal y como acaba el disco: con "I´ll fly away", con un sonido verdaderamente country.

El mismo Scofield recomendó lo que venia despues, y así nos fuimos al descanso - el clásico bocadillo de Mendizorrotza - que yo aproveche para saludar a un buen amigo del pasado año, el pianista burgales Adrian Royo, que andaba por las gradas viendo el concierto.

Tras el descanso, aparecieron en escena los famosos "Blind boys of Alabama". Los que me conoceis, sabreis que yo preparo mis conciertos, y no podia ser menos en este caso, asi que hace unas semanas yo ya tenia algun material en mi poder de estos cantantes, a los que solo conocia hasta ese momento por haberlos visto haciendo coros en un concierto de Peter Gabriel (el de su ultima gira, que os recomiendo a todos). El caso es que vi un concierto de Ben Harper, en el que estos "chicos ciegos" le hacian coros, que me dejó encantado, de forma que tenia ganas de ver como sonaban en directo.

Pues bien, me decepcionaron un poco. Ellos solos, como banda, no son gran cosa. Si, tienen una voces sensacionales, y dan espectáculo, pero musicalmente me dejaron bastante frio. De hecho aguante hasta el final, porque habia quedado a la salida, que si no posiblemente me hubiese ido antes, porque llegaron a aburrirme.

Es un tipo de música que divierte - al menos a mi - durante las 2 o 3 primeras canciones, pero despues todo vuelve a repetirse. Para colmo, llegando al final de concierto, el cantante principal - Jimmy Carter, creo que se llama, pero no es el de los cacahuetes - decidió montar su particular "pollo", y de la mano del guitarrista - que no debia estar tan ciego como el - bajo del escenario y se paseo por entre el público, haciendo las delicias del respetable, pero invirtiendo en semejante operación calculo que unos 20 minutos, mientras el resto repetian un cansino riff desde el escenario.

El concierto de anoche creo que es de los que la organización del festival se apunta un tanto, porque obtiene mucho éxito popular. Otra cuestión es la calidad musical. Pero yo comprendo que para hacer un festival tan grande como este, hay que hacer algunas concesiones. Y...bueno, la verdad es que el paseito del ciego fué divertido. De hecho , yo me harté de sacar fotos.

Total, que por fin se acabó el show de los de Alabama, y me encontré al salir con una buena tormenta de verano, de esas del norte. Menos mal que un amigo de mi amigo Adrian (que ya tambien es amigo mio, claro) tenia coche, y nos fuimos los 3 para el centro de Vitoria.

Los que han estado por aqui sabrán que en los clubs del centro, con la excusa del festival, se programan algunos conciertos. Nos fuimos para el World Music, en la Calle San Prudencio, donde tocaba el cuarteto del muy buen saxofonista Kike Guzman, con el que Adrian ya habia quedado.

Resultó que tenia un teclado preparado para que mi amigo Adrian Royo se tocase unos temas con ellos, así que no podia desaprovechar la ocasión de escucharle, y...me zampé el 4º concierto del dia :-). Y por cierto, tocó pero que muy bien, dejando sorprendidos a los clientes del local, por su habilidad y su buen gusto con las teclas.

Al final de la noche reconozco que llegue al hotel bastante cansado, pero...total, tengo las mañanas para descansar, asi que no pienso privarme de nada.

Dentro de un rato me voy al teatro Principal a ver a la cantante Lyambiko, y despues a Mendizorrotza a una de las noches fuertes para los jazzistas: Jimmy Cobb y su banda, haciendo un homenaje al "Kind of blue", y Lee Konitz, Brad Melhdau, Charlie Haden y Jorge Rossy, en la segunda parte. Unos grupos de ensueño. Estos...no pueden decepcionarme.

Pero eso...lo contaré mañana.

Gonzalo Tejada Trio, con Ingrid Jensen

2009-07-14T10:29:00.008+02:00

Gonzalo Tejada Trio, con Ingrid Jensen, Teatro Principal (Vitoria-Gasteiz), lunes 13 de julio de 2009

Magnifico comienzo del festival de este año. Me encanta comenzar con esta frase, porque indica que la cosa promete. La verdad es que pocas veces me ha decepcionado alguna de las actuaciones programadas por el festival en el Teatro Principal. Suele ser el lugar donde arriesgan, donde se ve el jazz que se cuece en este momento, dejando el polideportivo de Mendizorroza para las grandes estrellas consagradas, e incluso para otros estilos musicales...digamos...cercanos al jazz. pero en el pequeño teatro, no, ahí se escucha lo que un buen aficionado a esta música quiere oir.

Esta primera tarde la dedicaron a un ciclo que llevan repitiendo unos años, en el que tratan de unir a algún músico foráneo con artistas de la tierra.

Los "de la tierra" eran el buen contrabajista vasco Gonzalo Tejada, y los catalanes Roger Mas en el piano y David Xirgú en la batería. Y como invitada, la fabulosa trompetista canadiense Ingrid Jensen, a quien, si no recuerdo mal, ya pude ver el pasado año con la big band de Maria Shneider, y con la que nos regaló un solo fantástico.

El concierto fue una verdadera delicia. Comenzó con una introducción al contrabajo solo, por parte de Gonzalo. Totalmente afeada por los ruidos estruendosos de las máquinas fotográficas. Desde aqui (y probablemente no lo leerá nadie de la organización, pero por si acaso) querria denunciar este hecho. Los fotógrafos profesionales merecen todo mi respeto, y se que están haciendo su trabajo, pero...por hacer su trabajo no pueden literalmente "cargarse el trabajo de otros." Durante toda la introducción, en la que el teatro parecia vacio por el silencio reinante, solo sonaban las preciosas notas del contrabajo, y las machaconas cámaras fotográficas, arruinando totalmente una fantástica intruducción. Tuvo que acercarse alguien del público a recriminarles, y aún así...todavia se escucharon algunas mas. Lamentable, y si algún fotográfo lee esto y se siente aludido, que no dude en contestarme...o en darme alguna explicación, aunque sinceramente creo que no hay justificación alguna.

Pasado este trago, el concierto comenzó en trio, con un tema del pianista, que creo se titulaba "Lluvia en Vitoria", y tras el presentaron a Ingrid. El grueso del repertorio fuerón temas de la trompetista, que dejó constancia de una enorme calidad como compositora, y como solista sobre todo.

En un par de temas, apareció como invitada sorpresa la cantante Carmé Canela. El primer tema fué un instrumental, en el que la melodía sonó al unisono con la voz y la trompeta, con un efecto muy cercano a lo brasileño. Y el segundo, una preciosa balada compuesta por el batería David Xirgú, e interpretada en catalán por Carmé.

Tambien hubo tiempo para una composición del propio contrabajista, llamada 3 y 4:34, y quizás el momento mas mágico de la tarde: un duo trompeta-contrabajo, con una interpretación muy íntimista del clásico "All blues" de Miles Davis.

En definitiva, que salí del teatro con la moral por las nubes, pensando en que ademas...aun queda el resto de la semana para seguir disfrutando de horas y horas de la mejor música del planeta.

Y por la noche: Scofield y los Blind Boys of Alabama. A ver que tal lo hacian.

Javier Vercher 4to, maestria y juventud

2009-07-13T09:05:00.010+02:00

Javier Vercher Cuarteto, Cafe Central (Madrid), domingo , 12 de julio de 2009

Retomo mis humildes crónicas musicales, desde la capital de jazz en este momento en nuestro pais: Vitoria-Gasteiz.

El año pasado tuve que interrumpirlas porque practicamente no tenia ni un minuto libre al dia - me matriculé en el seminario de la Julliard, y ademas asistia a todos los conciertos - pero este año creo que va a ser todo lo contrario, ya que voy a disponer de toda la mañana libre, aunque...algo de turismo haré, pero habrá tiempo para todo.

Ahora, tras un estupendo desayuno y antes de echarme a la calle, querria dejar constancia estos

últimos dias.

Puede decirse que estoy teniendo unas verdaderas vacaciones musicales. La pasada semana tuve la suerte de acudir al III Curso de Jazz de Granada, en el conservatorio "Angel Barrios", y me pase unos dias verdaderamente fantásticos, con un pianista de altura como profesor: el americano David Lenker. En el cuadro de profesores habia muchos mas músicos de gran calidad, como mi buen amigo Pancho Brañas (a quien agradezco que me recomendase el seminario), el saxofonista Antonio Gonzalez, el flautista Fernando Wilhelmi y el guitarrista flamenco Miguel Angel Parra "Parrita", que nos deleitó a todos con unas estupendas clases de iniciación al flamenco.

Pues, una vez pasada esa semana totalmente rodeado de música y músicos, y haciendo lo que realmente me gusta, llegue a casa y casi cambié una maleta por otra ,para venirme a Vitoria.

El caso es que, como teniamos unas gestiones que hacer en Madrid el lunes por la mañana, dividimos el viaje en 2 partes, que ademas es muy recomendable para no hacer tantos kilómetros seguidos, e hicimos noche en Madrid. Y reconozco que en los últimos años me pasa como al "meapilas" que pasa por al lado de una iglesia y es incapaz de no entrar y echarse unos rezos: si estoy en Madrid...me cuesta mucho no darme una vuelta por el Café Central, a ver que se cuece por alli.

Y menudo cocido habia el domingo!!!!. El señor Javier Vercher, con su cuarteto. Jazz de mucha calidad, y ejecutado con una maestria sensacional. Ya tuve la suerte de ver a Vercher aqui, en Vitoria, hace algunos años, en el Teatro Principal, y me dejó impresionado. Tiene una técnica y una inventiva con el saxo, que si uno no lo estuviese viendo, pensaría que tiene mucha mas edad. Pero es un joven valenciano, que lleva ya algunos años pisando muchos escenarios de los mejores clubs de Nueva York.

El domingo, que era su ultimo dia en el Central, tocaba con una banda que no se si será la suya habitual, o si la montó para venir por aqui, pero igual daba, porque sonaban totalmente cohesionados. En el piano estaba el italiano Andrea Pozza, en el contrabajo, y como invitado por indisposicion del titular, Pablo Martin, y en la bateria el cubano Francisco Mela.

Entre los cuatro dieron un buen repaso a la historia del jazz, porque aunque gran parte del repertorio se compuso de temas propios, que rezumaban una modernidad increible - por cierto, uno de los temas que mas me gustaron fué uno del batería, Francisco Mela - , rozando el free...pero sin llegar, por otra parte, y como para demostrar de donde viene todo esto, interpretaron tambien un par de temas de Thelonious Monk (ask me now y Misterioso), y otro que creo que era de Ornette Coleman (aunque creo que no llegó a decir el título).

Me gustó especialmente el pianista (o quizas es que - por deformación - es en quien mas me suelo fijar). Sus solos no eran nada comunes, los construia con muchisima imaginación, y sus recursos pianisticos eran muy originales. El contrabajista tambien dio muestras de su calidad, sobre todo hubo un solo, en el tema de Coleman creo recordar, que me dejó alucinado.

Y el bateria, como buen cubano, poseia una energia inagotable, aunque cuando debia pasar a segundo plano sabia hacerlo a la perfección. Magnificos acompañantes para el lider, Javier Vercher, que nos dió todo un recital de "como se toca el saxo".

Para completar la fiesta, minutos antes del segundo pase apareció por alli el amigo Jorge Pardo, con su flauta. Tengo constancia de la gran admiración que Vercher profesa hacia el gran maestro Pardo. De hecho, en uno de los últimos conciertos del Bogui (cerrado por la incompetencia municipal madrileña) en el que estaba tocando Jorge, pude charlar un momento con Javier Vercher y me comentaba que admiraba a Pardo desde su niñez, y que siempre que podia iba a escucharlo. Pues bien, como Jorge es todo un caballero, y ademas supongo que tambien disfruta de ver y oir a las nuevas generaciones, alli que se presentó. Y como no podia ser menos, fué invitado al escenario, tocando el último tema, un clásico de Parker "Moose the mooche", que nos dejo a todos con un estupendo sabor de boca.

En definitiva, que como aperitivo al festival de Vitoria, no estuvo nada mal, y no tendré mas remedio que seguir peregrinando por el Central cada vez que pise Madrid. Esto ya es como una promesa.

Tiromancino, Sala Heineken (Madrid), 19-05-2009

2009-05-21T19:51:00.006+02:00

Tiromancino, Sala Heineken (Madrid), 19-05-2009

Aunque lo que a mi siempre me tira es el jazz, mis gustos van mas allá, y nunca desprecio la ocasión de escuchar otros tipos de música, y si es en directo mucho mejor.

Aprovechando la gentileza de Ivan, amigo de mi hermana y a la sazón técnico de iluminación de dicha sala, allí que acudimos a ver a un grupo desconocido para mi - Tiromancino - pero que en la vecina Italia deben ser "lo mas de lo mas".

Como me gusta estar bien documentado, ya había escuchado algunos temas suyos, e incluso había visto algunos videos por internet, y lo que vi me gustó.

La sala Heineken, en la que nunca habia estado, me agradó tambien. Sin tener nada especial, porque todas las salas de conciertos se parecen bastante - o quizás no, pero como siempre las ve uno a oscuras...da esa sensación - me resulto agradable estar alli.

Hubo un par de decepciones, que no enturbiaron la noche, pero...la hicieron mas larga y no tan divertida como esperaba: la primera, que había un telonero. Con el respeto que me merecen siempre todos los músicos, la verdad es que no me apeteció nada escucharlo. El chico no lo hizo mal, y además...solo con su guitarra y su voz, ante un publico que pasaba de el, pues tiene un mérito. Pero me aburrió su música.

La segunda, que los Tiromancino que se presentaban en la sala...eran una versión acústica y reducida: 2 músicos solamente, el cantante, guitarrista y lider de la banda, Federico Zampaglione, y un teclista que lo acompañó "suavemente", casi siempre con sonidos de piano eléctrico (eso si, el piano que llevaba era mi querido Nord Stage, que cada vez se está extendiendo mas).

No obstante, reconozco que con tan sobria instrumentación, los temas sonaron muy bien. También, tanto mi hermana como yo, teníamos el handicap de no entender "ni papa " de italiano, lo cual hacía que perdiésemos el mensaje de las canciones, y es que al parecer tienen unas letras muy interesantes.

No conozco demasiado la discografia de Tiromancino, pero si que me sonaron algunos temas, como el que yo creo debe ser su mayor éxito: "Casi 40", o una preciosa balada llamada "Felicitá".

Lo curioso es que la sala estaba totalmente invadida por lo que supongo será la colonia italiana residente en Madrid, cosa que además el sr. Zampaglione debía de saber, porque no tuvo el detalle de soltar ni una sola palabra en castellano. Teníamos la sensación de habernos colado en un concierto privado para italianos en España. Un "gracias por venir" en español no hubiese estado mal, Federico.

En definitiva, no me arrepentí de ir porque he descubierto una nueva banda interesante, pero alguna vez me gustaría verlos al completo, y no en su versión reducida.

Joshua Edelman Trio, Café Central (Madrid), 18-05-2009

2009-05-19T20:06:00.009+02:00

Joshua Edelman Trio, Café Central (Madrid), 18-05-2009

Y llegó el lunes, cuya mañana tuve que dedicar, ya sin mas remedio, a lo que a Madrid me ha traído, es decir, en esta ocasión concreta, aprender un poco mas sobre Linux y otras herramientas, y sumergirme en ese misterioso mundo de siglas y palabras extrañas y frías que configuran el mundo de la informática (que son la teclas que yo toco...para ganarme la vida). Una vez pasado el "trago" obligatorio (tampoco es para tanto, a veces casi me gusta y todo), dedique la tarde al descanso, con vistas a volver al Central por la noche, en esta ocasión para ver la primera actuación de la semana en ese local de un pianista, compositor y arreglista por el que tengo especial admiración: Joshua Edelman.

Hace algún tiempo, por circunstancias que creo haber contado en este mismo blog (así que no voy a repetirme) tuve la ocasión de comprobar que Joshua, además de buen músico, es también una persona con gran calidad humana, así que mi admiración por el aún subió mas enteros.

El caso es que tenia yo ganas de verlo en directo y con tranquilidad. Y resulta que hace unas semanas compruebo - con alegría - que durante toda la semana que yo iba a pasar en Madrid él iba a estar tocando en trio, y en mi club favorito .¿se puede pedir mas?.

Pues si, pidiendo un poco mas, hasta la compañía fue estupenda, porque me acompañó mi hermana pequeña, que vive aquí en Madrid, y que...aunque no es "especialmente aficionada al jazz" (no le gusta que diga que no le gusta el jazz, y puede que con razón, porque creo que un poquito ya le va gustando), por tal de pasar un ratito conmigo, se aviene siempre que puede a acompañarme.

El maestro Edelman apareció por allí poco antes de las diez, así como los 2 fabulosos músicos cubanos que lo iban a acompañar: Moises Porro, en la batería y percusión, y Yelsy Heredia en el contrabajo.

Con la puntualidad habitual del Central - una de las cosas que me encantan del local - comenzaron el concierto con "Juicy Lucy" un tema de Horace Silver, puro hard bop neoyorquino, sentando las bases de lo que alli iba a ocurrir.

Joshua viene dedicándose desde hace años a investigar en las raices de la música latina, y fusionarla con sus propias raices de su Nueva York natal, son las del mas puro bop, y para ello además casi siempre está arropado por musicos de esas latitudes, pero con la peculiaridad de que todos comparten como residencia nuestro país, y concretamente Madrid.

Así que, en lugar de tener el típico repertorio de "standards" americanos, Edelman incorpora también temas mas tradicionales latinos, o arregla temas del cancionero americano "a lo latino", con unos resultados excelentes.

El segundo tema, por ejemplo, fue "Almendra", típicamente cubano.

Como es lógico, gran parte del concierto lo dedicó a desgranar muchos demás de su ultimo CD "Calle del Rosario", disco que recomiendo a todo el mundo, y en el que cuenta con unos músicos de excepción como Steve Turre, Manuel Machado, Edith Salazar, y los presentes Heredia y Porro.

De ese disco, si no recuerdo mal, nos ofreció un simpático blues dedicado a su perro "Zortzi´s Dance", otra composición suya llamada "Refugio" y un precioso arreglo con ritmos cubanos de una pieza de Carl Emmanuel Bach, llamado "Solfeggietto" (con el que cerró el concierto, por cierto).

En el apartado de baladas, preciosa también su composición "Mas vale tarde que nunca", título indicativo del tiempo que tardo en componerla, tras la petición de una amiga aficionada a las baladas de jazz.

Sobre el standard "Laura" también nos deleitó con un arreglo del pianista cubano Peruchin, muy original, y como es lógico, muy latino tambien.

Genial tambien sonó la versión del "My one and only love", uno de mis standards favoritos.

Y otro tema de una belleza excepcional fue una también balada de Michel Legrand titulada "Do you keep the music playing".

Una gran variedad de estilos, de compositores y de arreglos, por los cuales el trio pasaba sin problemas, dominándolos todos. El contrabajista Yelsy Heredia nos ofreció -y nos cantó también - algún solo verdaderamente espectacular, derrochando originalidad y simpatía. Y Moises Porro hizo un trabajo impresionante, sobrio cuando se requería, sobre todo en las baladas, usando las escobillas con gran sensibilidad, y potente en los temas de sabor mas latino. También nos ofreció algún solo de percusión, con un fondo de tumbao, de los que Joshua Edelman es un maestro.

Cuando ya se despedían, tras el arreglo cubano-barroco que comentaba antes, ante la insistencia del respetable, nos soltaron así, a bocajarro, un "Round Midnight" de los que ponen "los pelos como escarpias". Con semejante bis, nos fuimos encantados del concierto. Como le dije a Joshua...no me despedia, porque le prometía volver, y así lo hice. Pero eso lo contaré en otro momento.

Doris Cales Quintet, Café Central, 17-05-2009

2009-05-19T19:41:00.003+02:00

Doris Cales Quintet, Café Central (Madrid, 17-05-2009)

Aprovechando que el domingo es el último día de actuación del grupo que tenga su semana en el Central, aterricé por allí para ver al quinteto de la cantante Doris Cales, ya que no tendría ocasión de verlos a la semana siguiente.

No me arrepiento, aunque tengo que reconocer que "no me llegaron" como yo esperaba, sabiendo "a priori" de la calidad individual de algunos ellos.

Doris tiene una buena voz, con unos toques que a mi - no se porque - me recordaban mucho a Barbra Streisand, aunque en una tesitura mas baja. Se nota su experiencia en los escenarios, aunque no estuvo excesivamente simpática.

La banda que la acompañaba contaba con algunos conocidos para mi, y otros no tanto. Destacaré al pianista, German Kucick. Es realmente bueno este músico, aunque a nivel personal reconozco que tuve una mala experiencia con él cuando acudió como profesor a un seminario en Almería, y su comportamiento fue de una antipatía hacia los alumnos que rayó en la mala educación. Supongo que tenia un mal día, y como dice ese filosofo popular que es Chiquito: "una mala tarde la tiene cualquiera". Obviando ese tema, tengo que reconocer que conoce el oficio, y además es muy moderno tocando, algo realmente peligroso cuando acompañas a un cantante. Creo que supo compaginar muy bien su fraseo arriesgado en los solos, con un acompañamiento agradable y mas convencional en las melodías.

El saxofonista, cubano creo que era, Ariel Bringuez, también me gustó. Joven y con fuerza, sus solos, aunque sencillos siempre, te llegaban con facilidad.

Y la sección rítmica también era de calidad: "El negron" al contrabajo, y un Juanma Barroso a la batería, dominando "todos los palos", cuya labor me gustó especialmente.

Quizás fallo un poco la banda en su conjunto: aunque los temas estaban bien arreglados y ejecutados, no lograron conectar demasiado. Quizás por ser el último día estaban algo cansados, no se.

El repertorio también fue muy variado, intercalando "standards" con alguno temas compuestos por la propia Doris, algunos arreglados por Germán. A destacar una preciosa balada de la cantante, acompañada solo por el piano y la versión del "Moon over Bourbon Street" de Sting, por desgracia afeada un poco por un problema en el sonido del contrabajo.

Bueno, para empezar la "procesión musical" estuvo pero que muy bien. Aunque el plato fuerte, el concierto que realmente me apetecía, era el del día siguiente.

Madrid en primavera...y con banda sonora (I), 17 de mayo de 2009

2009-05-19T19:19:00.004+02:00

Reconozco que últimamente ando tan ocupado que casi no saco tiempo para escribir.

Mirando el blog, resulta que llevo meses sin dejar "recados" por aquí. Algunos conciertos he visto en estos últimos tiempos, y aunque ahora no lo recuerdo, seguro que me han gustado (como el que dieron mis amigos Paco Rivas y Diego Cruz en Clasijazz hace 2 sábados, que fue excepcional), y que no he tenido tiempo de comentar.

Pero hoy, aquí en la habitación de mi hotel, en Madrid, y a la espera de salir para ir a otro concierto (del grupo italiano Tiromancino) de repente me han vuelto las ganas de teclear (y conste que la habitación de un hotel no es el mejor sitio).

Llevo aquí desde el sábado por la noche (por motivos personales tuve que viajar un poco antes), y el domingo tuve que pasar todo el día en un Madrid que está realmente esplendoroso: luz, buen clima, sol...calorcito, vamos: la primavera que ha llegado al Corte Ingles, y como aquí hay unos cuantos, pues se nota mas.

El caso es que el domingo por la mañana pensaba pasarlo paseando, pero a la altura del Museo del Prado tuve la grata sorpresa de comprobar que celebraban noseque evento, y que la entrada era libre, y además - cosa extraña en Madrid - no había cola!!!!!.

De forma que pasé una cultural e interesante mañana en uno de los mejores museos del mundo. No estuvo nada mal para comenzar la semana, la verdad.

Aunque lo mio no son las artes plásticas, tengo que reconocer que uno se tiene que descubrir ante ciertas obras maestras (ciertos cuadros de Goya, Velazquez, Murillo, etc) aunque solo sea por lo que históricamente representan, sin entrar en detalles técnicos que yo no domino.

También pude ver una exposición de las "itinerantes" que de vez en cuando tiene el Prado, en este caso la llamada "La bella durmiente", de algunos pintores ingleses, que era también realmente impresionante. En fin, que casi me olvido del almuerzo perdido por las múltiples salas del museo. He dicho casi, porque al final...comí, claro.

Dedique la tarde al también importante arte del descanso (ese si que se me da bien), para coger fuerzas con vistas a mi pertinente salida nocturna, en este caso encaminada al Café Central,que comentaré en el siguiente capítulo (asi me creo que soy un novelista por entregas) .

Vince Benedetti Quintet, hard bop para el mundo

2009-01-25T11:02:00.012+01:00

Vince Benedetti Quintet, Casa de la Música de Carboneras , 24-01-2009 (III Festival de Jazz de Carboneras)

Lo del quinteto de Vince Benedetti es como un viaje en el tiempo al mejor jazz de los 50 y 60 que se hacía en norteamerica, hasta la irrupción de la electrónica por un lado y el rock´n´roll y el pop por otro. Y conste que yo como aficionado y músico, no reniego de ninguno de los estilos musicales citados, que hay tiempo para todo. Pero escuchar este tipo de jazz, y de la forma tan meticulosa y seria como lo hacen los miembros del quinteto de Vince, es una maravilla.

Reconozco que este concierto era muy especial y esperado para mi, personalmente, porque tengo el privilegio de ser, desde hace unos meses, alumno de Vince Benedetti. Y que alguien de su talla (y no me refiero a la altura física...que también la tiene) te acepte como alumno ya es todo un lujo y una oportunidad que para nada quiero desaprovechar. Por tanto, cuando me enteré de su actuación en Carboneras, la apunté en mi agenda como una cita ineludible.

Yo ya había visto al quinteto hace mas de un año, creo, en el club Clasijazz, pero aquella noche era una de esas con algo de "bullicio" en el local, y aunque disfruté de la actuación, nada comparable con este concierto la Casa de la Música de Carboneras, que se está transformando en uno de mis lugares favoritos donde escuchar música.

El concierto comenzó con un tema llamado "Showtime", cuyo compositor no recuerdo - o quizásVince no lo mencionó. A este siguieron un abanico de temas muy representativos de la época citada, y de los compositores y músicos que son referentes para Vince Benedetti: Horace Silver, Hank Mobley, Wes Montgomery y sobre todo Barry Harris.

Sonaron temas como "This dig of you", de Mobley, la preciosa balada "Rouge" de Barry Harris, "No smoking" de Horace Silver, y alguno que no recuerdo de Wes Montgomery.

También hubo tiempo para una composición del propio Benedetti llamada "My godspell".

Que decir de los músicos: En los metales estaban dos de los mejores vientos que he escuchado últimamente, granadinos ambos. Miguel Angel Romero, con la trompeta y fliscorno, que demostró un gran dominio de ambos instrumentos - reconozco que yo tengo debilidad por el fliscorno y disfruté de lo lindo cuando lo cogió.

Antonio Gonzalez estaba al saxo tenor. Menuda sensibilidad tiene este hombre tocando. Los principios de sus solos te dejan ya totalmente atento, porque sabe captar tu atención con suavidad desde la primera frase. Tenemos la suerte de contar con este músico en Almería, ya que vive en nuestra ciudad, así que a ver si se prodiga mas por la escena jazzistica almeriense, porque todos lo agradeceriamos.

En la sección rítmica, dos veteranos de lujo: Guillermo Morente, grandisimo contrabajista granaino, que nos dejó varias improvisaciones de categoría, y que le saca un sonido fantástico a su instrumento, y Julio Pérez en la batería, a quien ya vi la semana anterior con el cuarteto de Vicky Cruz (ver crónica en este mismo blog), y que demostró su versatilidad, tocando de forma muy diferente en este contexto "hardbop", lo cual indica que es un batería experimentado y muy técnico. Su solo de batería casi al final del concierto, nos dejó sin respiración.

Y, como pianista, arreglista y - según sus palabras - "apoyo moral" - tras las teclas y dirigiendo "el cotarro" el maestro Vince. No soy objetivo hablando de Vince Benedetti, porque ... ¿que voy a decir yo de la persona que en unos pocos meses me está enseñando mas del jazz de lo que yo he podido aprender en 25 años?. Pero es que en las manos - y en la mente - de este hombre hay un arsenal de conocimientos de jazz y de música en general. Su papel en el quinteto no es el de pianista virtuoso, sino el de director, por lo que sus solos son cortos, sobrios, sabios y contundentes, cada nota que da tiene un sentido, y cada bloque de acordes está en su sitio, sus acompañamientos son perfectos, fruto de la experiencia y el estudio de toda una vida dedicada a la musica afroamericana. Lástima que el instrumento del que dispuso esa noche no estuviese a la altura, pues se trataba de un piano eléctrico que, por mucho que intentaron, no lograron que tuviese un sonido satisfactorio y acorde con el resto de instrumentos. Un buen piano acústico en ese escenario hubiese sido la guinda del pastel de este concierto, pero no pudo ser. Aún así, Vince sacó todo lo que ese instrumento podía dar, como era de esperar de un músico de su categoría.

Y todo ello, regado con sus comentarios y su particular sentido del humor, hablando siempre entre tema y tema, presentándolos y haciendo una pequeña introducción de cada uno, cosa muy de agradecer para el público, que normalmente queremos saber que estamos escuchando.

Si a esto añadimos que, tras el concierto y antes de partir cada uno para su lugar - Granada ellos y Almería nosotros- pudimos degustar junto a ellos una sabrosa cena informal en un chiringuito del paseo marítimo de Carboneras, con todo tipo de pescado variado de la zona, se puede decir que la noche rozó la perfección, a nivel personal, musical y hasta culinario.